Entrevista con Domenico Caliri su Blog Chitarra e Dintorni

Entrevista con Domenico Caliri      Traductor Rubèn Costanzo

¿Cuándo empezaste a tocar la guitarra y por qué?
Empecé cuando acababa de cumplir once. Nos regalaron una guitarra para mi hermana y yo, con el tiempo me convirtì en el ùnico poseedor. Ella la usaba sólo en raras ocasiones, mientras yo la observaba todo el día y tomaba en manos en la primera oportunidad. Así empezó todo.

¿Qué estudios hiciste y cuál es tu background musical?
Mi formación fue breve y fragmentaria. Muchos de los nudos no resueltos tratè de devanarlos después como autodidacta (la búsqueda nunca termina). Empecé con la guitarra clásica. Después de años de experimentos, a los dieciséis años, me inscribí en el Conservatorio, pero nueve meses después estaba en conflicto con el profesor (no lo voy a nombrar, pero no lo quiero llamar maestro), así que no comencé el segundo año, a pesar de que me habían confirmado el ingresso. Después de un par de años hice un segunto tentativo con un profesor local, Daniele Grasso, esta vez con la electrica y con el jazz (o más bien la fusion, que era in boga en esa epoca). Yo ya tenía una buena técnica pero todavía estaba en ayunas sobre la improvisación. Este tentativo fue más fructifero y duradero, pero después de dos años sentí que tengo que estudiar de otra manera, así que continuè solo. Estudié armonía y composición en privado con Albino Taggeo, un compositor de metadliudd muy abierta que me hizo descubrir la riqueza del pentagrama y la escritura. A menudo me detenìa a escuchar las lecciones posteriores a la mía. Por la noche escuchavamos contemporánea y free jazz. Tenía una curiosidad voraz y le rusultè simpatico. En tres años hemos hecho de todo, desde el contrapunto al análisis, de la fuga a la música serial. Obtuve la licencia de teoría y solfeo en el Santa Cecilia ante a una mesa de exàmenes muy severa, entonces traté de entrar en el curso de composición, pero algo salió mal. Mientras tanto, me inscribí al DAMS (N. del T. Dams: licenciatura en arte y espectàculo)de la Universidad de Bolonia, pero aparte de algunas lecciones memorables Aldo Clementi, Roberto Leydi, Luciano Nanni y Giampiero Cane, sabía que no era en mi camino, por lo que a los 22 años decidí contestualmente y definitivamente a vivir de la musica y estudiar solo.

¿Con que guitarras tocas y con cuales tocaste?
La primera guitarra eléctrica la tuve alos dieciocho años: la clásica "colecta" de los compañeros de clase. Fue una B.C. Rich. Todavía me estoy preguntando por qué eligì esa guitarra. La tuve sólo un año. Actualmente tengo cinco guitarras: la que yo llamo "histórica" porque lo compré hace 27 años es un Ibañez GB 30 modificada con pick-up ativos EMG y con material fonoabsorbente dentro de la caja; tambièn una clásica Sergio Piretti, una de doce cuerdas Eko Eldorado, modelo histórico del '77. En los últimos años se agregaron dos hermosas archtop, ambas de 16 pulgadas: Una D'Acquisto Jazz Line con con caja ¾ y una Eastman AR 805 con caja profunda y con pick-up Zoller suspendido. Estoy contento poque puedo decir que tengo toda la gama de sonido, desde la acústica a la eléctrica.

¿Cómo surgió el proyecto Camera Lirica?

Por una comisión del Festival Angelica en Bolonia para la edición de 2006; más exactamente de una charla con el director artístico Massimo Simonini, con quien ya habìa colaborado en varias ocasiones en años anteriores. Fue un concierto de mis composiciones de los años años '90 adaptadas para un ensemble de trece elementos, sobre el modelo de los conjuntos de música contemporánea, pero con un ligero predominio de saxofones. Para la ocasión, escribí una nueva suite ("Bacanale") subtitulada: “allegoria sonora in cinque quadri” (Trad: alegorìa sonora en cinco cuadros). En ese momento yo había organizado un grupo abierto de una veintena de músicos llamado "Libero Ostile" ( trad: “Libre hostil” , el sondido de estas dos palabras en italiano juega con el sonido de las palabras “Libero stile” o sea:”libre estilo” en castellano). Nos veíamos todos los domingos (Container Club) para estudiar particulares ejercicios de improvisación colectiva. En ese momento me llegó el encargo y por consecuencia de cosas, la elección cayó sobre estos "amigos del domingo."

¿Cuàles fueron y son tus principales influencias musicales?
En los años 80 yo no estaba muy atraído por la música en la circulación, màs que nada escuchava progressive de los años 70 , especialmente los Gentle Giant, Génesis del primer periodo (hasta el 76), también de Pink Floyd e Yes . Despuès llegué a la producción de la ECM escuchava: Ralph Towner, John Abercrombie, Jack De Johnette y otros. Desde allí el paso en direcciòn del Jazz era corto, pero confieso que ha sido "capturado" (por suerte sólo por dos años) también por el fenómeno de la fusion. Después empecé a descubrir la música clásica, especialmente sinfónica, a través de escuchar en forma metorica los programas nocturnos de RAI RadioTre.

¿Cuàl se tu modo de expresar tu "forma" musical, tanto en la ejecuciòn como en la improvisaciòn, cuando estás tocando “solo” o junto con otros músicos?
Cuando toco solo establezco un área tonal y dos o tres temas sobre los cuales improviso creando extemporáneamente una estructura en la que el primer tema también puede volver después del segundo o después de la tercero, y así sucesivamente. En general busco en la improvisaciòn la misma concentración y profundidad de la parte escrita. La "forma" que más me atrae es la composición instantánea, en la que considero fundametales la métrica y la busqueda tìmbrica; esto es más evidente y dinámico cuando toco con otros músicos. Enmascarar la improvisación con la escritura y viceversa es quizás la práctica más difícil en absoluto, pero cuando la mezcla es fluida se crea una energía única e irremplazable.

¿Desarrollas una "forma" predefinida agragando ajustes cuando sea necesario, o dejas que la "forma" en sí emerja segùn las situaciones, o usass ambos enfoques creativos?
En mis grupos rara vez establezco un programa bien planificado. Más a menudo escribo la "esquema" del reperorio y establezco sólo la pieza de apertura. Cada pieza tiene sus propias incipit no necesariamente a cargo de la guitarra. De esta forma cuando se toca una pieza ninguno sabe exactamente cual serà el pròximo, entonces la concentración del grupo aumenta, creando una gran tensión emocional. Lo que me importa más cuando se toca en vivo es mantener un ritmo, no tanto en el mero sentido musical, como en el sentido de la narraticiòn del concierto.

Eescuchando la grabación, tuve una clara percepción de una conexión directa con el pensamiento musical de Frank Zappa: se siente que las músicas fueron escritas, que se realizaron los arreglos y una estricta "orquestación" de la música, tengo que decir que algunas partes me acordé de Zappa Gran Wazoo ... ¿fue asi o me equivoco?
Lamento decepcionarte pero no tengo discos de Zappa, además de la memorable "Yellow Shark". Es cuirioso cómo los acercamientos a los modelos preexistentes a veces no coinciden con la voluntad del autor, sino son en cierto sentido adquiridos en un nivel subliminal. Conocí muy tarde en la música del gran Frank Zappa, y por supuesto que he oído hablar mucho de él, sobre todo en Internet, pero no lo suficiente para comprar ni siquiera la mitad de sus obras completas (para lo cual se necesitaría un salario).

¿Cuál es el significdo que tiene la improvisación en tu investigación musical? ¿Puede volver a hablar de improvisación en un repertorio tan codificado como el clásico o te ves obligado a salir y dirigirse a otros repertorios, jazz, contemporáneo, etc?
Yo siempre vi la improvisación como un maravilloso sistema de recodificación de algo que ya sabemos, pero que podemos reformular teniendo en cuenta el margen de imprevisibilidad dada por la interpretación en tiempo real. Es un reto tan fascinante que se ha convertido en indispensable en mi carrera musical. Su significado es múltiple y multiforme: complementario es el adjetivo que puede resumir el concepto. En cuanto al repertorio de la música clásica - no es por casualidad que alguien la definiò "música exacta" - creo que el discurso sin duda se ha caído, desde cuando las "cadencias" de los conciertos para instrumentos solistas fueron fijadas ene el pentagrama. En ese ambiente e el margen se da con la interpretación y la elección del tiempo musical. Es una busqueda interesante pero esta fuera del "nuestro" concepto de improvisación. En la música culta contemporánea hay diferentes estilemas y notaciones gráficas portan a la improvisación, que de todas maneras siempre estuvo presente en casi todas las músicas.

¿De qué manera tu metodología musical está influenciada por las personas (músicos o no) con los que trabajas? ¿Cambias su enfoque en relación a lo que recibes directa o indirectamente de ellos?
Si mi metodología fuese influenciada por los demàs no tendría la fuerza necesaria. Puedo decir sin embargo, que la elección de los músicos ya es una primera “composición”, por lo que en cierto sentido, el carácter de la escritura (pero no el método) es a menudo influenciado por las características de cada uno de ellos. Esta es otra gran diferencia entre el jazz y la música clásica, en la que, a menos que una composciòn no sea pensada para un especìfico solista, el enfoque compositivo está separado de la naturaleza específica de su intérprete.

Si tu escuchas a una interpretación diferente de un tema que ya tocaste y deseas vuolver a tocar ¿la tienes en cuenta to prefieres proceder con total independencia?
Si es posible no la tengo en cuenta. Si una interpretación hermosa y original ya fue tocada, no hay ninguna razón para arruinarla con una proposicion de manera. Yo siempre trato de seguir un camino personal, cambiando algunos detalles que puedan darme la sensación (o ilusión) de ser el padre leggitimo de la pieza en cuestión.

Una pregunta un poco provocativa sobre la música en general, no sólo contemporánea o vanguardista. Frank Zappa en su autobiografía escribió: "Si John Cage, por ejemplo, dijese:« Ahora me pongo un micrófono de contacto en la garganta, y luego bebo jugo de zanahoria y esta será mi composición», entonces calificaría su gárgaras como UNA COMPOSICION SUYA, porque, aplicò un marco, que las declara como tal. Lo tomas o lo dejas, ahora quiero que esa sea música." ¿Es realmente valida esta afirmaciòn para definir un género musical, es suficiente decir: esta es música clásica, esta es contemporánea y ya esta listo? ¿Todavía tiene sentido hablar de "género musical"?
Nunca tuvo un sentido o una gran importancia, si no para el bien del mercado discografico, o (peor) para favorecer ciertos cìrculos musicales que con frecuencia han dañado el género en sí, saturandolo y crando “jaulas” estilísticas muy menudo limitantes. En general, es una necesidad de la musicólogo no el músico. Muy trivialmente yo distingo la buena y la mala música. La mayoría de las veces sta última es el comercial, pero no excludo lo contrario.

Luciano Berio escribió: "la conservaciòn del pasado tiene una parte negativa, cuando se convierte en un modo de olvidar la música. El oyente tiene la ilusión de continuidad que le permite seleccionar lo que confirma esa misma continuidad y censurar todo lo que la disturbe", ¿Què papel puede asumir la investigación histórica y musicológica en este contexto?
Prefiero una declaración más complaciente de Gustav Mahler: "La tradición es la preservación del fuego, no la adoración de cenizas." Creo que buscar el nuevo tiene una importancia fundamental siempre que no se niegue de todo lo bueno que se hizo. Filtrar el pasado en nuevas formas es el enlace esencial para llegar a un nuevo absoluto. El proceso creativo se bloquea cuando se vuelve a proponer el pasado sin ningún mensaje nuevo. Esto sucede en la música pop hace años y los efectos del consiguiente empobrecimiento son muy obvios. Tengo grandes esperanzas de que en el jazz la "llama" de la evolución dure mucho.

A veces siento que en nuestro tiempo la historia de la música fluya sin un interés particular respecto a su curso cronológico, en nuestra biblioteca/discoteca de música, el antes y el después, el pasado y el futuro se convierten en elementos intercambiables ¿esto no puede presentar un riesgo de una "globalización" musical?
Es una pregunta inquietante que merece una respuesta adecuada. La sensación que adviertes es la consecuencia más directa de nuestra epoca. El uso de la música está totalmente cambiado. Si me entro en Yotube puede pasar en pocos segundos desde Vivaldi a los Doors, de Van Halen a Debussy, y así ad infinitum. Esto era imposible antes de la Internet, al menos no con el mismo frenesí. Otra dato es que el disco (CD) está agonizando desde hace algún tiempo, mientras que el vinilo es un objeto de culto, para ser puesto en muestra en la sala. Los adolescentes escuchan demasiadas cosas hasta no llegar a entender exactamente lo que están escuchando, y con frecuencia no se preguntan por qué. Todo es a la vez aterrador y fantástico. Debemos aprovechar la parte fantástica, escuchar en manera creativa y constructiva. Cuando oigo a alguien decir: "sàbes, yo puedo escuchar de esta pen drive 4.000 horas de música", confieso que vienen ganas de reír y pienso: "No terminè de escuchar mis 100 discos después de tantos años!" Básicamente, creo que la falta de interés por el curso de la historia se debe principalmente a la avidez de escuchar, lo que inevitablemente crea confusión y falta de atención. La "globalización" musical existe al menos desde hace treinta años, Internet es el emblema. Mantener la propia honestidad intelectual ayuda a convivir con ella.

Nos recomienddas cinco discos para ti ndispensables tener siempre a nuestro lado .. los clásicos cinco discos para llevar a la isla desierta ..
Nefertiti del quinteto de Miles Davis; The Black Saint and the Sinner Lady de Mingus; The Lamb lies down on Broadway de Genesis; Sunday a the Village Vanguard del trio de Billl Evans; Pictures an Exibition de los Emerson, Lake & Palmer.

¿Cuáles son tus cinco partituras indispensables?
La Consagración de la Primavera de Igor Strawinskj; El Clave bien temperado de J.S.Bach; 24 Preludios de Chopin; Sacred Concert de Duke Ellington; Rhapsody in Blue de George Gershwin.

El blog también es leído por los jóvenes apenas dejan el conservatorio y graduados de hace algunos años, ¿qué consejo le darías a aquellos que, después de años de estudio, deciden de comenzar una carrera como músicos?
Aconsejo primero:ir al extranjero, al menos por un período (hay quienes no regresan), para un confronto con un ambiente internacional. La segunda recomendación es para meditar bien las elecciones artísticas, sobre todo al principio, sin miedo de arriesgar. Luego, por supuesto recomiendo a buscar el propio sonido, la propia idea, con humildad y sin auto-referencia, pero con freviente pasión y complicidad secreta. Es mejor ser la buena copia de sí mismos que una fea de otro.

¿Con quién le gustaría tocar y que cosa te gustaría tocar? ¿Qué música sueles escuchar?
Pensando a italianos, me encantaría tocar con Enrico Pieranunzi, no una versión italiana del dúoEvans-Hall, sino algo más profundo dentro de la improvisación. Tocarìa con mucho palcer con el gran Massimo Manzi, baterista de alta clase. Con Antonello Salis me gustaría volver a tocar. Tuvimos un dúo por un corto tiempo y es una lástima que nos perdimos de vista. Pensando a los extranjeros es probable la respuesta se alargue demasiado, pero sería muy estimulante tocar en un proyecto con Louis Sclavis y con Tim Berne, dos artistas que admiro siempre. Excldo lo que puede suceder, pero nunca se sabe. Mientras tanto, te lo dije!

¿Cuáles son sus próximos proyectos? En qué estás trabajando?
Camera Lirica por supuesto! Voy a tratar de trabajar para el 2015 (independientemente porque tengo una agencia booking). Estoy trabajando en una arduq transcripción del trabajo de John Oswald sobree Gratedul Dead, que se presentará al Festival Angelica mayo de 2015. Proximamente se reunirá un proyecto después de años en pausa, el Dédalo Guitar Project cuarteto de guitarras , Maurizio Grandinetti, Roberto Cecchetto y Marco Cappelli y yo. También estoy trabajando en la preparación de un nuevo recital solo y al mismo tiempo estoy pensando en un nuevo grupo bajo mi nombre, esta vez de formaciòn reducida, cuarteto o quinteto. Para teminar estoy esperando con ansias que salga el nuevo disco en dúo con Ares Tavolazzi "Dialoghi a Corde". Se trata de un Live del 2013 para el festival Gezziamoci de Matera para Onyx Jazz Club con temas originales (mi dos y dos de Ares) y algunas interpretaciones especiales de viejos standars. La fórmula es la del famoso "crowdfunding", es decir, la subcripciòn através de la compra anticipada. Falta sólo algunas pocas subcripciones, para que el disco pueda ser "liberado", como el genio de la lámpara de Aladino. La invitación se extiende a todos los lectores!