Intervista con Nicolò Renna di Andrea Aguzzi su Blog Chitarra e Dintorni

http://nicolorenna.jimdo.com/

Ciao Nicolò, come nasce l'idea del canale youtube Chitarra Classica Italia?

Ciao Andrea, l’idea nasce semplicemente dalla mia voglia di sperimentare e giocare sullo strumento cercando di creare nuove sonorità e brani unici, che sono lo specchio della mia anima artistica; da questa esperienza ho avuto l’input di ampliare il mio concetto di creare musica e quindi, stimolato dal fatto che conosco tanti validi chitarristi compositori ed arrangiatori, ho pensato che fosse doveroso creare un punto d’incontro dove ognuno possa confrontarsi con gli altri e quindi rafforzare sempre più l’idea che bisogna fidarsi di più del proprio istinto cercando di cercare nuove strade musicali, magari mai esplorate. Il Canale quindi sarà un riferimento per i chitarristi creativi che avranno modo di condividere insieme un progetto comune che è quello del “giocare con la musica” per tirare fuori qualcosa di originale ed unico.

In che cosa si dovrebbe distinguere questo canale da quelli più o meno professionali già presenti sul web?

Sul web ormai possiamo trovare davvero milioni di canali youtube che si occupano di chitarra classica, ma per lo più, questi canali, si occupano di repertorio classico o cameristico; poi ci sono i vari chitarristi compositori che con molto coraggio e fatica, giorno dopo giorno cercano di far conoscere la propria musica. Il canale youtube Chitarra Classica Italia ha l’intento di mettere insieme tutti questi compositori ed arrangiatori cercando di creare un bacino di utenza dove chi entra sa che può ascoltare la chitarra classica sotto un altro punto di vista. Il Canale è unico nel suo stile proprio perché fin ora nessuno ha mai dedicato uno spazio ben definito ai chitarristi creativi.

Chi può contribuire a questo canale e come?

In questo canale potranno aderire tutti i chitarristi classici che hanno voglia di proporre le proprie idee sia di brani originali che di arrangiamenti originali da loro creati. Saranno pubblicati solo i video che avranno una qualità audio professionale, una risoluzione video di 1080p e possibilmente anche un minimo di regia video. Per proporre i video alla redazione di Chitarra Classica Italia si può scrivere alla mail rennanicola@alice.it

Possono contribuire anche le musiche già registrate presso la Siae e come?

Si, possono aderire anche le composizioni già registrate alla Siae senza nessun limite e vincolo con Chitarra Classica Italia; noi inizialmente ci occuperemo soltanto di promozione su youtube e sui vari social network come Facebook, Linkedin, Twitter.

Per i compositori .. pensate di pubblicare solo i video o anche i loro spartiti?

Questa è davvero una domanda molto interessante; in questo momento non essendo una casa editrice ci occuperemo solo di pubblicare i video su youtube e pubblicizzarli sui social, in futuro se il progetto si estenderà notevolmente si potrebbe anche pensare di pubblicare gli spartiti. In ogni caso il compositore che pubblicherà il video sul nostro canale youtube, avrà la possibilità di inserire un link personale nella descrizione video dove potrà vendere e distribuire la propria musica.

Quali obiettivi vi proponete in termini di visite e di visibilità sul web e sui social network?

I nostri obiettivi naturalmente sono a lungo termine; Su facebook esiste già, dal 2014, il gruppo di Chitarra Classica Italia che vanta più di 1000 iscritti fra chitarristi italiani ed internazionali, questo è già un buon punto di partenza. Il concetto fondamentale che potrà portare in alto il progetto è: “L’unione fa la forza”, ovvero più siamo a proporre musica interessante e più possibilità di successo e visibilità si potrà avere in futuro.

Quali saranno i tuoi prossimi progetti professionali?

Attualmente attendiamo, fra 15 giorni, l’uscita del primo videoclip sul canale youtube di ChitarraClassica Italia; sarà il primo video che inaugurerà il canale e si tratterà di una composizione originale dal titolo Vortex, composta ed interpretata dal 90100 Guitar Duo di cui faccio parte insieme al bravo chitarrista Antonino Argento. Parallelamente sto già progettando per il 2016 la registrazione del mio disco da solista che conterrà brani originali per chitarra sola e probabilmente anche brani con formazioni più ampie.

Intervista con Hilary Field di Andrea Aguzzi su Blog Chitarra e Dintorni

http://www.hilaryfield.com/

La prima domanda è sempre quella classica: come è nato il tuo amore e interesse per la chitarra e quali strumenti suoni o hai suonato?

Il mio interesse per la chitarra è iniziato quando ero una bambina, perché volevo suonare le canzoni, e ho usato la chitarra come strumento di accompagnamento. Ben presto si è evoluto in musica classica. Mi è piaciuto il suono della chitarra e sono stata contenta della possibilità di suonare più voci in una sola volta. Prima di suonare la chitarra ho studiato violino e suonato il mio dell'orchestra della scuola. Ho deciso come un adolescente che lo strumento che ero veramente dedicato a era la chitarra classica.

Qual è stata la tua formazione musicale, con la quale gli insegnanti hanno studiato e che impressione hanno lasciato nella vostra musica?

Ho studiato con Jerry Willard e Pasquale Bianculli come ero cresciuto a New York, e poi ho continuato a studiare con entrambi presso Stony Brook University. Entrambi questi insegnanti mi hanno instillato l'amore per la musica e mi ha insegnato a sentire la musica all'interno delle note. Ho anche studiato con Oscar Ghiglia nei programmi estivi. Oscar mi ha insegnato a prestare attenzione a ogni sfumatura e dinamica, in modo che la musica raccontasse una storia. A Seattle, Washington, ho studiato con Kevin Callahan, che ha ispirato e mi ha motivato a raggiungere il meglio delle mie capacità. Lui mi ha incoraggiato a essere creativa e a improvvisare e comporre, e mi ha offerto una grande quantità di orientamento e di sostegno. Ha prodotto e realizzato il mio primo CD, "Music of Spain and Latin America."

Premiers non è il tuo primo disco, non si è di nuovo su la registrazione di musica, ma questo è il primo tentativo con la musica contemporanea, come è nata l'idea di questo disco e come si fa a scegliere i compositori ed i loro punteggi?

Mio marito, Andrew Ratshin, ha avuto l'idea iniziale per il mio album "Premieres". La chitarra classica ha un po' il repertorio limitato rispetto alla letteratura per altri strumenti, come il violino. Ha pensato che avrei dovuto fare una registrazione di opere che non sono mai stati registrate prima, da aggiungere alla letteratura perchitarra, e per mostrare la nuova musica che le persone non hanno sentito parlare. Ho pensato che fosse una grande idea, e ho deciso di trovare nuova musica. Alcuni dei compositori del CD (Jorge Morel, Alberto Cumplido, e Douglas Lora) sono miei amici, e quando ho parlato del progetto a loro, ha scritto musica nuova per me o condiviso musica che non era mai stata registrata. Ho contattato gli altri compositori, perché amavo la loro musica, e molto generosamente e gentilmente mi ha offerto la nuova musica per il mio progetto CD. Ho fatto personalmente tutto lavoro a stretto contatto con tutti i compositori, di persona o tramite e-mail, e inviato loro registrazioni di tutto il processo.

Che cosa significa l'improvvisazione per la ricerca musicale? Pensi che sia possibile parlare di improvvisazione per la musica classica o dobbiamo rivolgersi ad altri repertori come il jazz, la musica contemporanea, ecc?

Sono sempre stato molto incuriosita dall'improvvisazione, in qualunque generei. Ciò che consideriamo musica classica era, un tempo, la musica contemporanea, e il compositore aveva attraversato un processo creativo prima che il prodotto finale fosse notato e pubblicato. Molti compositori classici, come Bach, sono ben noti per essere anche improvvisatori. Improvvisare è parte della creazione di musica. E 'anche un modo di lavorare attraverso numerosi sentieri, proprio come uno scrittore può utilizzare il suo flusso di coscienza mettendo le idee su carta, e creare più bozze prima di finalizzare il prodotto. Quando parliamo l'un l'altro improvvisiamo con le parole, e quando scriviamo i nostri pensieri componiamo. Credo che ad un certo livello, tutta la musica composta abbia avuto origine con l'improvvisazione. Con questo in mente, non trovo una grande disparità tra musica improvvisata contemporanea e musica classica composta. Credo che l'improvvisazione sia al centro di tutta la musica. A mio parere, gli interpreti della musica composta hanno ancora il bisogno di sentire il processo creativo del compositore, e raccontare la storia della musica, come se stessero improvvisando sul posto.

Qual è il ruolo del "errore" nella tua visione musicale? Per "errore" Voglio dire una procedura errata, un'irregolarità nel normale funzionamento di un meccanismo, una discontinuità su una superficie altrimenti uniforme che può portare a nuovi sviluppi e sorprese inaspettate ...

Nella definizione di errore, vorrei riflettere sull'idea di rischio. I rischi musicali sono necessari per la crescita, e aiutano il musicista a scoprire nuove possibilità. Spesso dico ai miei studenti di provare tutti i tipi di suoni sui loro strumenti, anche i suoni che a loro non piacciono, in modo che imparino su tutte le loro scelte. A volte, quando gli studenti aggiungono nuove dimensioni alla musica, come i cambiamenti dinamici, faranno errori nelle note che precedentemente hanno suonato in modo impeccabile. Questo è un buon sviluppo, perché significa che si stanno allontanando dal gioco automatico e stanno rivelando la loro interpretazione della musica oltre che le dita. Le note impeccabile torneranno più tardi, ma con più profondità e sentimento.

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorre senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca prima e dopo, passato e futuro diventano elementi intercambiabili, può essere questo un rischio di una visione uniforme per un interprete e un compositore? Il rischio di una "globalizzazione" musicale?

Io personalmente non credo che ci sia un rischio di una monocultura musicale omogenea per gli interpreti e compositori. Penso che diverse influenze musicali aggiungano elementi ricchi e preziosi al repertorio. Tutta la musica nel corso della storia è stata influenzata dal passato, per l'integrazione culturale, e dall'ambiente artistico e naturale. Dall'influenza di Johann Jakob Froberger sulla suite di tastiera barocche, che è stato portato ad un altissimo livello nell'arte di J.S. Bach e dai futuri compositori europei, dall'aggiunta di sincope nella musica classica del 20esimo secolo da parte di Scott Joplin , dall'integrazione di Heitor Villa Lobos delle composizioni classiche con musica Choro dalle strade del Brasile, la grande musica è sempre stata fluida e flessibile. Io credo che queste varie fusione di idee servano ad arricchire la musica in tutto il mondo. Influenze musicali e idee si muovono molto più velocemente nel ventunesimo secolo, e non vedo l'ora di sentire ulteriori sviluppi sulle future composizioni musicali e nelle interpretazioni.

Parliamo di marketing. Quanto pensi che sia importante per un musicista moderno? Voglio dire: quanto è determinante essere dei buoni promotori di se stessi e delle proprie opere nella musica di oggi?

Marketing e promozione è molto importante, in modo che il pubblico di essere a conoscenza della musica. Il passaparola, le recensioni delle pubblicazioni, i passaggi in radio e i servizi di streaming, contribuiscono tutti a raggiungere più persone che potrebbero essere interessati ad ascoltare la musica sul disco o in performance dal vivo. Ci sono anche tanti modi per le persone di provare a ascoltare la musica se è disponibile sui siti dei social media e nei punti di distribuzione on-line.

Ci dici quali sono i tuoi cinque dischi essenziali, da avere sempre con te ... i classici cinque dischi per l'isola deserta ...

Berta Rojas: Terruño
Yo Yo Ma: The 6 Unaccompanied Cello Suites
Mitsuko Uchida: Mozart Piano Sonatas
Trio Brasileiro: Simples Assim
Jorge Morel: Suite Del Sur

Quali sono i tuoi cinque spartiti preferiti?

Ludwig Van Beethoven: Sinfonia n ° 7
Leos Janácek: Idyll for String Orchestra
Felix Mendelssohn: String Ottetto op. 20
Claude Debussy: Prélude à l'après-midi d'un faune
J.S. Bach Quattro Lute Suites

Con chi ti piacerebbe suonare? Che tipo di musica ascolti di solito?

In realtà piace suonare la musica di persone che si specializzano nei generi diversi dal classico. Ho avuto l'opportunità di studiare musica brasiliana Choro con Douglas Lora, che è un maestro di musica classica e brasiliana. Quando suono con Douglas e dei suoi colleghi, sono in grado di sentire il vero ritmo e colori della musica, e mi porta più vicino alla cultura e lo spirito della musica.
Ascolto un'ampia varietà di musiche, tra cui tutti gli stili di musica classica, world music, teatro, e cantautori contemporanei.

I tuoi prossimi progetti? Quando ci vedremo suonare in Italia?

I miei piani per i progetti futuri includono più anteprime mondiali, composizioni originali e musiche di compositrici. Non ho alcun concerto previsto per l'Italia nel prossimo futuro, ma sarei felice di accettare un invito a suonare in questo bel paese!

Intervista a Jahloon (Jeff Berg) (www.unfretted.com) con Andrea Aguzzi

La prima domanda è sempre quella classica: come è nato il tuo amore e l'interesse per la chitarra?

Beh, era il '60 e tutti volevano suonare la chitarra, quando finalmente ne ho avuta una è stato quasi come se l’avessi già suonata in una vita passata, è stato tutto molto facile, suonavo per ore e ore ogni giorno. Mia madre era senza parole, dato che ignoravo tutti gli studi scolastici, ma comunque ero riuscito a superare gli esami. Ho anche suonato il Flauto, mi insegnava una signora che suonava nella Youth Orchestra Liverpool Philharmonic, cosa che si è conclusa quando la mia ragazza, una volta si alzò a metà lezione provocando una scenata, era troppo per il miotutor, e era troppo per me….

Qual è stata la tua formazione musicale?

Alla fine i miei genitori capirono che facevo sul serio con la chitarra e mi mandarono da Bill Sullivan, un grande insegnante di Liverpool, mi ascoltò suonare, prese una Gibson 175 del 1947 dal muro e mi disse "Ti insegnerò il Jazz" (Uno i miei amici passò attraverso lo stesso processo e Bill gli insegnò la classica, dimostrando di essere il un grande maestro che era, che capiva il potenziale dei suoi studenti)

Come è nato il tuo interesse per la chitarra fretless?

Beh, avevo letto della Vigier Surfretter nel 1998, una recensione in una rivista, ed in un certo senso era rimasta bloccata nella parte posteriore della mia mente. Nel 2003 mi sono imbattuto nel CD compilation "Fretless Guitar Masters" ed è stata una rivelazione completa, io non riuscivo a credere quanto fosse bello.

Come mai hai deciso di creare un sito web come www.unfretted.com?

Avevo appena realizzato che avevo trovato qualcosa che era veramente appassionante, la Chitarra Fretless , ne avevo già comprata una, una Godin fretless Multiac SA nylon e il passo successivo è stato quello di fornire una risorsa per chitarristi fretless. Ned Evett aveva già fretlessguitar.com ma aveva una portata limitata. Ho voluto aprire il mondo della chitarra fretless, portare i chitarristi insieme, quindi non c'era altra scelta che per avviare il sito web unfretted.com, potrebbe essere stata la cosa migliore che io abbia mai fatto,

Nel 2005 è stato realizzato il doppio cd "Village of the unfretted"? Come è nata l'idea e come avete scelto i 35 chitarristi coinvolti?

Questa potrebbe essere una lunga storia ... Unfetted aveva un forum, e i membri principali, storici avevano iniziato un thread chiamato "Village of the unfretted" fondamentalmente una storia in cui si poteva aggiungere racconti e personaggi con un tema fretless, è stato molto divertente, a volte strano, ma sempre divertente. Qualcuno a un certo punto ha detto che dovremmo fare un CD per accompagnare la storia, sembrava una grande idea, così ci abbiamo pensato su e dato che sarebbe stato scortese non invitare tutti i chitarristi fretless .. li abbiamo invitati a prendere parte. Beh mi aspettavo di un risultato positivo del 35%, invece ho quasi sballato quando siamo arrivati ​​il ​​95% risposta positiva! Così è diventato un doppio CD con due ore e mezza di musica, lo spazio era così stretto che ho dovuto ridurre il mio contributo a 1:50 per farci stare tutto.

Nel 2014 hai scritto il tuo libro "Fretless Guitar The Definitive Guide", perché hai deciso di scrivere un libro su questo argomento?

Beh nessuno aveva scritto niente su questo argomento prima, ho sempre voluto scrivere un libro e qui è! Non ci sono rimaste molte copie ancora e so in futuro questo verrà scambiato a prezzi molto alti. (Il CD VIllage of the Unfretted è quotato su ebay a 52 £, anche se il lo vendo ancora a £ 15)

Se vorresti convincere un musicista a suonare una chitarra fretless, che idee e argomenti useresti per convincerlo?

Oh beh, prima io lo scoraggierei, il suo non è un percorso facile, mai intraprendere una strada che non si può percorrere fino alla fine. Se davvero si vuole intraprendere questo viaggio si apriranno nuovi scenari, nuovi suoni, nuove tonalità, è un inferno di un viaggio!

Ho visto che la maggior parte della scena della chitarra fretless è diviso in due parti: una dedicata alla musica contemporanea / atonale / microtonale e la seconda dedicato alla .. "world music" per lo più da est o nel mondo indiano. Nel nostro mondo occidentale sembra che ci sia ancora una divisione su questo ...

Questa è una domanda complessa. Non la vedo come una divisione.
L' atonale / microtonale contemporaneo è una zona molto interessante, sta spingendo i confini, e mi piace!
Il lato "World Music" è molto diverso, sta prendendo forma dalle tradizioni turco e arabo Makams, bilance indiani e musica asiatica. Gli strumenti tradizionali sono stati in grado di suonare questa musica e il passaggio alla chitarra fretless permette di riprodurne le scale su uno strumento moderno. In questo senso possiamo leggere il grande successo della chitarra fretless in Turchia, ci sono alcuni grandi musicisti là, e alcuni grandi liutai.

Quando ho iniziato a suonare la mia chitarra fretless un sacco di gente mi ha chiesto perché voglio suonare musica microtonale .. ma questo non è il mio caso, ho suonare la chitarra fretless, ma dentro l'intonazione di dodici toni, come un violino. Nei nostri paesi occidentali sembra che ci sia ancora questa contraddizione ....

Haha! La maggior parte delle persone mi ha chiesto perché senza tasti? E non poteva capire il motivo per cui ho voluto fare le cose in modo difficile.
Anche se si suona in 12T ci sono tante sottigliezze.  Sii può introdurre una "blue note", modificare un accordo con una terza  per produrre una intonazione pura ...

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorre senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca prima e dopo, passato e futuro diventano elementi intercambiabili, questo è un rischio di una visione uniforme per un interprete e un compositore?
È possibile che la chitarra fretless può essere visto come un risultato della  "globalizzazione" musicale?

Mmmm ... non credo che la chitarra Fretless sia il risultato della globalizzazione, ma io credo che la comunità fretless sia è stata generata dall' internet globale. Originariamente potremmo dire di aver seguito il nostro percorso individuale, da soli, ma ora siamo in grado di collegarci con altri musicisti come mentalità.
Non credo che ci sarà una visione uniforme per la chitarra fretless, prendere ad esempio il CD "Villagge of the Unfretted" ci sono tanti stili caratteristici e alcune persone pensato che fosse una debolezza, personalmente ho pensato che fosse la forza dell'album .

Dicci i tuoi cinque dischi essenziali, per avere sempre con te .. i classici cinque dischi per l'isola deserta ...

Ah che cosa strana.. ...

25 o 6-4 - Chicago - a ricordarmi de pretrambusto fretless 

Oze - Ned Evett,
Feel My Pain - da Madmaen di Tim Donahue e Sinner
From Istanbul - Nicolas Meier
Weedwacker - Jack Mazzenga

BTW si chiedono sei dischi su Desert Island Discs :)

Sì, ma mi piace il numero cinque. I tuoi prossimi progetti? Quando ci vedremo in Italia?

Devo rifare completamente il website Unfetted.com per renderlo compatibile con cellulari/ palmari/smatphone/ iPad etc.
Un progetto che introduce la chitarra fretless a una comunità più ampia.
Amo l'Italia, vado a  prenotare un volo per domani!

Ti aspetto a Venezia!

Intervista con Mauro Tonolli (Oltre Duo) con Andrea Aguzzi

Ciao Mauro, come va? E' un po' che non ci sentiamo, ma vedo che non ti fermi mai, parlaci un po' di questo tuo nuovo progetto Oltre Duo...

Ciao Andrea, è un piacere risentirti!. Oltre Duo ha una formazione base, chitarra classica e vibrafono; per alcuni brani più solistici suoniamo in duo chitarra-cajon.
Oltre Duo però è nato con la volontà di allargarsi “oltre” il duo e di collaborare, a seconda del concerto, con altri musicisti.
Cerchiamo di suonare con strumenti che ci possono accompagnare o con solisti e cantanti, dei più diversi generi, è uno stimolo continuo.

Come hai conosciuto Alessandro Bianchini?

Alessandro è un bravissimo percussionista e soprattutto vibrafonista, abbiamo suonato insieme per la prima volta un anno fa e ci siamo trovati bene, da lì è partita l'idea di Oltre Duo.

L'accostamento chitarra classica e vibrafono non è una cosa così semplice e scontata, ci sono dei riferimenti nel jazz ma con chitarre diverse, come avete risolto i problemi legati alle differenze di volumi di suono? Amplifichi la tua chitarra classica?

La diversità dei volumi dei due strumenti mi ha obbligato ad una ricerca su un amplificazione che non snaturasse il suono della chitarra. Molti optano per uno strumento già amplificato (ce ne sono di ottimi) ma il suono non è lo stesso, questo si sente soprattutto in duo e per il repertorio classico. Ho la fortuna di avere una bellissima Philip Woodfield del 2011 e l'amplifico con due microfoni Neumann TML 102 a condensatore con diaframma largo, anche dal vivo. Uso un preamplificatore Audient. Sicuramente non è il metodo più veloce e semplice ma è molto naturale. 

Quale repertorio suonate principalmente? Ho visto nel vostro canale youtube che suonate musiche di Heitor Villa Lobos, Joao Pernambuco, Celso Machado e Astor Piazzolla, che pubblico pensate di voler raggiungere?

I video e audio che al momento si trovano sul nostro canale youtube e sul nostro sito fanno parte della prima sessione in studio di registrazione, successivamente abbiamo registrato musiche di Nelson Cavaquinho (“Luz Negra “ nella versione di Bollani), di Antonio C. Jobin, Jim Hall e Chick Corea. In autunno uscirà il nostro cd con tante collaborazioni.
Il repertorio è in continuo movimento, non ci siamo dati delle restrizioni, la musica che facciamo piace al pubblico.
L'elemento dell'improvvisazione che inseriamo anche in brani classici e la rivisitazione di qualche standard ci ha dato la possibilità di trovare date in ambienti dedicati alla musica jazz.

So che avete in programma una serie di eventi allargando la formazione al quintetto, quartetto e trio, ci vuoi parlare di questi eventi e di questi cambi di formazione? Cambieranno anche le musiche che suonerete?

Ogni volta che possiamo invitiamo uno o più musicisti o accettiamo collaborazioni esterne.
Questo modo di procedere è stimolante e modifica anche la musica che verrà proposta al concerto, qualche volta modifichiamo i brani che abbiamo in repertorio, altre volte li cambiamo.
In questi mesi abbiamo collaborato con Emilio Galante (flauto), Shanti K. Roat (voce), Stefano Bianchini (contrabbasso), Thomas Samonati (batteria). I prossimi concerti sono in trio quartetto e quintetto, con la voce vari brani di Antonio C. Jobin, con il flauto per esempio suoniamo più Piazzolla.

Un'ultima curiosità poi ti lascio alle tue chitarre .... la chitarra elettrica e la musica contemporanea ... pensi di riprenderle in mano?

La chitarra elettrica la suono ancora, anche quando suoniamo in quintetto con Oltre Duo.
La musica contemporanea per il momento l'ho lasciata un attimo da parte ma per il prossimo anno c'è l'intenzione di commissionare opere originali per Oltre Duo, chitarra e vibrafono.
Se qualche compositore ha voglia di sperimentare questa formazione noi siamo pronti ad inserirlo in questo progetto!

Ho visto che stai organizzando una rassegna musicale in Trentino, giusto?

Esattamente, si intitola “Rassegna concerti del Baldo” ed è la prima edizione. Per quest'anno abbiamo organizzato tre concerti ed una masterclass con Marco Pacassoni Trio, Mosaiko Ensemble e Oltre Duo in quintetto, nei comuni di Brentonico e Mori tra fine agosto e inizio settembre.
Anche se il mondo della musica negli ultimi anni sta soffrendo ci sono ancora istituzioni che credono nell'arte, devo ringraziare la Cassa Rurale di Mori, brentonico, Val di Gresta per il finanziamento e la fiducia.

http://oltreduo.wix.com/oltreduo

Intervista a Simone Massaron: l'improvvisazione, la chitarra e il Workshop Improve Improvising

Ciao Simone, senti .. spiegami un po' ... perché questo corso sull'improvvisazione?

Ciao Andrea, innanzitutto grazie per esserti interessato a Improve-Improvising.

Più che un corso, è un workshop cioè un seminario, un laboratorio aperto, uno spazio creativo dove metto a disposizione degli alunni tutta la mia esperienza d’improvvisatore e di didatta. Mi piace la traduzione letterale dall’inglese all’italiano della parola workshop che in una delle sua accezioni significa “Officina”. Anzi, il sito “wordreference” dà come definizione “A Place with Tools”. Niente di più veritiero. Il posto è l’ambiente formato da me e dagli alunni e gli attrezzi sono le idee, l’esperienza, il confronto e la capacità di trarre sempre delle conclusioni.

Negli ultimi cinque anni ho tenuto workshop d’improvvisazione circa in tutta l’Italia settentrionale e mi sono accorto che il livello di preparazione dei ragazzi, specialmente quelli usciti dai conservatori, è alto, ma che non sempre sanno cosa è l’improvvisazione o quanto una buona conoscenza dello strumento possa aiutarci non solo nella pratica improvvisativa, ma anche nello studio quotidiano.

Negli ultimi anni ho sottoposto diversi argomenti ai ragazzi che si sono iscritti ai miei corsi; conoscenza della tastiera, strumento preparato, live looping e sempre tutto questo è stato riportato all’improvvisazione.

In questa nuovissima edizione del workshop le novità sono che si svilupperà in una settimana piena, infatti, oltre alle lezioni giornaliere in gruppo, il programma prevede due lezioni individuali della durata di 90 minuti che si svolgeranno nel corso del WS, durante le quali ogni iscritto potrà approfondire degli argomenti a sua scelta tra quelli proposti.

Questo permetterà a ogni iscritto di personalizzare il proprio percorso del WS senza però perdere il lavoro collettivo con gli altri studenti e in più potrà portare la sua esperienza individuale nei concerti serali (ogni sera si suona) e nei momenti di confronto così da poterla condividere con gli altri.

E poi è un WS residenziale; si vive tutti nello stesso luogo che è una bellissima immersa nel verde a Revine (TV), vicinissima al laboratorio del liutaio Michele Della Giustina. L’idea di studiare improvvisazione condividendo momenti come la preparazione del pranzo, della cena mi sembrava un’ottima cosa che purtroppo ultimamente non si fa più.

I workshop sono troppo spesso momenti dove si studia e poi ci si rinchiude in stanze di albergo a esercitarsi in solitudine, spesso senza contatti umani rilevanti. Memore di alcune mie esperienze passate ho voluto impostare questo WS come se fosse un momento di condivisione di un particolare percorso artistico. E poi, ti assicuro, amo stare con i miei studenti, ridere con loro e osservare il loro relazionarsi agli altri.

Se poi vuoi aiutarli a esprimere se stessi musicalmente, come puoi farlo se non cerchi di conoscerli prima?

Ma perché un chitarrista di formazione classica dovrebbe aver bisogno di imparare a improvvisare?

Perché spesso la loro formazione li porta a essere molto “insicuri” quando si tratta di abbandonare il pezzo da eseguire e quindi una buona pratica improvvisativa aumenta la loro visione della musica.

Ho avuto allievi che dopo aver affrontato un profondo studio della tastiera e delle sue relazioni, della sua meccanicità, mi hanno detto che il fatto di improvvisare tutti i giorni su strutture armoniche o semplicemente cercando di inseguire una melodia li ha liberati e resi molto più recettivi negli ambiti più consueti. In pratica mi hanno poi detto che la loro capacità esecutiva era migliorata notevolmente.

Inoltre, i moderni compositori fanno un grandissimo uso dell’improvvisazione, spesso utilizzando partiture grafiche che lasciano all’esecutore ampie possibilità di improvvisare.

Improvvisando, facendo pratica tutti i giorni, cambia il nostro rapporto con lo strumento, che diventa più intimo, con un maggiore contatto tra cervello musicale e chitarra.

Uno degli esercizi che propongo è quello di suonare senza strumento, ma indicando le note sulla tastiera.

Che cosa intendi per improvvisazione libera e improvvisazione in struttura armonica?

L’improvvisazione su di una struttura armonica è quella più codificata, nel senso che suoni rispettando una cadenza armonica, una particolare struttura di accordi come si fa nel jazz o nella musica antica. In questo caso si può parlare di fraseggio e quindi di un determinato modo di improvvisare. Diciamo che questo tipo d’improvvisazione è paragonabile alla lingua inglese o a quella Italiana dentro a un concetto di “comunicazione”; conosco l’inglese e quindi comunico con quella lingua con quegli idiomi.

L’improvvisazione libera trascende questi schemi, essa può essere melodica come concreta, cioè basata sull’interazione dei rumori. Quello che cerco di fare è di aiutare l’allievo a trovare la sua strada come improvvisatore. Ovviamente se avrò a che fare con un jazzista il mio lavoro sarà anche quello di tener conto del suo linguaggio di provenienza.

Quindi in questo corso non si parla di licks, non si parla di standards, giusto? Ricordo un’intervista di Allan Holdswoth che a proposito dei licks diceva che per lui erano una cosa orrenda “come se una persona per parlare usasse sempre le stesse parole, sempre nello stesso modo”…

No, non si parlerà sicuramente di licks. Concordo in pieno con la definizione di Holdsworth.

Una cosa che dico sempre ai miei allievi è che suonare a pattern, licks è come parlare una lingua straniera sempre con un frasario in mano; certamente ci faremo capire, ma diremo sempre qualcosa di scontato e impersonale.

Al contrario in questo WS, si lavorerà molto sulla personalità cercando di connettere il più possibile il pensiero musicale allo strumento.

La chitarra è uno strumento distante dal cervello e la complessità della tastiera è spesso aggirata suonando in posizione, quindi abituando le dita a movimenti precostituiti. Nulla di male in questo, dopotutto se ci hanno dato uno strumento capace di arrivare in alcuni casi sei unisoni dovevamo trovare qualche trucco, no?

Ma il problema è che suonando il questo modo spesso ci si dimentica del pensiero musicale e ragioniamo musicalmente in base a quello che sappiamo che le nostre dita faranno. Ecco il concetto di parlare con un frasario.

Ma se io rompo questo schema, potrò concentrarmi solo sul suono pensato e quindi trasformarlo subito in azione musicale, esattamente come, avendo la padronanza di una lingua, potrò esprimere le mie opinioni senza ricorrere a frasi fatte.

In questo senso il WS prevede molti esercizi, alcuni di sola concentrazione sulle possibilità offerte dallo strumento una volta rotti gli schemi consueti.

Tu parli di radicalismo... ma come si può definire? E' un genere musicale o una "forma di pensiero" che può parlare più generi musicali?

Si può parlare di improvvisazione e questo trascende ogni genere musicale. Derek Bailey è stato codificato come improvvisatore radicale e così altri musicisti come Evan Parker, perfino Fred Frith hanno quest’etichetta e quindi, per quanto io non ami etichettare la musica, il radicalismo è un genere musicale, o meglio un genere di improvvisazione.

La definizione di Derek Bailey nella sua opera sull’improvvisazione è la più corretta. Essa parla d’improvvisazione idiomatica (jazz, barocca, indiana) e non idiomatica (improvvisazione libera).

Quello che m’interessa in questo workshop è insegnare la pratica dell’improvvisazione libera: dal semplice suonare liberamente tutti i giorni, come pratica meditativa, al costruire un proprio percorso di pratica attraverso lo studio ragionato dei propri risultati, registrandosi, improvvisando con gli altri o improvvisando su partiture grafiche, immagini, film.

Non è che a volte improvvisazione radicale e composizione radicale si incontrano? Spesso mi è successo di ascoltare delle musiche e di pensare che fossero improvvisate mentre invece erano composte e viceversa.. mi vengono in mente i Book of Head di Zorn e i Sette Studi di Maurizio Pisati, sono agli opposti ma il “risultato” è simile .. idiosincrasie della musica contemporanea o parallelismi delle linee evolutive?

Penso siano percorsi paralleli. Di recente, a Basilea, sono rimasto folgorato dalla bellezza di alcune delle composizioni di Pisati, compositore che conosco poco ma che mi affascina molto e che quindi sono desideroso di scoprire.

Spesso ci capita appunto di ascoltare musica e scoprire che non si tratta d’improvvisazione ma di partitura scritta, ebbene, ognuno si esprime come vuole, il compositore e l’improvvisatore.

Anni fa mi occupavo solo d’improvvisazione radicale, ed era per me inconcepibile anche solo l’idea di scrivere una linea guida per le mie improvvisazioni. Ora sono attratto da entrambi i mondi e sto sperimentandomi nella composizione per chitarra.

In ogni caso comprendere bene il linguaggio dell’improvvisazione aiuta tantissimo l’esecutore come il compositore.

Portandoti il mio esempio vorrei sottolineare il fatto che ogni improvvisatore è a sua volta un compositore e viceversa, con l’unica differenza che ognuno dei due ha scelto a priori il linguaggio a lui più congeniale.

In una recente lezione con un chitarrista jazz, abbiamo parlato del fatto che un solo è una composizione.

Guai al chitarrista che pensa che fare un assolo su di una struttura armonica sia un esercizio o un modo per suonare su quegli accordi. Che senso ha dire solamente cose del tipo: “Su quell’accordo suona quella scala” etc. etc. ?

E’ comporre questo, è improvvisare? Io non credo.

Tornando alla lezione con il mio allievo, abbiamo parlato del fatto che si deve sempre tenere in considerazione il “dove si è” quando si fa un solo. Stiamo suonando “St. Louis Blues”? Benissimo, non puoi non pensare a un luogo, a un periodo storico mentre fai il tuo solo, in altre parole mentre componi il tuo solo in tempo reale.

Questo non vuol dire che la tua Gibson all’improvviso si trasformerà in un banjo, ma che usando il tuo timbro, la tua personalità dovrà relazionarsi a qualcosa di fortemente evocativo. Questo diventa improvvisare/comporre.

Ho assistito a una lezione del geniale Peter Croton, docente di musica antica a Basilea e la prima cosa che ha detto ai suoi allievi, che stavano eseguendo un brano di Carulli, è stata: “Ricordatevi dove siete”, ovviamente nel senso musicale del termine. E questo li ha portati a cambiare completamente il loro approccio al tempo del brano, pensando a qual era il motivo per il quale quel brano era stato scritto. Mi ricordo che si è messo a camminare per l’aula simulando una serie di personaggi a corte che entrano nella sala del ballo.

Ecco, questo secondo me è pensare alla musica che si sta suonando, indipendentemente dal fatto che tu sia un compositore o un improvvisatore.

Quanto è importante l'ascolto per saper improvvisare?

E’ fondamentale. Pensa a un bambino che impara a parlare: quando lo fa, imita le parole e il modo di parlare dei genitori. Recentemente sono stato a trovare un amico che ha una meravigliosa bimba di quattro anni che parla italiano con lui, inglese con la madre e tedesco a scuola.

Quindi, ascoltare è il primo passo per improvvisare.

E che tipo di ascolto?

Probabilmente la scelta giusta è quella di ascoltare un improvvisatore, magari inizialmente un musicista che suona il nostro stesso strumento. Spesso ai miei allievi più piccoli faccio ascoltare alcune cose di Derek Bailey proprio per far loro capire che esiste questo tipo di musica e soprattutto questo tipo di chitarra. Poi si potrebbe passare ad ascoltare un musicista che non suoni il nostro strumento, e poi ascoltare i suoni che ci circondano, la strada, gli uccelli, il vento.

Senti.. la domanda potrebbe essere oziosa, ma se alla fine ascoltando attentamente un altro chitarrista o musicista non rischiamo di “copiare inconsciamente” la sua musica? Magari solo adattando qualcuna delle sue frasi più famose?

E’ un rischio che va corso credo. Quando impariamo a parlare lo facciamo imitando i nostri genitori, i nostri insegnanti e spesso facciamo nostre le loro cadenze, i loro accenti. Ma poi ci si può staccare da questo e portare avanti il proprio suono, la propria ricerca. Ma è fondamentale ascoltare quello che hanno fatto gli altri soprattutto le personalità così forti come il già citato Derek Baley.

La nostra generazione è cresciuta con il culto dell'ascolto e il rito del 33 giri ma le nuove generazioni che approccio hanno con l'ascolto?

Pessimo a mio giudizio, nel senso che la rete ha reso tutto quanto accessibile a discapito della qualità purtroppo. Puoi ascoltare qualsiasi cosa su Youtube o su Spotify, ma questo implica che tu abbia uno schermo davanti. Il gesto del sedersi e ascoltare musica si è perso, o è decisamente cambiato. Durante una lezione con un ragazzo di terza media parlavamo dell’ascoltare musica e mi ricordo di avergli chiesto che cosa fa quando ascolta musica, nel senso se l’ascolta in cuffia, seduto o cosa. La sua risposta fu che per lui era naturale guardare dei video senza audio mentre ascoltava musica in cuffia, questo per aiutarsi nella concentrazione. Capisco che questo mio esempio sia un estremo, ma penso possa far ben capire quale sia il cambiamento in atto.

E’ ovvio che parlando di musicisti o di studenti seriamente interessati alla musica improvvisata il loro approccio non sarà questo, ma comunque il modo di ascoltare è cambiato rispetto al nostro e purtroppo è uno di quei rari casi nei quali mi tocca affermare che il cambiamento è avvenuto in peggio. Ecco, la pratica d’improvvisazione libera aiuta anche la capacità di ascolto, imparare a improvvisare ascoltando gli altri può darci una nuova visione dell’approccio all’ascolto.

Uno degli esercizi proposti nel WS è quello d’improvvisare ascoltando una persona che parla. Derek Bailey lo faceva, Scott Johnson ci ha scritto del materiale stupendo, io intendo portare avanti questa ricerca semplicemente improvvisando su registrazioni raccolte in giro. Anche questo è sicuramente un modo per espandere le proprie capacità di ascolto.

Ma insomma alla fine ... l'improvvisazione è una cosa che si può imparare e insegnare?

Si, assolutamente si. Non ci credi? Vieni al mio workshop allora.

Tu quoque Brute .. lasciami studiare ancora un po’ sulla fretless e arrivo..

Probabilmente hai già studiato più di quanto tu non creda, quindi ti aspetto.

Intervista a Giacomo Merega con Andrea Aguzzi

Come è nato il tuo interesse per il basso elettrico? Con che strumenti suoni e con che strumenti hai suonato?

Presi in mano il basso a 14 anni perche' volevo suonare rock, molto semplicemente. A quel punto, strimpellavo un po' la chitarra, avevo psuedo-studiato un poco il violino da piccolo ed ero interessato istintivamente agli strumenti a corda; e forse del basso mi attraeva gia' il fatto di percepirlo 'inside the music' e non 'on top of it'. Ma questa e' una congettura fatta a posteriori, non fu una scelta consapevole allora. E' vero pero' che avevo sempre avuto l'abitudine di cercare di canticchiare in testa le note del basso delle canzoni, sebbene non mi fosse stato insegnato il canto polifonico.

Da alcuni anni, cioe' pressapoco dal mio arrivo a NYC da Boston, sono ritornato a suonare bassi a 4 corde e passivi. E' stato un ritorno alle origini, un processo di purificazione sonora ma anche di personale storicizzazione di uno strumento anomalo come il basso elettrico. Al momento, sto suonando un archtop signature model fatto per me dal bravissimo liutaio Domenico Moffa. Lo suono sull'ultimo disco, 'The surface of an object', ma lo strumento su cui ho formato l'estetica bassistica, (nel timbro e nel gesto) di oggi e che tuttora suono di piu' e' un basso in cui mi imbattei per puro caso, grazie ad un endorsement offerto alla band del chitarrista Bryan Baker, di cui facevo parte. E' un First Act Delgada, molto simile ad un Gibson Thunderbird, ma col manico avvitato. Ricordo che lo ricevetti con riconoscenza come si riceve, appunto, un regalo ma senza grandi aspettative, e che invece in breve tempo mi porto' ad abbandonare e vendere quasi tutti i miei altri bassi, piu' costosi, a 5 corde e attivi.

Negli anni bostoniani, quando suonavo molta musica microtonale, che fosse araba tradizionale con la band Zilzala o fusion con David Fiuczynski o contemporanea con la Boston Microtonal Society, suonavo principalmente fretless (avevo un 5 corde acustico di Rick Turner ed un Fender Jazz che ho tuttora). Oggi molto meno.

Quali sono state e sono le tue principali influenze musicali

Doverosamente, cito fra le mie influenze alcuni dei miei maestri, con molti dei quali ho avuto ed ho anche la fortuna di collaborare: Ran Blake, Joe Maneri, Anthony Coleman, Joe Morris, David Tronzo ed Eliot Fisk.

Tutti facciamo i conti con uno spettro di influenze stratificate nel tempo e di diversa natura e grado di consapevolezza, incluse quelle che si crede o magari si spera di avere alle spalle, e di tutte queste siamo la somma. Per quanto mi riguarda, ci sono le influenze di oggi a cui mi trovo ad accostare quelle di ieri l'altro (tutto il periodo pre-jazz, scoperto poi a 14 anni), mentre quelle di ieri, cioe' del decennio (1994-2004) dominato da ascolti e studi jazzistici nel senso di tradizione in cui inscriversi e di vocabolario formalizzato/deterministico e relativa pedagogia, sono oggi in gran parte messe in disparte. La mia dialettica con la maggior parte del jazz e' di conflitto da molti anni.

Nelle influenze di oggi non c'e' un'agenda o una programmaticita' lineare, ci sono ad esempio Feldman ed il suo opposto Stockhausen, Josquin, improvvisatori vecchi e nuovi come Evan Parker, Nate Wooley, Cecil Taylor e Tyshawn Sorey, bands come The Walkmen, Foals e Deerhunter. Amo concentrarmi su musica che mi permetta un ascolto specializzato/selettivo come ad esempio Sciarrino, Xenakis, Partch, Ligeti, Merzbow, Meshuggah e Alasnoaxis. Mi rendo conto che sto andando a ruota libera.... paradossalmente, pero', sono scettico nei confronti dell'eclettismo musicale come fede, per il rischio che diventi acritico, che perda un'estetica informante, una direzionalita' che ritengo essenziale nell'ascolto quale primo stadio della composizione.

Ascolto molta musica per strumenti a corda, dalla kora all'oud, alla pipa e molta musica per chitarra. Fra i bassisti elettrici seguo in primis Skuli Sverrisson, e apprezzo il bassista siciliano Daniele Camarda, che fu una scoperta importante al mio arrivo a Boston. Anche per i bassisti vale la dinamica dell'oggi/ieri/ieri l'altro, quindi in questi anni mi sono riappassionato a suoni di bassi utilitaristici, dati per scontati e senza frilli, come Robert DeLeo degli Stone Temple Pilots.

Poi hai fatto il salto di qualità, sei andato negli Stati Uniti e hai studiato con Joe Maneri al NEC e Boston Microtonal Society, che differenze hai travato rispetto all’Italia e cosa significa poter studiare e suonare negli Stati Uniti, a New York?

Non dimenticherei appunto che fra Genova e NYC ci sno stati sei anni di Boston, dove ho studiato alla Berklee e poi al New England Conservatory (NEC, che ho assai preferito). Boston potrebbe essere una citta' invisibile di Calvino, la citta' fatta solo di scuole. Con Boston oramai ho fatto la pace, e ci ritorno volentieri, ma questo suo aspetto - l'eccessiva dipendenza dall'accademia - e' un limite pesante della scena musicale e lo si avverte, vivendoci.

A New York la vitalita' e la varieta' della scena musicale restano forti, ed il livello altissimo. In realta', da quando e' nata mia figlia, lo scorso Maggio, vado a sentire molta meno musica che in passato e mi sembra di vivere in una campana: la scena e' come una droga, ed ha le sue controindicazioni. Non potrei pero' fare un paragone con la situazione genovese o italiana poiche', piu' degli anni che sono passati, pesa il fatto che ero un musicista molto diverso a Genova, con diverse esigenze ed ambizioni rispetto ad oggi. Si tratta di un bel salto, questo e' sicuro. Ma per tutto c'e' un prezzo, e poi New York si sta sinistramente riempiendo di hipsters con white collar jobs - che non contribuiscono in alcun modo alla vita culturale della citta' - e sta marginalizzando i propri artisti, la cui presenza ed il cui input vengono dati per scontati da troppo tempo. E qualcosa potrebbe cambiare, questo primato culturale potrebbe presto svanire. Ho letto proprio oggi una dichiarazione di uno dei Lightning Bolt - forse il bassista? - in cui diceva che Manhattan non ha una piu' scena musicale e che per Brooklyn sara' presto lo stesso. Premesso che lui parlava di un certo tipo di underground rock o post-rock che in effetti si e' decentrato gia' da tempo, io credo che quest'iperbole abbia molto di vero anche trasversalmente. Dopotutto, il declino del post-minimalismo negli stessi minimalisti e poi nelle nuove leve con Bang on a Can eccetera e' un esempio emblematico, ma non il solo, di un conformismo 'corporate' che trita quasi tutto, anche qui a New York.

Quale significato ha l’improvvisazione nella tua ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc?

L'improvvisazione e' una metodologia/comportamento primario, primordiale ed in quanto tale non puo' scomparire. Gli aspetti di estemporaneita' e suscettibilita', oltre alla possibilita' di sperimentare sulla 'sociologia' della performance, sono cio' che piu' mi lega all'improvvisazione, il cui rapporto (o non rapporto) con l'assetto compositivo e' al centro della mia ricerca da tempo. Premettendo che non concordo con chi, come Berio, dava all'improvvisazione uno status di inferiorita' rispetto alla musica composta per un supposto minore potenziale di suddivisione in particelle controllabili ed articolabili di senso musicale, di sicuro la pratica improvvisativa ha giovato a molti compositori anche recenti, da Messiaen a Scelsi. Altrettando evidentemente, improvvisatori come Threadgill, Braxton e Zorn hanno dato alla propria musica una dimensione ulteriore grazie alla ricerca specifica in ambito compositivo. Su questa simbiosi/osmosi/dicotomia si potrebbe parlare molto piu' a lungo dello spazio che abbiamo qui.

Io sono per un'improvvisazione concentrata sulle microstrutture e sulle piu' piccole articolazioni sonore non meno che sulle macrostrutture e i modelli formali, un'improvvisazione linguisticamente trasversale, necessariamente imbastardita ma che non insegue il mito del non-idioma, un mito che apprezzo in un gigante come Derek Bailey e in pochi altri, ma che non mi rappresenta. Io mi riconosco invece nella definizione di Klee "Io sono astratto con qualche ricordo", che per me e' un manifesto di poetica che accomuna idealmente mondi molto diversi, e che ritrovo in Webern come in Joe Maneri, passando per Feldman, Eric Dolphy e molti dei nomi gia' citati qualche domanda fa, fra gli altri.

La tua tecnica è davvero eccellente, quanto è ancora importante avere una ottima tecnica per un chitarrista o un bassista? Te lo chiedo perché mi viene in mente un aneddoto: negli anni ’70 Robert Fripp, pesantemente contestato da alcuni punk che lo consideravano ormai un dinosauro rispose serafico “chi è più schiavo della tecnica? Chi ne ha troppa o chi non ne ha?”

Mi sembra che in pittura abbiano affrontato la problematica della tecnica in rapporto al contenuto molto prima e molto meglio che in musica. In altre parole, da molto tempo nessuno si pone il problema di come sarebbe stata la tecnica di De Kooning qualora avesse dovuto copiare Caravaggio, poiche' sarebbe irrilevante e capzioso come, per citare quanto Stockhausen disse ad Adorno, 'cercare un pollo in un quadro astratto'.

La tecnica non deve precludere il gesto ma con il solo gesto, in musica rispetto alla pittura, non si costruisce abbastanza 'discorso'. La tecnica serve quindi in questo senso, a fornire discorso e contesto. E' un problema di tempi, cioe' dello svolgimento in tempo reale della musica. Il gesto, a sua volta, puo' sussistere con o senza tecnica , ma penso anche che il concetto di tecnica debba potere includere molti parametri diversi, cosi' da potere smettere di chiederci perche' mai Albert Ayler non abbia trascritto i Capricci di Paganini per sassofono, per parlare in metafora.

Detto cio', io sono ossessionato dal concetto di tecnica, anche nell'accezione piu' tradizionale, quasi bigotta del termine. La vedo proprio come una catarsi quotidiana: sfiancare le mani per liberare lo spirito. Lo disse bene Lucio Dalla: "tutta la vita a far suonare un pianoforte, lasciandoci dentro anche le dita". In altre parole, il mistico hindu che decide di rinunciare ad un braccio e lo lascia atrofizzare. Questa e' la quintessenza della tecnica, sebbene tragica.

Una domanda un po’ provocatoria sulla musica in generale, non solo quella contemporanea o d’avanguardia. Frank Zappa nella sua autobiografia scrisse: “Se John Cage per esempio dicesse “Ora metterò un microfono a contatto sulla gola, poi berrò succo di carota e questa sarà la mia composizione”, ecco che i suoi gargarismi verrebbero qualificati come una SUA COMPOSIZIONE, perché ha applicato una cornice, dichiarandola come tale. “Prendere o lasciare, ora Voglio che questa sia musica.” È davvero valida questa affermazione per definire un genere musicale, basta dire questa è musica classica, questa è contemporanea ed è fatta? Ha ancora senso parlare di “genere musicale”?

Parlare di generi musicali oggi puo' avere senso oppure no, e' pratico per molti e spesso per i musicisti stessi. Non so cosa tu intenda esattamente per 'basta a definire un genere musicale', poiche' l'aneddoto che riferisci, per come lo interpreto io, attiene piu' strettamente alla definizione di opera musicale che ad un discorso di genere.

Zappa parla di 'cornice' ed e' proprio con una cornice che i musicisti si sarebbero resi la vita piu' semplice dai tempi delle prime avanguardie (se, cioe', anche in musica ci fosse una cornice, per delineare i campi - ma e' chiaro sto usando un paradosso ontologico).

Non sono per un anything goes riguardo a cio' che e' musica o meno, ci mancherebbe, ma Cage per primo non lo e' mai stato. Berio disse infatti che si annoiava alle performances di lavori di Cage in cui Cage stesso non fosse coinvolto. Una differenza non sottile, nel caso di Cage, anche nei suoi lavori piu' aleatori. Un'opera musicale deve contenere pensiero musicale, per essere tale. Questo puo' interessare la scelta delle note ed altri criteri ovvii, ma anche parametri molto diversi. Quindi, il pezzo del succo d'arancia avrebbe potuto essere musica cosi' come lo e' quella composta statisticamente, o stocastica, o aleatoria/indeterminata, o i suond collages, o i process pieces di Alvin Lucier etc, etc. Il problema si presenta quando non e' presente una riflessione musicale, il che succede in abbondanza.

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale?

Il rischio e' gia' molto presente. Siamo in una fase 'post-tutto' senza pero' il fascino ed il ruolo storico che 'post' ha avuto in principio. E' chiaro che una prospettiva storica aiuti nella musica come nella vita, a prescindere dalle conclusioni a cui si voglia arrivare, e da come ci si intenda porre nei confronti della storia. Certo, talvolta e' emozionante trovarsi di fronte ad un lavoro palesemente a-storico (a-, e non anti-), cioe' senza dialettica come 'In a landscape' di Cage, o 'Vexations' di Satie o lo splendido disco solista del cantante dei Talk Talk, Mark Hollis. E tutta l'opera di Partch, oltre a parte del lavoro di Pasolini e di Bene, per citare due non-musicisti.

Per un improvvisatore e' piu' difficile, a mio parere, risultare fuori del proprio tempo, in un modo o in un altro, poiche' l'improvvisazione vive nella contingenza. Con la storia pero' si puo' anche giocare, e in musica ne abbiamo molti casi. Il mio amico Nate Wooley, per esempio, sta per pubblicare un disco tutto di composizioni di Wynton Marsalis!

Piu' problematica e' la globalizzazione in senso geografico, e non tanto nella musica - dove le nostre orecchie non si rifaranno mai una verginita', il che e' perlopiu' un bene - quanto in ambiti come la gastronomia, o l'enologia. In questi casi si', ho talvolta pulsioni reazionarie.

Possiamo parlare un attimo della ristampa digitale avvenuta qualche anno fa della tua produzione discografica? Sono rimasto molto colpito dal The Light and Other Things…

'the light and other things' e' uscito in ristampa digitale su Underwolf Records nel 2012, ma originariamente fu pubblicato dalla Creative Nation Music, un'etichetta indipendente bostoniana, nel 2008 (ho ancora delle copie della prima edizione, se a qualcuno dei tuoi lettori interessasse....). E stato un disco importante per me, che ha fatto un po' da capositipite dettando direzioni estetiche - poi elaborate nei dischi successivi - che, al momento in cui lo registrammo, stavo appena iniziando a digerire. Con nostra sorpresa, fu anche ricevuto molto bene dalla critica. Per me, quel disco naque in primis come pretesto per registrare con Tronzo, che considero essere uno dei piu' importanti chitarristi viventi.

'the light and other things' fu anche il primo disco della partnership con il sassofonista Noah Kaplan, con cui abbiamo poi registrato 'Descendants' (2011) del suo quartetto insieme a Joe Morris - un altro chitarrista fondamentale - e Jason Nazary, uscito su Hat Hut, 'Watch the Walls Instead' (Underwolf, 2012) con Marco Cappelli, Anthony Coleman e Mauro Pagani, ed il recente 'Crows and Motives' (Underwolf, 2014) in trio con il trombettista Joe Moffett, un disco di improvvisazioni ispirate ad una messa di Josquin. Negli stessi anni Noah ed io abbiamo anche registrato 'Ad Faunum', nel quintetto di Joe Moffett, uscito nel 2013 su Not Two Records, ed il primo disco della band Dollshot (Underwolf, 2011) che - allora - proponeva un interessante mix di art songs (Schoenberg, Ives, Poulenc), rock minimale e free jazz. Il secondo disco del Noah Kaplan Quartet dal titolo 'Cluster Swerve' uscira' piu' tardi quest'anno, sempre su Hat Hut, e chiudera' un body of work esteticamente molto unitario, nei confronti del quale solo il mio ultimo disco 'The Surface of an Object' (2014, Rudi Records), in trio con Michael Attias e Satoshi Takeishi, rappresenta un distacco, principalmente perche' e' un lavoro in cui le composizioni sono la premessa e la filigrana di tutta i'improvvisazione.

Che consigli daresti oggi a un giovane che vorrebbe incidere un suo disco o iniziare una attività di musicista professionista?

Come Groucho Marx che disse 'non vorrei fare parte di un club che contasse fra i suoi membri uno come me', non credo che seguirei i consigli dati da uno come me. Tuttavia, se posso consigliare una cosa a chi stia iniziando a lavorare nella musica improvvisativa e', quando possibile, di non gestare un disco sine die, nell'ambizione di renderlo un film di Kubrick. A prescindere dai valori intrinsechi oggettivi che possono trascendere il momento storico/biografico ed essere universali, un'opera di improvvisazione - e mi ricollego a quanto detto in precedenza - ha quasi sempre una natura contingente (specialmente alle orecchie di chi l'ha fatta!). Fra un estremo e l'altro, preferisco piuttosto l'iper-documentazione in stile Zorn ed il lasciare subito spazio al lavoro successivo.

Ultima domanda: qualche anno fa , nel corso di una sua intervista con Bill Milkowski per il sup libro “Rockers, Jazzbos & Visionaries” Carlos Santana disse “Some people have talent, some people have vision. And vision is more important then talent, obviously.” Io credo che abbia un grande talento, ma… qual è la tua visione?

'Visione' e' una parola che intimidisce un po', forse perche' fa' pensare a qualcosa che abbia un valore tangibile, o che sia socialmente utile, o al limite che segua un qualche slancio spiritiuale. 'Ossessione' si presta meglio a descrivere quello che fanno quelli come me, poiche' altro non e' se non un'idiosincrasia molto personale, in un ambito molto specifico e di interesse per una piccola minoranza. Con una certa arroganza e generalizzando un po', la metterei cosi': se hai una poetica e' difficile che tu abbia una visione, e se hai una visione e' probabile che questa porti con se' un ideale punto d'arrivo, che di sicuro non e' affare di poetica. Il non punto d'arrivo, invece, e' un'ossessione che sottoscrivo volentieri, per quanto suoni banale.

Intervista a Stefano Zabeo di Andrea Aguzzi

Salve Stefano, provo a fare con te un gioco … nel 1987, apparve nel numero di Febbraio della rivista Chitarre apparve una tua intervista. Provo a rifarti alcune di queste domande, vediamo cosa è cambiato da allora? Poi ne aggiungo alcune di mie.

Come ti sei avvicinato alla chitarra?

La chitarra è stata senza dubbio lo strumento che più di ogni altro mi ha affascinato, ma non è stato l’unico nel mio percorso. Vedi, ai tempi in cui ho cominciato (si era ancora a metà anni ’60), l’importante era far parte di una band, o di un “complesso” come si diceva allora; poi quale strumento suonavi spesso veniva deciso a tavolino in base ai posti vacanti nel gruppo di cui volevi far parte. In realtà però il primissimo strumento cui mi sono accostato è stato l’harmonium poiché i miei, all’età di 10 anni, me ne avevano regalato uno di molto piccolo e molto semplice col motore elettrico per soffiare l’aria nelle ance. Ma con l’avvento dell’era Beat l’immaginario collettivo di un’intera generazione subì un drastico cambiamento: improvvisamente la musica diventò veicolo di riscatto, di ribellione e di speranza di successo nella vita. I Beatles, i Rolling Stones e tutti i gruppi di allora non venivano semplicemente ammirati per la musica che producevano, ma considerati veri e propri maestri di vita, i “primi” che erano riusciti ad arrivare dove tutti speravamo di arrivare… ecco quindi che il senso di appartenenza al “complesso” veniva prima della stessa musica. Certo, eravamo tremendamente ingenui, e non ci rendevamo conto né di quanto miseri fossero i nostri tentativi né di quello che i nostri miti cercavano di farci capire tra le righe. Ben pochi infatti comprendevano la lingua inglese in tempi in cui a scuola si imparava soprattutto il francese, e, mentre si cantava in una specie di goffo grammelot che però prendevamo molto sul serio, non ci rendevamo conto che magari il vero testo originale recitava “I’m a loser, and I’m not what I appear to be”… sia stato come sia stato, fatto sta che l’organico di 2 chitarre, basso e batteria divenne lo standard da rispettare, e anch’io come tanti, posto che i chitarristi erano più in mostra, mi misi ad imparare quello strumento. Nel tempo però le cose cambiarono e suonai anche altri strumenti soprattutto in base alle esigenze delle mode musicali che si succedettero. Passai dalla chitarra al basso, poi alle tastiere, al sax tenore e al flauto traverso. Fu solo negli anni ’70 che tornai alla chitarra e non la abbandonai più.

Quali sono stati i chitarristi che ti hanno influenzato di più?

Potrei citarne un’infinità, ma per motivi assai diversi fra loro direi soprattutto Keith Richards, Johnny Winter e Freddie King. Il primo per la concezione ritmica della chitarra, il secondo per l’eleganza del fraseggio e il terzo per l’enorme emotività delle sue note. Ma è molto riduttivo fermarsi a soli 3 nomi!

Che parte deve avere la tecnica in un chitarrista blues?

La tecnica è utile solo in quanto ti permette di esprimere meglio le tue emozioni, ma nel blues può addirittura diventare un handicap se ti fai prendere la mano. Lo so, è un discorso un po’ strano in un’epoca di funambolici guitar hero che ne fanno di tutti i colori! Ma è il blues stesso ad andare spesso controcorrente… “less is more”è la frase che meglio descrive il modo di suonare il blues. Alexis Korner una volta mi disse: “Il vero musicista blues è quello che suona SOLO le note davvero indispensabili”. Vedi, è una questione di lessico e di registro esattamente come nella lingua parlata. Se vuoi descrivere un dialogo fra due scaricatori del porto di Marsiglia, non puoi usare termini troppo raffinati e una sintassi complessa ed evoluta, perché il registro suonerebbe sbagliato. Il blues è un po’ “ignorante”, mi si passi il termine, e la cosa più importante è il messaggio che porta, l’immediatezza emotiva di ciò che esprimi. Non c’è spazio al suo interno per i virtuosismi, perché essi non possono essere immediati per loro stessa natura visto che prevedono lunga preparazione ed esercizi estenuanti. Non sto dicendo che il virtuosismo sia sbagliato in sé, ci mancherebbe! Ma il blues sta da un’altra parte, questo è poco ma sicuro!

Che rapporto hai con la chitarra?

Io amo la chitarra perché con essa mi esprimo, ma non dimentico mai la sua natura di “strumento”: serve cioè per arrivare alla musica e non viceversa.

Attualmente quante chitarre hai?
18 hehehehe

Di blues qui in Italia si può vivere?

Mi piacerebbe molto poterti dire di sì, ma sarei ben poco sincero! Non c’è mai riuscito nessuno, e anche i pochi che fanno blues a tempo pieno in realtà hanno altre risorse che danno loro la possibilità di vivere in quel modo. Fondamentalmente io credo che ci siano due grossi ostacoli ad impedire che un musicista possa vivere di solo blues qui in Italia. Il primo e più importante è la scarsa credibilità che noi stessi attribuiamo ai bluesman nostrani. Un italiano che suona blues appare quasi come un giapponese che canta “’O sole mio”. Non importa se da anni ormai il lessico blues ha avuto una tale diffusione da diventare universale: per la gente continua ad essere una musica patrimonio esclusivo degli afro-americani. Ma anche noi stessi che siamo del settore siamo pronti a correre per vedere il primo americano che arriva, mentre ben difficilmente ci scomodiamo per chi non proviene dalla terra promessa! E il secondo ostacolo, collegato al primo, è la lingua: il pubblico non segue facilmente i testi in inglese, c’è poco da fare! Questo fa sì che il blues sia forzatamente musica di nicchia e di conseguenza il mercato è quello che è…

Che amplificatore usi? Usi qualche effetto?

Da anni uso quasi esclusivamente amplificatori Fender (ne ho 5), unica eccezione un piccolo Ampeg da 15 watt. Per gli effetti uso solo un delay, soprattutto per le parti slide, e qualche volta un overdrive se il locale non permette di alzare il volume dell’amplificatore. In passato ho usato sporadicamente un chorus, ma ultimamente l’ho abbandonato.

Senti.. sono diversi anni che è mancato Guido Toffoletti, tu hai suonato molto con lui, ci vuoi parlare di lui? Che persona era?

Non molti sanno che Guido ed io eravamo amici fin dall’adolescenza e non solo collaboratori musicali. Guido era un uomo normale con tutti i suoi pregi e tutti i suoi difetti: non ho mai condiviso l’idea che i tratti di una persona debbano essere sublimati dopo la sua morte perché quello è il vero modo per seppellirla definitivamente. Guido comunque aveva modelli musicali diversi da quelli che la maggior parte dei conterranei condividevano e questo lo portava a suonare in un modo che tanti di essi purtroppo non apprezzavano. E qui torniamo al discorso sulla tecnica che abbiamo affrontato prima. La chitarra è uno strumento molto inflazionato dalle nostre parti, ma forse ovunque. Questo provoca il fatto che si sviluppi una estrema competitività fra i chitarristi, a volte anche decisamente eccessiva. Se ci aggiungiamo la mentalità assai diffusa che solo chi ha grande tecnica merita attenzione e successo, quella che io chiamo ironicamente il “paganinismo”, ecco sorgere il livore verso chiunque ottenga un successo giudicato immeritato… al di là del famoso “nemo propheta in patria”, tutti quelli che passavano ore ed ore sullo strumento nella paranoica ricerca di essere “il migliore” e tuttavia non ottenevano il minimo successo, non sopportavano che uno da loro ritenuto di scarse capacità  fosse nei teatri e in televisione oltre che spessissimo negli articoli di stampa. Qualcuno arrivò ad inventare la storia che portasse sfortuna, come spesso succede quando non si hanno altri mezzi a disposizione. E il fatto lo fece soffrire molto. Che dire? Forse la sua dote più evidente era la capacità manageriale che indubbiamente aveva. Ma ciò non significa che non fosse un vero musicista: non sarebbe arrivato a suonare con tutti i personaggi di fama internazionale che ha avuto nei suoi dischi e nei suoi concerti live! A parte il rapporto personale di amicizia, io ho un grosso debito di riconoscenza nei suoi confronti proprio perché non sarei mai arrivato a conoscere tanti musicisti di quel calibro e pure a suonarci assieme se non fosse stato per lui!

Quale significato ha l’improvvisazione nella tua ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc?

Qui credo tu abbia inserito domande che forse erano indirizzate ad altri… comunque l’improvvisazione è la base del blues senza ombra di dubbio! Il bello del blues sta proprio nell’estemporaneità delle esecuzioni che trovano di volta in volta nuove strade partendo dalla stessa struttura codificata.

In che modo la tua metodologia musicale viene influenza dalla comunità di persone (musicisti e non) con cui tu collabori? Modifica il tuo approccio in relazione a quello che direttamente o indirettamente ricevi da loro? Se ascolti una diversa interpretazione di un brano da te già suonato o che vuoi eseguire tieni conto di questo ascolto o preferisci procedere in totale indipendenza?

Qualsiasi esperienza la vita ti proponga finisce per influenzare il tuo modo di suonare: a maggior ragione questo è valido per l’ascolto di altri musicisti. Ho sicuramente imparato più cose ascoltando cattive esecuzioni altrui che non chiudendomi in casa a studiare cose sterili. Ma ho anche imparato tantissimo delle belle cose fatte dai bravi musicisti.

Una domanda un po’ provocatoria sulla musica in generale, non solo quella contemporanea o d’avanguardia. Frank Zappa nella sua autobiografia scrisse: “Se John Cage per esempio dicesse “Ora metterò un microfono a contatto sulla gola, poi berrò succo di carota e questa sarà la mia composizione”, ecco che i suoi gargarismi verrebbero qualificati come una SUA COMPOSIZIONE, perché ha applicato una cornice, dichiarandola come tale. “Prendere o lasciare, ora Voglio che questa sia musica.” È davvero valida questa affermazione per definire un genere musicale, basta dire questa è musica classica, questa è contemporanea ed è fatta? Ha ancora senso parlare di “genere musicale”?

Il genere musicale è il lessico con cui ti esprimi. Il lessico è frutto di regole. Il vero musicista è quello che se ne frega delle regole pur di esprimere se stesso. L’importante è però che ci sia il messaggio emotivo e non solo estetico in quello che fai: dubito che un gargarismo possa esprimere emozioni, ma non si sa mai…

Tu suoni blues da moltissimi anni. Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale?

La visione “uniforme” o “globalizzata” non rappresenta un pericolo per i veri artisti perché non ci sarà mai per loro l’omologazione delle personalità. Le scuole ci sono sempre state, ed hanno dato casa ad una miriade di pseudo-artisti talmente insignificanti da essere spesso dimenticati o ricordati solo dai superesperti, i quali a loro volta hanno fondato una carriera sull’inutile tentativo di ridurre l’arte ad un elenco enciclopedico senza comprenderne la vera natura e goderne. Basti pensare che la scuola che più di ogni altra dovrebbe sfornare nuove menti geniali in grado di creare innovazione si chiama “Conservatorio”: Per contro i veri artisti hanno scardinato dalla base le stesse scuole che li avevano allevati. Io non mi reputo un vero artista, ed è per questo che mi permetto di dire queste cose: sono solo uno che fa al meglio quello che sa fare cercando di provare e trasmettere emozioni, tutto qua!

Che musiche ascolti di solito?

...  ascolto di tutto: dalla classica al jazz, dal pop al blues, qualunque cosa purché fatta col cuore.

Quali sono invece i tuoi cinque spartiti indispensabili?

Non ci sono spartiti nel blues :-D

Il Blog viene letto anche da giovani neodiplomati e diplomandi, che consigli ti senti di dare a chi, dopo anni di studio, ha deciso di iniziare la carriera di musicista?

Oggi come oggi, qualsiasi lavoro si voglia intraprendere non ha serie prospettive di guadagno: tanto va fare esclusivamente ciò che ti appassiona

Con chi ti piacerebbe suonare e chi ti piacerebbe suonare?

Sono già riuscito a suonare con molti di quelli con cui sognavo di poter suonare, ma siamo sempre nell’ambito del mito. Nella realtà dei fatti poi non sempre le cose corrispondono ai sogni. Mi piacerebbe suonare esclusivamente con musicisti che amano quello che fanno e ci credono. Mi piacerebbe “suonare” tutti quelli che pensano di essere bravissimi perché fanno mille note al secondo.

Quali sono i tuoi prossimi progetti?

Sto rimettendo insieme la vecchia Blues Society, la band di Guido nella sua formazione originale, e sono molto entusiasta della cosa!