Questo Blog è dedicato alla musica, alla chitarra classica, alla musica contemporanea. This Blog is devoted to contemporary, avangarde guitar's music.
lunedì 15 marzo 2010
Simone Sorini
Intervista con Empedocle70
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- Musica Barocca - Vivaldi - Simone Sorini in "L'altero e bianco giglio" da "Serenata" -Teatro Rossini
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Simone Sorini
Simone Sorini: Biografia
SIMONE SORINI - Musica Antica - Tenore, Liutista, Ricercatore, Autore.
Nato ad Urbino nel Montefeltro, ha studiato canto fin da giovanissimo nel coro di voci bianche della Cappella Municipale di Pesaro e, conseguiti gli studi artistici presso l’Istituto d’Arte e l’Accademia di Belle Arti della sua città, ha coltivato il suo naturale talento musicale nell’approfondimento dei repertori di canto medievale, rinascimentale e barocco frequentando master-class e maestri privati in Spagna, Francia ed Italia.
Ha seguito gli annuali corsi di perfezionamento ai Corsi Internazionali di Musica Antica di Urbino con Patrizia Bovi, ed ha studiato canto lirico e barocco con il Maestro Sergio Pezzetti.
Il suo stile vocale non accademico ed immediatamente riconoscibile è ben apprezzato in Europa, dove si è esibito nei più importanti teatri e festival tra i quali Temporada Gulbenkian di Lisbona, Early music festival di Boston, Saison Musicale di Royaumont, Early music weekend di Londra, Festival Van Vlaanderen di Anversa, Festival Baroque di Pontoise.
Svolge la sua attività sia come solista che con vari ensemble vocali, tra cui Micrologus, Cantar Lontano di Marco Mencoboni, Calixtinus, Accademia Petrarca e Lirum li Tronc.
Ha interpretato, con Noma Omaran nelle vesti della regina di Palmira, il ruolo principale maschile di Aureliano nell’opera barocca “Zenobia” di Albinoni che ha avuto luogo nel 2008 al teatro dell’Opera di Damasco, con la direzione di Chiara Banchini e A. Moths. Ha partecipato inoltre in qualità di cantante e attore, nel duplice ruolo di Orfeo/Mopso, all’opera “La fabula di Orfeo” diretta da Francis Biggi e prodotta dalla Fondation Royaumont di Parigi nel 2006, e all’opera rinascimentale “Festa Fiorentina” prodotta nel 2004/5 da Micrologus- Italia. Si è esibito, oltre che in Europa, in Mexico, Canada, Russia, Bulgaria, Syria, Stati Uniti.
Ha cantato, ricevendo in Francia prestigiosi riconoscimenti come “Diapason d’or” e “Choc de la musique”, in oltre 30 registrazioni edite da Sony, Stradivarius, Alpha, K617, tra cui “Le Jeu de Robin et Marion” (Micrologus, ZigZag-Harmonia mundi 2003); “Landini, Fior di Dolceça” (MIcrologus, ZigZag.Harmonia mundi 2005); “La Fabula di Orpheo” (Francis Biggi, K617 2007); “Kronomakia” (Daniele Sepe & MIcrologus, ed. il Manifesto 2008); “Ad Vesperas” (Cantar Lontano, Alpha 2007); come solista ne “Il Canzoniere” (Accademia de Musici Francesco Petrarca, Gamut 2006) e “Renaissance Naples” (Lirum li Tronc, Stradivarius 2008).
Ha registrato per Radio France Musique, Radio Osterreich 1, RAI radiotelevisione Italiana.
E’ inoltre un versatile interprete dei repertori liutistici dal medioevo al primo rinascimento essendosi formato con Adolfo Broegg e Robert Crawford Young, ed utilizza i suoi strumenti per accompagnarsi nel canto.
Ha studiato musicologia al Conservatorio Rossini di Pesaro e da anni svolge la sua attività di ricercatore focalizzata sui repertori urbinati con la collaborazione di specialisti come James Haar e Agostino Ziino. E’ co-fondatore, presidente e coordinatore musicale della etichetta discografica Bella Gerit con la quale ha realizzato tre opere discografiche di ricerca sui repertori urbinati: “La Dolce Vista” (Bella Gerit 2005), “Nuptiae Factae Sunt” (Bella Gerit 2006) e “De Divina Proportione” (Bella Gerit 2007).
La sua attività di compositore si rivolge soprattutto alla forma della canzone, con più di 60 brani molti dei quali registrati su cd con formazioni da lui stesso fondate tra gli anni 1997/2002; la sua musica trae ispirazione dalla musica antica europea e da quella tradizionale della sua regione, le Marche e il Montefeltro.
E’ reduce dal tour mondiale di Myth, l’ultima opera di Sidi Larbi Cherkaoui, e dall’opera barocca “Zenobia” di Albinoni.
Impegni recenti: “Serenata di Vivaldi” al teatro Rossini di Pesaro; spettacolo multimediale “De Divina Proportione” di cui è ideatore, ed autore delle musiche insieme al compositore David Monacchi, di cui la prima assoluta si è tenuta al Teatro Sanzio di Urbino il 20 giugno 2009; concerto "Nuptiae Factae Sunt" - musica al tempo di Raffaello - 41° Festival Internazionale di Musica Antica di Urbino.
WEBSITE: http://www.simonesorini.it/
http://www.de-divina-proportione.it/
http://www.bellagerit.it/
Nato ad Urbino nel Montefeltro, ha studiato canto fin da giovanissimo nel coro di voci bianche della Cappella Municipale di Pesaro e, conseguiti gli studi artistici presso l’Istituto d’Arte e l’Accademia di Belle Arti della sua città, ha coltivato il suo naturale talento musicale nell’approfondimento dei repertori di canto medievale, rinascimentale e barocco frequentando master-class e maestri privati in Spagna, Francia ed Italia.
Ha seguito gli annuali corsi di perfezionamento ai Corsi Internazionali di Musica Antica di Urbino con Patrizia Bovi, ed ha studiato canto lirico e barocco con il Maestro Sergio Pezzetti.
Il suo stile vocale non accademico ed immediatamente riconoscibile è ben apprezzato in Europa, dove si è esibito nei più importanti teatri e festival tra i quali Temporada Gulbenkian di Lisbona, Early music festival di Boston, Saison Musicale di Royaumont, Early music weekend di Londra, Festival Van Vlaanderen di Anversa, Festival Baroque di Pontoise.
Svolge la sua attività sia come solista che con vari ensemble vocali, tra cui Micrologus, Cantar Lontano di Marco Mencoboni, Calixtinus, Accademia Petrarca e Lirum li Tronc.
Ha interpretato, con Noma Omaran nelle vesti della regina di Palmira, il ruolo principale maschile di Aureliano nell’opera barocca “Zenobia” di Albinoni che ha avuto luogo nel 2008 al teatro dell’Opera di Damasco, con la direzione di Chiara Banchini e A. Moths. Ha partecipato inoltre in qualità di cantante e attore, nel duplice ruolo di Orfeo/Mopso, all’opera “La fabula di Orfeo” diretta da Francis Biggi e prodotta dalla Fondation Royaumont di Parigi nel 2006, e all’opera rinascimentale “Festa Fiorentina” prodotta nel 2004/5 da Micrologus- Italia. Si è esibito, oltre che in Europa, in Mexico, Canada, Russia, Bulgaria, Syria, Stati Uniti.
Ha cantato, ricevendo in Francia prestigiosi riconoscimenti come “Diapason d’or” e “Choc de la musique”, in oltre 30 registrazioni edite da Sony, Stradivarius, Alpha, K617, tra cui “Le Jeu de Robin et Marion” (Micrologus, ZigZag-Harmonia mundi 2003); “Landini, Fior di Dolceça” (MIcrologus, ZigZag.Harmonia mundi 2005); “La Fabula di Orpheo” (Francis Biggi, K617 2007); “Kronomakia” (Daniele Sepe & MIcrologus, ed. il Manifesto 2008); “Ad Vesperas” (Cantar Lontano, Alpha 2007); come solista ne “Il Canzoniere” (Accademia de Musici Francesco Petrarca, Gamut 2006) e “Renaissance Naples” (Lirum li Tronc, Stradivarius 2008).
Ha registrato per Radio France Musique, Radio Osterreich 1, RAI radiotelevisione Italiana.
E’ inoltre un versatile interprete dei repertori liutistici dal medioevo al primo rinascimento essendosi formato con Adolfo Broegg e Robert Crawford Young, ed utilizza i suoi strumenti per accompagnarsi nel canto.
Ha studiato musicologia al Conservatorio Rossini di Pesaro e da anni svolge la sua attività di ricercatore focalizzata sui repertori urbinati con la collaborazione di specialisti come James Haar e Agostino Ziino. E’ co-fondatore, presidente e coordinatore musicale della etichetta discografica Bella Gerit con la quale ha realizzato tre opere discografiche di ricerca sui repertori urbinati: “La Dolce Vista” (Bella Gerit 2005), “Nuptiae Factae Sunt” (Bella Gerit 2006) e “De Divina Proportione” (Bella Gerit 2007).
La sua attività di compositore si rivolge soprattutto alla forma della canzone, con più di 60 brani molti dei quali registrati su cd con formazioni da lui stesso fondate tra gli anni 1997/2002; la sua musica trae ispirazione dalla musica antica europea e da quella tradizionale della sua regione, le Marche e il Montefeltro.
E’ reduce dal tour mondiale di Myth, l’ultima opera di Sidi Larbi Cherkaoui, e dall’opera barocca “Zenobia” di Albinoni.
Impegni recenti: “Serenata di Vivaldi” al teatro Rossini di Pesaro; spettacolo multimediale “De Divina Proportione” di cui è ideatore, ed autore delle musiche insieme al compositore David Monacchi, di cui la prima assoluta si è tenuta al Teatro Sanzio di Urbino il 20 giugno 2009; concerto "Nuptiae Factae Sunt" - musica al tempo di Raffaello - 41° Festival Internazionale di Musica Antica di Urbino.
WEBSITE: http://www.simonesorini.it/
http://www.de-divina-proportione.it/
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domenica 14 marzo 2010
FESTIVAL 5 GIORNATE: “Milano: Cinque Giornate per la Nuova Musica”
FESTIVAL 5 GIORNATE “Milano: Cinque Giornate per la Nuova Musica” SESTA EDIZIONE - Milano, 18/22 marzo 2010 Festival di musica classica contemporanea e sperimentale
Sesta edizione - Milano, 18/22 marzo 2010
http://www.festival5giornate.it/
Sesta edizione - Milano, 18/22 marzo 2010
http://www.festival5giornate.it/
Festival di musica classica contemporanea e musica sperimentale
Direzione artistica: Alessandro Calcagnile e Rossella Spinosa
Promosso da:
CENTRO MUSICA CONTEMPORANEA
www.centromusicacontemporanea.it
Organizzazione a cura di:
Associazione TEMA
in collaborazione con:
Accademia Internazionale della Musica - Fondazione Scuole Civiche, Anteo Spazio Cinema, ARCI Milano, Ars Publica, Atelier Vivienda, Associazione Amici del Loggione del Teatro alla Scala, Associazione Pietro Mongini, Blue Note, Centro Asteria, Cidim, Conservatorio di musica "Giuseppe Verdi" di Milano, Conservatorio di musica "Giuseppe Verdi" di Como, Edizioni Suvini Zerboni, Edizioni Musicali Sconfinarte, Fondazione Antonio Mazzotta, Gruppo Europeo Ricerca Musicale Indipendente, Istituto Musicale "Pietro Mascagni" di Livorno, Lucky Music, Quintocortile, Ricordi, RAI Trade, SAE Institute Milano, Sound Metak, Spazio Sirin, Studio D’Ars, Suonodonne, Teatro San Cipriano
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Programma Edizione 2010
Giovedi 18 marzo
10.00 / 13.00
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 22, Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Lezione aperta: Paolo Solcia”
Seminario a cura di Paolo Solcia, docente di musica elettronica dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
14.00 / 18.00
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 22, Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Lezione aperta: Massimo Marchi”
Seminario a cura di Massimo Marchi, docente di musica elettronica dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
15.00 / 15.30
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Sala Puccini, via Conservatorio 12
“Bruno Bettinelli”
Conversazione tra Bruno Zanolini
e Silvia Bianchera Bettinelli sulla figura del Maestro
Ingresso libero
15.30 / 18.00
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Sala Puccini, via Conservatorio 12
“La musica di Bruno Bettinelli”
Bruno Bettinelli: Adagio per violino e pianoforte (1933), inedito
(Francesco Tessari, violino - Carolina Barazza, pianoforte)
Bruno Bettinelli: Improvviso per fisarmonica da concerto
(Ileana Volpe, fisarmonica)
Bruno Bettinelli: Lirica per canto e pianoforte "Finita è la notte"
(Monika Lukacs, soprano - Caterina Gisi, pianoforte)
Bruno Bettinelli: Sei Bagatelle per pianoforte
(Ariella Soffritti, pianoforte)
Bruno Bettinelli: Tre pezzi per pianoforte
(Massimo Anfossi, pianoforte)
"Proposte contemporanee"
Esecuzioni di lavori solistici e da camera
a cura degli allievi del Conservatorio
Steve Reich: Piano Phase
(Fabio Giannotti - Pietro Rodeghiero, percussioni)
Graham Fitkin: Relent
(Andrea Macchi, pianoforte)
Toshio Hosokawa: Melodia
(Francesco Moretti, fisarmonica)
Gyorgy Ligeti: Sonata per violoncello solo
Sonia Bo: Intermezzo per violoncello solo
(Luca Colardo, violoncello)
Ingresso libero
17.30 / 18.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
“Violino solo - L’interprete e l’autore”
Luigi Manfrin: Composizione per violino solo
Giulia Monducci: Quattro soli per violino
Emanuela Turrini: The Fourth *
Nicola Visalli: Qurba *
NEW MADE Ensemble (Raffaello Negri, violino)
Introduzione a cura dei compositori
Ingresso libero
18.00 / 19.30
AUDITORIUM PRESSO GLI AMICI DEL LOGGIONE DEL TEATRO ALLA SCALA
Via Silvio Pellico, 6
“Cinque donne compositrici per le cinque giornate di Milano”
Seminario concerto delle compositrici Silvia Bianchera Bettinelli, Beatrice Campodonico, Rita Portera, Carla Rebora, Rossella Spinosa
con la partecipazione di NEW MADE Ensemble (Joo Cho, soprano - Matteo Lipari, viola - Alessandro Calcagnile / Rossella Spinosa, pianoforte) - Ensemble G.B. Sergusio di Savigliano - Claudio Ballabio, chitarra - Maria Grazia Gazzola, pianoforte - Gabriella Locatelli, soprano - Anna Maria Morici, pianoforte - Mariangela Pastanella, chitarra - Leopoldo Saracino, chitarra
Introduzione a cura di Andrea Perugini
Ingresso libero
ore 17.30 / 21.30
ARCI BITTE
Via G. Watt 37
"La gestione dei virtual instruments nel live"
Seminario a cura di Open Labs in collaborazione con Lucky Music“
"La storia della musica elettronica e degli strumenti elettronici"
Un affascinante excursus storico dall'arco voltaico a Max Msp, passando per il teremin e Bob Moog.
Seminario a cura di Ing. Antonio Rossi (Docente SAE Institute)
“La registrazione sonora dai Beatles ai giorni nostri”
Come è cambiata la registrazione musicale dal boom della musica pop degli anni sessanta con i supporti analogici all’ingresso inoltrato nel nuovo millennio con i nuovi supporti digitali. Le tecnologie, le tecniche, gli strumenti a disposizione di chi vuol creare un prodotto musicale).
Seminario a cura di Ing. Filippo Gabbrielli (Docente SAE Institute)
Ingresso con tessera Arci
18.30 / 19.30
SOUND METAK
Piazzale Segrino 1
Performance
“An Evening with Delia and Xabier Iriondo”
Performance per sintetizzatori, mahai metak
a cura di DELIA (Leo Learchi, Luca Isabella)
e XABIER IRIONDO
proiezione video di Otolab
Ingresso libero
22.00 / 24.00
ARCI BITTE
Via G. Watt 37
"The analog age, dal Clavioline al Prophet 08"
a cura di LEMI in collaborazione con Lucky Music.
Relatore d'eccezione Aldo Banfi.
Segue show case di Aldo Banfi
"V-GARGO e video live performances"
Gabriele Spinelli ed il sassofonista Vincenzo Marino presentano il progetto V-GARGO; progetto sperimentale Max Msp based che coniuga campionamento on the fly, elettronica e sax.
In parallelo video live performance di Matteo Beccalli e Federico La Fiura.
Segue concerto acustico a cura del collettivo di studenti SAE Live Class.
Ingresso con tessera Arci
Venerdì 19 marzo
10.30 / 12.00
TEATRO SAN CIPRIANO
via Carlo d’Adda 31
“Il Piano di Oscar”
Spettacolo per ragazzi tratto da una favola di Rossana Girotto
Musiche di Marco Bertona - Sonia Formenti, flauto - Paolo Casiraghi, clarinetto - Laura Moruzzi, voce recitante - Rossana Girotto, regia
Ingresso libero
11.30 / 13.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
“Musicacontemporanea.TV - DOC”
Proiezione delle interviste registrate dalla WebTV del Centro Musica Contemporanea
Ingresso libero
13.30 / 20.30
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 18, Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Lezione aperta: Alberto Morelli”
Seminario a cura di Alberto Morelli, docente di musica per l'immagine dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
14.00 / 15.00
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Aula 303, via Conservatorio 12
“Lezione aperta: Sonia Bo”
Seminario a cura di Sonia Bo, docente di composizione dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
15.00 / 16.00
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Aula 303, via Conservatorio 12
“Lezione aperta: Giuseppe Colardo”
Seminario a cura di Giuseppe Colardo, docente di composizione dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
17.00 / 18.00
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 18, Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Lezione aperta: Paolo Coggiola”
Seminario a cura di Paolo Coggiola, docente di composizione dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
17.00 / 17.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
"Immagini gesti parole suoni silenzi"
Presentazione del nuovo libro di Gianfranco Vinay dedicato alle opere vocali e teatrali di Salvatore Sciarrino. Pubblicazione Ricordi, in coedizione con l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia
Ingresso libero
17.30 / 18.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
“Clarinetto solo - L’interprete e l’autore”
Emanuela Ballio: Narciso *
Giuseppe Califano: I sing *
Maurizio Ferrari: Un breve canto
Stefano Giannotti: Una serata in famiglia
Sergio Lanza: Suite für einen Kobold *
NEW MADE Ensemble (Gaetano Nenna, clarinetto)
Introduzione a cura dei compositori
Ingresso libero
18.00 / 19.00
QUINTOCORTILE
Viale Bligny 42
“Pararess marin”
Piece di Guido Boselli su testi di Vito Trombetta
Vito Trombetta, voce recitante - Guido Boselli, violoncello
Ingresso libero
18.30 / 19.30
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Auditorium di Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Suono, silenzio, gesto”
Alessandro Solbiati: "Die Linien..." da "Hölderlin Lieder" (2000)
Riccardo Piacentini: Foto-suoni delle nuove scienze (2009)
David Froom: Three love songs (2008)
John Cage: A flower (1950)
John Cage: The beautiful widow of eighteen springs (1942)
Cathy Berberian: Stripsody (1966)
Riccardo Piacentini: Jazz motetus VI (Cricket play) (2003)
Sylvano Bussotti: Lachrimae (1978)
Duo Alterno
(Tiziana Scandaletti, soprano - Riccardo Piacentini, pianoforte)
Ingresso libero
18.30 / 19.30
SOUND METAK
Piazzale Segrino 1
“Cortometraggi animati”
2 cortometraggi animati del regista polacco Wladyslaw Starewicz
"ri-musicati" da PASSO UNO (Stefano DePonti, Alessandro Bider)
la proiezione è a cura di Mara Martinoli (Anticaglie Animate)
Ingresso libero
20.30 / 22.30
SPAZIO SIRIN
via V. Vela 15
“La poesia sonora”
Il compositore e poeta sonoro Giuliano Zosi presenta la poesia sonora attraverso i propri lavori (Urpoeme, Poema Occulto, Mama papa, Omaggio a Freud, Scherzo dello sbadiglio, Poema microbico, 6 Poemi fonetici, 3 Poemi 2005) e l’opera “Ursonate” di Kurt Schwitters
Performance
"Symphonic Variations"
Il compositore e pianista Christopher Pisk presenta la sua opera "Symphonic Variations" nei tre movimenti "Introduzione" (sonorizzazione di un testo sulle corde del pianoforte), "Variations" (viaggio attraverso la profondità del mistero), "Finale" (azione teatrale come atto liberatorio)
Ingresso su invito
Sabato 20 marzo
9.30 / 13.30 - 14.30 / 18.30
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 22, Villa Simonetta, via Stilicone 36
“Lezione aperta: Matteo Cantaluppi”
Seminario a cura di Matteo Cantaluppi, docente di musica per l'immagine dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
11.30 / 12.30
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Aula 104, via Conservatorio 12
Seminario
“Lezione aperta: Giuseppe Giuliano”
Seminario a cura di Giuseppe Giuliano, docente di composizione dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
13.30 / 15.30
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Aula 104, via Conservatorio 12
Seminario
“Lezione aperta: Javier Torres Maldonado”
Seminario a cura di Javier Torres Maldonado, docente di composizione e nuove tecnologie dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
11.30 / 13.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Interviste
“WebTV del Centro Musica Contemporanea”
Conversazioni con compositori ed interpreti contemporanei
Ingresso libero
16.00 / 17.00
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Tavola rotonda
“Il ruolo dell’editore musicale oggi”
Interverranno: Paolo Cairoli (RAI Trade Edizioni Musicali), Luca Ceretta (Sconfinarte), Marco Lenzi (Ars Publica), Roberta Milanaccio (Edizioni Ricordi / Universal), Alessandro Savasta (Edizioni Suvini Zerboni)
Moderatore: Rossella Spinosa (Presidente Centro Musica Contemporanea)
Ingresso libero
17.30 / 21.00
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Seminario concerto
“Flauto solo - L’interprete e l’autore”
Alessandra Bellino: Su delti soavi di Venere
Anna Gemelli: L’uccello delle tempeste *
Simonetta Sargenti: Battito del cuore
Daniele Venturi: Shooting stars night *
NEW MADE Ensemble (Claudia Burlenghi, flauto)
Introduzione a cura dei compositori
Concerto
“Per voce femminile”
Anonimo: Epitaffio di Sicilo
G. Colombo Taccani : Nox, Tellus
M. Radeschi: Eterna luna
H. Pousseur: Mnemosyne I
Antifona mariana: Ave, Maria
D. Manneke: Fructus voor Sietze Ave Maria, gratia plena
Canto popolare giapponese: Tinsagunu hana
R. Morohashi: Kimi Ga Yuku
A. Kozato: Hishi...To
L. Berio: Sequenza III
C. Berberian: Stripsody
Akiko Kozato, soprano
Concerto
“REIS project - Spettacolo di video-musica-poesia"
Aldo Brizzi: L'épreuve du Labyrinthe
Canto tradizionale di Candomblé: A oberecé
Giacinto Scelsi: Three Latin Prayer
Aldo Brizzi: Ão
Dorival Caymmi: E' doce morrer no mar
Aldo Brizzi: Lua Luz
Aldo Brizzi: Querias Querer
Aldo Brizzi/Arnaldo Antunes: Embrace
(Reis, voce - Aldo Brizzi, e-set - Pierluigi Ruggiero, violoncello)
Ingresso libero
18.30 / 19.30
SOUND METAK
Performance
“Cristiano Calcagnile in solo”
performance batteria, percussioni, chitarra da tavolo, oggetti
a cura di Cristiano Calcagnile
Ingresso libero
20.30 / 22.00
TEATRO DAL VERME
Via San Giovanni sul Muro 2
“NED Ensemble”
Mario Cesa: Concertante *
Francesco Telli: Appunti per un rituale a Diòniso
Andrea Mannucci: Put Down Yr Cigarette Rag
Fabio Vacchi: Presto, da boschi e prati
Fabio Vacchi: Echi d'ombre
Fabio Vacchi: Respiri
Marcello Pusceddu: Tresi *
Giampaolo Coral: Una lontana eco II
Francesco Maggio: Co(n)passo rituale
I solisti del Ned Ensemble
(Lorenzo Marcolongo, clarinetto - Adriano Ambrosini, pianoforte - Maria Odorizzi, violino - Igino Semprebon, viola - Annalisa Petrella, violoncello - Andrea Mannucci, direzione)
Ingresso con biglietto (euro 2,00)
21.00
TEATRO SAN CIPRIANO
via Carlo d’Adda 31
Spettacolo con teatro e danza
“Piena apparve la luna”
Claudia Burlenghi, flauto, ottavino e voce
Loredana Ingegneri, clarinetto
Allievi della scuola Let's Dance-Centro Permanente Danza di Reggio Emilia Ideazioni coreografiche di Annarita Pozzessere
Coreografia di Annarita Pozzessere e Laura Matano
Recitazione Giuseppe Gaiani
Musiche di Andrea Talmelli e poesie di Evelina Schatz
Ingresso libero
21.00
ARCI Metissage
Via Borsieri 2
Concerto
"Spannung"
Performance per voce ed elettronica dell'artista Romina Daniele
Ingresso con tessera Arci
22.00
ARCI La Casa 139
via Ripamonti 139
Concerto
“Arm On Stage @ La Casa 139”
Musiche del collettivo “Arm On Stage”
Ingresso con tessera Arci
Domenica 21 marzo
11.00
ANTEO SPAZIO CINEMA
via Milazzo 9
Proiezione
"Chiayi Symphony"
Proiezione del film "Chiayi Symphony" di Stefano Giannotti
Progetto, direzione musica ed editing: Stefano Giannotti
Prodotto in collaborazione con il Governo della Contea di Chiay in Taiwan,
e ART AS ENVIRONMENT - A CULTURAL ACTION IN TROPIC OF CANCER 2006
Ingresso libero
12.00
STUDIO D'ARS
Via Sant'Agnese, 12/8
Seminario
“Sulla scia di Reger e Maessien”
La scrittura della musica organistica nel XXI secolo:
le composizioni per Organo e due Organi di Paolo Tortiglione
a cura del compositore
Ingresso libero
12.30
STUDIO D'ARS
Via Sant'Agnese, 12/8
Proiezione
“Premio Oscar Signorini”
Proiezione dei lavori finalisti dell'edizione 2009 del premio "Oscar Signorini" della Fondazione D'Ars di Gianmarco Caselli, Giulia Monducci, Massimo Riccetti, Vincenza Scarangella
Ingresso libero
ore 14.00 / 18.30
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Proiezione
“Elettronica e Video Art”
Lavori di musica elettronica e video art
di Marco Giai-Levra e Davide Panizza
Performance
“La Canzone della Crusca” *
Per tre voci femminili ed elettronica, musica ed elementi di testo Massimo Buffetti, con citazioni tratte da D. Alighieri, Inferno XXVI canto, Commedia., F. Petrarca, Canzoniere, Bernardo de Morlay.
Classe di canto Istituto Superiore di Studi Musicali P. Mascagni di Livorno (Maiuko Iwasaki, Roberta Popolani, Gloria Pozella), Stefano Agostini (Direzione musicale), Roberto Nigro (Suono)
Concerto
“Alba elettrica”
Jukka Ruohomäki: Flow
Pietro Grossi: 60 canti da composizioni 11
Paolo de Felice: Monologo poliphonicus *
Klaus Hinrich Stahmer: To lose is to have
Gianmarco Caselli: Luce chimica *
Massimo Signorini: Risveglio con pathos *
Gianmarco Caselli: Alba elettrica *
Duo Symbiosis
(Massimo Signorini, fisarmonica - Gianmarco Caselli, live electronics)
Concerto
“Como Lab”
Produzione dei laboratori di Musica Elettronica e Tecnolgie del Suono
del Conservatorio di Como, docenti Giorgio Klauer, Giovanni Cospito,
Sylviane Sapir
Concerto
“Enzo Porta in live”
Giuseppe Giuliano: The last train home at midnight *
Adriano Guarnieri: Fili bianco-velati (2005) per violino
Giuseppe Giuliano: It is the final Gestalt of the imagination *
Enzo Porta, violino
Live electronics a cura di Giovanni Cospito
Performance
“Milano_03_10”
Michele Del Prete - Marco Gasperini, elettronica
Ingresso libero
18.30 / 19.00
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Tavola rotonda
“Musica elettronica - nuove tecnologie applicate all’arte”
Interverranno: Giovanni Cospito, Michele Del Prete, Marco Gasperini, Giuseppe Giuliano, Riccardo Sinigaglia
Ingresso libero
19.30 / 22.30
ATELIER VIVIENDA
via Murat 84
Concerto
“Piano Sounds Scapes”
Emanuela Turrini: In my melody *
Arnold Schoenberg: Sechs kleine Klavierstücke Op. 19
Arnold Schoenberg: Drei Klavierstücke Op. 11
Lorenzo Meo: Achrome *
Giulia Monducci: Surimpressions *
Toru Takemitsu: Rain Tree Sketch
Toru Takemitsu: Rain Tree Sketch II
Lorenzo Meo, pianoforte
Concerto
“Enumerazioni”
Visione per pianoforte, elettronica live e registrata, immagini proiettate e voce narrante. Musiche e testo originale di Luigi Pizzaleo.
Luigi Pizzaleo, pianoforte ed elettronica
Performance multimediale
“Atlas Coelestis, la musica e le stelle”
Raccolta di composizioni di Giovanni Renzo - concerto per pianoforte, computer e video con animazioni ed immagini legate agli eventi astronomici descritti in ciascuna composizione.
Giovanni Renzo, pianoforte ed elettronica
Ingresso ad invito
21.00
BLUE NOTE
via Borsieri 37
Concerto
"Felice Clemente Quartet"
Felice Clemente, sax tenore e soprano
Massimo Colombo, piano
Giulio Corini, contrabbasso
Massimo Manzi, batteria
Ingresso con biglietto (euro 18,00/23,00)
22.00
ARCI Bellezza
Via Giovanni Bellezza 16
Concerto
"Una Serata in Famiglia"
Esecuzione della composizione di Stefano Giannotti "Una Serata in Famiglia"
per clarinetto ed elettronica a cura di Gaetano Nenna
Proiezione
"The Walbrzych Notebook"
The Walbrzych Notebook si colloca a metà fra documentario e video-arte, una composizione musicale estesa ed una performance audio-video. Interamente prodotto da Stefano Giannotti, il film è il suo primo lungometraggio.
Ingresso con tessera Arci
Lunedi 22 marzo
12.00 / 13.00
ACCADEMIA INTERNAZIONALE DELLA MUSICA
Aula 8, Villa Simonetta, via Stilicone 36
Seminario
“Lezione aperta: Carlo Pessina”
Seminario a cura di Carlo Pessina, docente di composizione dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
14.00 / 15.00
CONSERVATORIO “G. VERDI”
Aula 129, via Conservatorio 12
Seminario
“Lezione aperta: Riccardo Sinigaglia”
Seminario a cura di Riccardo Sinigaglia, docente di musica elettronica dell'istituto, aperto anche ad uditori esterni
Ingresso libero
15.00
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
Presentazione
“L’Arpa a vetro”
Lo strumento sarà presentato
dal compositore e performer Luigi Pizzaleo
Ingresso libero
15.30 / 19.00
PALAZZO REALE
Mostra Gillo Dorfles, piazza del Duomo 12
“Max out!”
D. Summaria: Miniatura per clarinetto in sib
A. Nicolosi: Moment per clarinetto in sib
M. Porro: Epigramma per clarinetto in sib
C. Perugini: Drago di Bomarzo per clarinetto basso ed elettronica
A. Ravera: La scatola del tempo per clarinetto basso *
A. Chiaramonte: Canaja canaja per sola elettronica
F. Maggio / G. A. Delgado: Max out! per clarinetto basso ed elettronica *
M. Munari: électronique chemins (su Per Aenea)
C. Saldicco: Spire I per clarinetto basso *
F. De Rossi Re: Salse per gru, anatre, pernici, tortore, colombacci, colombi e diversi uccelli per clarinetto piccolo in mib ed elettronica
Massimo Munari, clarinetti ed elettronica
"La musica per e con chitarra di Azio Corghi"
Conferenza introduttiva ed esecuzione di "Consonancias y Redobles per chitarra sola" e di "Chiardiluna per flauto e chitarra" di Azio Corghi, a cura del chitarrista Sergio Sorrentino, con la partecipazione della flautista Laura Platinetti
“Chitarra sola - L’interprete e l’autore”
Guido Boselli: Sette bagatelle *
Paola Calderone: Scherzo II *
Valerio Loraschi: La segreta romanza del fiume
Marco Molteni: Incoming call *
Marcela Pavia: Fideal
Biagio Putignano: Les récits suspendus *
NEW MADE Ensemble (Sergio Sorrentino, chitarra
con la partecipazione di Joo Cho, soprano)
Introduzione a cura dei compositori
“Cd 'Vox aquae' e 'Hanno detto'”
Presentazione degli ultimi due progetti discografici di Massimo Buffetti, a cura del compositore. Con la partecipazione del flautista Stefano Agostini
Ingresso libero
20.00 / 21.00
CENTRO ASTERIA
Piazza Carrara 17.1
Tavola rotonda
“Artiste d’avanguardia”
Interverranno: Sonia Bo (compositrice), Beatrice Campodonico (compositrice), Grazia Chiesa (gallerista), Romina Daniele (performer), Marcela Pavia(compositrice), Clarice Zdansky (pittrice) – Moderato: Rossella Spinosa (compositrice e Presidente del Centro Musica Contemporanea)
Ingresso libero
21.00 / 22.30
CENTRO ASTERIA
Piazza Carrara 17.1
Concerto
“Suono Donna”
Ruth Zechlin: O virtus sapientiae
Wang An Min: Kapalua
Carla Magnan: Anni luce
Anna Gemelli: Frammento I
Beatrice Campodonico: Variazioni all’infinto
Esther Flückiger: Nel deserto non piove per voce
Marcela Pavia: Per un addio
Rosy Wertheim: Trois chansons
Ensemble Suonodonne
Ingresso libero
* prima esecuzione assoluta
Etichette:
Festival Cinque Giornate di Milano
Ipazia: Massimo Lonardi
"il catalogo delle forme è sterminato: finchè ogni forma non avrà trovato la sua città, nuove città continueranno a nascere. Dove le forme esauriscono le loro variazioni e si disfano, comincia la fine delle città"
Italo Calvino: Le Città Invisibili
La sesta puntata di Ipazia viene dedicata al Maestro Massimo Lonardi e alla musica rinascimentale
Playlist
Adrian Le Roy "Bransle de Poictou" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Alonso Mudarra "Fantasia del primer tono" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Italo Calvino: Le Città Invisibili
La sesta puntata di Ipazia viene dedicata al Maestro Massimo Lonardi e alla musica rinascimentale
Playlist
Adrian Le Roy "Bransle de Poictou" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Alonso Mudarra "Fantasia del primer tono" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Anonimo "La Traditora" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Guillame Morlaye "Oy me Dolente" - Cd Comienca la Musica para Guitarra
Andrea Falconieri "Gallarda" - Cd La Suave melodia
Andrea Falconieri "La Suave melodia" - Cd La Suave melodia
Andrea Falconieri "Occhietti Amati" - Cd La Suave melodia
Luys Milan "Fantasia X" - Cd Libros De Musica para Vihuela
Luys de Narvaez "Cancion del Emperador (Josquin)" - Cd Libros De Musica para Vihuela
Alono Mudarra "Fantasia que contrahaze la harpa" - Cd Libros De Musica para Vihuela
Diego Pisador "Pavana" - Cd Libros De Musica para Vihuela
Miguel de Fuenllana "Tiento del Segundo tono" - Cd Libros De Musica para Vihuela
Musica in sottofondo
transient: surface tension EP Laverna release n.14
Da oggi è disponibile il download tramite podcast della quinta puntata di Ipazia: Thelonius Monk nelle musiche di Pablo Montagne e Paolo Sorge
Per seguire IPAZIA basta collegarsi a http://chitarraedintorni.blogspot.com/ oppure su http://laverna.listen2myradio.com/.
Link Utili
Laverna
Monografia su Massimo Lonardi
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Ipazia
sabato 13 marzo 2010
venerdì 12 marzo 2010
Suono, Spazio, Arte, Registrazione di Empedocle70 quinta parte
Forse in risposta a questo crescente interesse per spazialità, sia nella composizione moderna che nella sound art, le sale da concerto sono diventati molto più flessibili. Alla Carnegie Hall, Zankel Hall ha un surround-sound system, con la possibilità di muoversi intorno ai posti a sedere. Nello spazio delle esecuzioni musicali del Centre Pompidou di Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique 's (IRCAM), "il muro è costituito da centinaia di pannelli che possono essere spostati per ottenere l'acustica che si desidera, e un soffitto che può essere abbassato". Radio France gestisce l'Olivier Messiaen Concert Hall, con un sistema spaziale del suono (("an orchestra of loudspeakers") progettata dal compositore di musique concrete Francois Bayle, che l’ha denominato "acousmonium". L’Experimental Media and Performing Arts Center (Empac) la Rensselear Polytechnic Institute vanta "spazi con ventiquattro bit di gamma, [e] proiettori, ma con sistemi che elimineranno qualsiasi suono, un ambiente assolutamente silenzioso con posti a sedere variabili.
Sebbene la maggior parte di questa sperimentazione sia stata condotta nel reparto della musica d’avanguardia e nel mondo della musica classica, uno album rock molto noto fornisce un altro esempio molto interessante. Nel suo libro sui Led Zeppelin del 1971 (Led Zeppelini, Il martello degli Dei) parlando del loro quarto album, Erik Davis rileva che chitarrista e produttore Jimmy Page avrebbe posto i microfoni in varie parti della stanza durante la registrazione, e avrebbe quindi "registrato e bilanciato la differenza di questi microfoni, catturando l’ intervallo di tempo che riflette la forma acustica della sala stessa. " Davis prosegue citando Page se stesso dicendo che stava cercando di "catturare, il suono della camera dal vivo", non la musica, o la banda, ma la stanza. Questo può essere ascoltato in particolare nella famosa e spesso copiata introduzione della batteria nel brano finale del disco When the Levee Breaks. Ecco come Davis descrive i preparativi per la registrazione: “per la sessione [il batterista John] Bonham pose il suo nuovo kit sul pavimento di una scala di pietra ... Due micorfoni Beyer M 160 stereo sono stati poi appesi sopra a dieci e venti piedi di altezza, e quindi passati attraverso un'unità di eco gigante ... l'installazione è stata un’eresia; non sono mai stati utilizzati dei microfoni da sala per registrare una batteria ... come [lo scrittore] Andy Fyfe dice, “ciò che voi udite non è solo la batteria, ma come la batteria reagisce allo spazio acustico della sala. Ma potete anche ascoltare qualcosa di più inquietante di questo: si sente come la stanza risponde alla batteria.”
Nello stesso periodo, il compositore Alvin Lucier osservava, "Ogni stanza ha una sua melodia propria nascosta fino a quando non è resa udibile", mentre una decina di anni prima Yoko Ono scrisse come istruzioni per l'esecuzione di Tape Piece II di "prendere il suono della respirazione della stanza." La musica una volta era creata con l’idea di essere ascoltata dal vivo in uno spazio specifico, con l'avvento della registrazione e delle forme di trasmissione dei suoni la capacità di “accordare” uno spazio fisico specifico è diventata un’arte perduta che cerca di essere riscoperta. Dato che lo spazio non era più parte integrante della musica, è stato lasciato al suono la possibilità di articolare le proprietà dello spazio stesso diventando come i colori e le forme geometriche per la pittura modernista. L'artista è stato rimosso, mettendo l'accento sul suono stesso, e il suo ambiente.
Sebbene la maggior parte di questa sperimentazione sia stata condotta nel reparto della musica d’avanguardia e nel mondo della musica classica, uno album rock molto noto fornisce un altro esempio molto interessante. Nel suo libro sui Led Zeppelin del 1971 (Led Zeppelini, Il martello degli Dei) parlando del loro quarto album, Erik Davis rileva che chitarrista e produttore Jimmy Page avrebbe posto i microfoni in varie parti della stanza durante la registrazione, e avrebbe quindi "registrato e bilanciato la differenza di questi microfoni, catturando l’ intervallo di tempo che riflette la forma acustica della sala stessa. " Davis prosegue citando Page se stesso dicendo che stava cercando di "catturare, il suono della camera dal vivo", non la musica, o la banda, ma la stanza. Questo può essere ascoltato in particolare nella famosa e spesso copiata introduzione della batteria nel brano finale del disco When the Levee Breaks. Ecco come Davis descrive i preparativi per la registrazione: “per la sessione [il batterista John] Bonham pose il suo nuovo kit sul pavimento di una scala di pietra ... Due micorfoni Beyer M 160 stereo sono stati poi appesi sopra a dieci e venti piedi di altezza, e quindi passati attraverso un'unità di eco gigante ... l'installazione è stata un’eresia; non sono mai stati utilizzati dei microfoni da sala per registrare una batteria ... come [lo scrittore] Andy Fyfe dice, “ciò che voi udite non è solo la batteria, ma come la batteria reagisce allo spazio acustico della sala. Ma potete anche ascoltare qualcosa di più inquietante di questo: si sente come la stanza risponde alla batteria.”
Nello stesso periodo, il compositore Alvin Lucier osservava, "Ogni stanza ha una sua melodia propria nascosta fino a quando non è resa udibile", mentre una decina di anni prima Yoko Ono scrisse come istruzioni per l'esecuzione di Tape Piece II di "prendere il suono della respirazione della stanza." La musica una volta era creata con l’idea di essere ascoltata dal vivo in uno spazio specifico, con l'avvento della registrazione e delle forme di trasmissione dei suoni la capacità di “accordare” uno spazio fisico specifico è diventata un’arte perduta che cerca di essere riscoperta. Dato che lo spazio non era più parte integrante della musica, è stato lasciato al suono la possibilità di articolare le proprietà dello spazio stesso diventando come i colori e le forme geometriche per la pittura modernista. L'artista è stato rimosso, mettendo l'accento sul suono stesso, e il suo ambiente.
Empedocle70
giovedì 11 marzo 2010
Suono, Spazio, Arte, Registrazione di Empedocle70 quarta parte
Karlheinz Stockhausen è stato spesso associato alla musica nello spazio, avendo sviluppato una serie di composizioni che egli chiamato Raummusik ( "la musica nello spazio"). Anche se la storia ha dimostrato che lui è stato il secondo, non il primo a sperimentare con qualsiasi tecnica avant-garde, egli ha sostenuto, "Fin dall'inizio ho pensato dove gli strumenti avrebbero dovuto essere collocati, Non ho mai semplicemente desiderato avere una disposizione spaziale automatica del suono " Gruppen (1955) per tre orchestre, per esempio, arriva tre anni dopo Antiphony I di Brant, ma in sua “difesa” la musica di Stockhausen coinvolge " timbri in movimento... un accordo si muove da orchestra in orchestra con quasi esattamente gli stessi strumenti (trombe e tromboni) e ciò che cambia non sono le frequenze, ma piuttosto il suono nello spazio " questo considerando che la musica di Brant sottolinea invece i contrasti tra una varietà di stili musicali (ricalcando le idee di Ives).
Carre (1959 ) era un pezzo per quattro orchestre e quattro cori che circondavano il pubblico. Nel 1956, Stockhausen compose Gesang der Jungling, un punto di riferimento per la musique concrete che incorporava il canto e l'elettronica e utilizzava cinque altoparlanti per diffondere la musica in tutto l'auditorium. Il pezzo elettronico Kontalae (1960) si basava sulla velocità con cui il suono si spostava da un altoparlante all'altro. Stockhausen aveva anche pensato di mettere musicisti in movimento per far meglio muovere il suono e condusse dei laboratori a Darmstadt di "walking and running music"dove cantanti e strumentisti di fatto si spostavano suonando. In Ensemble (1967), una performance di quattro ore e mezzo facente parte del programma di uno dei suoi seminari di Darmstadt, i musicisti continuavano a suonare o in automobile decappottabile o attraverso i finestrini aperti e si incontravano nuovamente venti miglia al di fuori della città . Stockhausen ha anche preso in considerazione il movimento del pubblico: "Dovete comporre in modo diverso quando si sa che gli ascoltatori vanno e vengono". In Sternklang in cinque gruppi di musicisti sono stati separati da cespugli e alberi. Il suono cambiava per gli ascoltatori mentre si avvicinavano a ogni gruppo, spostandosi da un gruppo all’altro in continuazione.
Laszlo Moholy-Nagy cominciò a immaginare "le onde sonore provenire da fonti inaspettate, ad esempio, una lampada ad arco cantante o parlante, i diffusori sotto i sedili o sotto il pavimento della sala.” Piet Mondrian previde un nuovo tipo di sala da concerto per musica “Neo-Plastic”, dove "la gente poteva entrare e uscire liberamente senza perdere nulla, perché le composizioni si sarebbero ripetute come nei cinema." Ex allievo di Stockhausen, La Monte Young, aveva immaginato", una composizione del suono continuo per l'installazione nelle case, uffici, gallerie d'arte, aule, piscine, transatlantici, aerei, navi spaziali, eccetera." Young accordò un pianoforte a casa sua usando il sistema di “just intonation” e fece una registrazione: The Well-Tuned Piano.
Egli non fu in grado di eseguire questa musica dal vivo fino a dieci anni dopo , quando ebbe l'opportunità di riaccordare un pianoforte per una apparizione ad un festival musicale. Il pianoforte stesso dovette essere "installato", in quanto spostarlo avrebbe voluto dire rovinare la sua speciale accordatura, così come avrebbe subito delle modifiche in base all’umidità e alla temperatura presenti nello spazio dell’esposizione. Dopo l'anteprima mondiale a Roma nel 1974, Young vendette il "well-tuned" pianoforte, come un oggetto d'arte all’organizzatore della manifestazione, Fabio Sargentini, che gli offrì altri 1.000 dollari per firmarlo. La Dia Art Foundation successivamente acquistò il pianoforte da Sargentini per 14.000 dolari e lo portò a New York, dove venne installato nella sede dell'organizzazione in Harrison. Oggigiorno un piano può essere facilmente spostato , ma la fragilità imposti da Young sul pianoforte accordato in “just Intonation” lo rese più simile a una scultura o a una installazione permanente, in un museo di arte visiva. Lo stesso Young raramente si esibisce in tour o pubblica dischi, forse i troppi sforzi e il troppo tempo impiegato per creare le sue visioni di "continuous sound compositions"; hanno reso di fatto la propria musica un po’ troppo “site specific”, ancora oggi la Dream House sopra il suo loft in Church Street a New York è il luogo primario per i suoi occasionali concerti.Mark Rothko realizzò dei dipinti per riempire uno spazio creato da Philip Jolinson, la Cappella Rothko a Houston, e Morton Feldman compose un pezzo per essere eseguito lì. "In larga misura la mia scelta degli strumenti (in termini di forze utilizzati, l'equilibrio e il timbro) è stata influenzata dallo spazio della cappella, così come i dipinti", ha scritto. "Le immagini di Rothko vanno dritte al bordo della sua tela, ..", e ho voluto creare lo stesso effetto con la musica, che dovrebbe permeare l'intero locale a forma ottagonale e non essere ascoltato da una certa distanza ... il suono è più vicino, più fisicamente con voi che in una sala da concerto ".
Carre (1959 ) era un pezzo per quattro orchestre e quattro cori che circondavano il pubblico. Nel 1956, Stockhausen compose Gesang der Jungling, un punto di riferimento per la musique concrete che incorporava il canto e l'elettronica e utilizzava cinque altoparlanti per diffondere la musica in tutto l'auditorium. Il pezzo elettronico Kontalae (1960) si basava sulla velocità con cui il suono si spostava da un altoparlante all'altro. Stockhausen aveva anche pensato di mettere musicisti in movimento per far meglio muovere il suono e condusse dei laboratori a Darmstadt di "walking and running music"dove cantanti e strumentisti di fatto si spostavano suonando. In Ensemble (1967), una performance di quattro ore e mezzo facente parte del programma di uno dei suoi seminari di Darmstadt, i musicisti continuavano a suonare o in automobile decappottabile o attraverso i finestrini aperti e si incontravano nuovamente venti miglia al di fuori della città . Stockhausen ha anche preso in considerazione il movimento del pubblico: "Dovete comporre in modo diverso quando si sa che gli ascoltatori vanno e vengono". In Sternklang in cinque gruppi di musicisti sono stati separati da cespugli e alberi. Il suono cambiava per gli ascoltatori mentre si avvicinavano a ogni gruppo, spostandosi da un gruppo all’altro in continuazione.
Laszlo Moholy-Nagy cominciò a immaginare "le onde sonore provenire da fonti inaspettate, ad esempio, una lampada ad arco cantante o parlante, i diffusori sotto i sedili o sotto il pavimento della sala.” Piet Mondrian previde un nuovo tipo di sala da concerto per musica “Neo-Plastic”, dove "la gente poteva entrare e uscire liberamente senza perdere nulla, perché le composizioni si sarebbero ripetute come nei cinema." Ex allievo di Stockhausen, La Monte Young, aveva immaginato", una composizione del suono continuo per l'installazione nelle case, uffici, gallerie d'arte, aule, piscine, transatlantici, aerei, navi spaziali, eccetera." Young accordò un pianoforte a casa sua usando il sistema di “just intonation” e fece una registrazione: The Well-Tuned Piano.
Egli non fu in grado di eseguire questa musica dal vivo fino a dieci anni dopo , quando ebbe l'opportunità di riaccordare un pianoforte per una apparizione ad un festival musicale. Il pianoforte stesso dovette essere "installato", in quanto spostarlo avrebbe voluto dire rovinare la sua speciale accordatura, così come avrebbe subito delle modifiche in base all’umidità e alla temperatura presenti nello spazio dell’esposizione. Dopo l'anteprima mondiale a Roma nel 1974, Young vendette il "well-tuned" pianoforte, come un oggetto d'arte all’organizzatore della manifestazione, Fabio Sargentini, che gli offrì altri 1.000 dollari per firmarlo. La Dia Art Foundation successivamente acquistò il pianoforte da Sargentini per 14.000 dolari e lo portò a New York, dove venne installato nella sede dell'organizzazione in Harrison. Oggigiorno un piano può essere facilmente spostato , ma la fragilità imposti da Young sul pianoforte accordato in “just Intonation” lo rese più simile a una scultura o a una installazione permanente, in un museo di arte visiva. Lo stesso Young raramente si esibisce in tour o pubblica dischi, forse i troppi sforzi e il troppo tempo impiegato per creare le sue visioni di "continuous sound compositions"; hanno reso di fatto la propria musica un po’ troppo “site specific”, ancora oggi la Dream House sopra il suo loft in Church Street a New York è il luogo primario per i suoi occasionali concerti.Mark Rothko realizzò dei dipinti per riempire uno spazio creato da Philip Jolinson, la Cappella Rothko a Houston, e Morton Feldman compose un pezzo per essere eseguito lì. "In larga misura la mia scelta degli strumenti (in termini di forze utilizzati, l'equilibrio e il timbro) è stata influenzata dallo spazio della cappella, così come i dipinti", ha scritto. "Le immagini di Rothko vanno dritte al bordo della sua tela, ..", e ho voluto creare lo stesso effetto con la musica, che dovrebbe permeare l'intero locale a forma ottagonale e non essere ascoltato da una certa distanza ... il suono è più vicino, più fisicamente con voi che in una sala da concerto ".
continua domani...
mercoledì 10 marzo 2010
Museo Carlo Zauli: conferenze sull'architettura
Organizzato dall'Associazione "Amici dell'Arte" presso il MCZ, si svolge un ciclo di conferenze sul tema della città moderna in relazione con il territorio e nei rapporti architettonici ed urbanistici.
ecco gli appuntamenti:
giovedì 11 marzo ore 18,30
relatore arch. Sergio Zanichelli
ARTE-ARCHITETTURA RELAZIONI ITERAZIONI INTERFERENZE
giovedì 18 marzo ore 18,30
relatore arch. Tiziano Dalpozzo
BELLEZZA CITTA' ARCHITETTURA
giovedì 25 marzo ore 18,30
relatore arch. Enrico Aceti
CITTA' E CAMPAGNA
a fine conferenza un piccolo aperitivo
.......
NEWS!
la mostra di Trevisani è prorogata fino al festival dell'arte contemporanea!
museocarlozauli@gmail.com per prenotare la tua visita guidata
ecco gli appuntamenti:
giovedì 11 marzo ore 18,30
relatore arch. Sergio Zanichelli
ARTE-ARCHITETTURA RELAZIONI ITERAZIONI INTERFERENZE
giovedì 18 marzo ore 18,30
relatore arch. Tiziano Dalpozzo
BELLEZZA CITTA' ARCHITETTURA
giovedì 25 marzo ore 18,30
relatore arch. Enrico Aceti
CITTA' E CAMPAGNA
a fine conferenza un piccolo aperitivo
.......
NEWS!
la mostra di Trevisani è prorogata fino al festival dell'arte contemporanea!
museocarlozauli@gmail.com per prenotare la tua visita guidata
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Museo Zauli
Il 19 marzo 2010, alle ore 18, verrà inaugurata a Venezia nella sede di Ikona Gallery in Campo del Ghetto Nuovo la mostra di Luigi Viola Frames.
Nel 1983 Vilém Flusser, acuto teorico della fotografia e, più in generale, dell'immagine, descrive il rapporto tra fotografo e apparato come una lotta per la libertà del primo dal secondo. Il medium
fotografico, nella sua meccanicità ed automaticità, contiene al suo interno una serie di vincoli (tecnici e ontologici) che l'artista deve forzare al fine di esprimere la propria dimensione interiore nella maniera più libera e individuale possibile. Succede allora, talvolta, – come testimonia questa mostra – che un artista riesca a scardinare i vincoli tecnologici imposti dalla fotografia per dischiudere uno spazio privato, in grado di condensare sulla superficie bidimensionale dell'immagine sensazioni, ricordi, emozioni ed esperienze. Elementi interiori che sgorgano all'esterno, travalicando e quasi annullando l'idea comune di fotografia come traccia concreta del reale.
Luigi Viola, artista poliedrico attivo da quarant'anni, si è fin dall'inizio concentrato su tematiche
legate alla memoria, all'esperienza soggettiva, al bagaglio emozionale e all'identità, sondando con
tenacia e originalità il medium fotografico – di volta in volta affiancato a video, pittura, performance, scrittura. Frames è una difficile, ma allo stesso tempo significativa, selezione delle sue opere più recenti. Opere che giocano con l'immagine tecnica, che la plasmano e la dilatano per farne quasi emergere il rimosso, la memoria involontaria di proustiana derivazione.
Il “frame”, infatti, oltre ad essere la cornice, il telaio, rappresenta anche il fermo immagine, l'istante.
È ciò che costituisce l'ossatura, ma anche ciò che scorre, un brandello estratto da un flusso continuo. Una metafora del nostro rapporto con il tempo e con il ricordo.
fotografico, nella sua meccanicità ed automaticità, contiene al suo interno una serie di vincoli (tecnici e ontologici) che l'artista deve forzare al fine di esprimere la propria dimensione interiore nella maniera più libera e individuale possibile. Succede allora, talvolta, – come testimonia questa mostra – che un artista riesca a scardinare i vincoli tecnologici imposti dalla fotografia per dischiudere uno spazio privato, in grado di condensare sulla superficie bidimensionale dell'immagine sensazioni, ricordi, emozioni ed esperienze. Elementi interiori che sgorgano all'esterno, travalicando e quasi annullando l'idea comune di fotografia come traccia concreta del reale.
Luigi Viola, artista poliedrico attivo da quarant'anni, si è fin dall'inizio concentrato su tematiche
legate alla memoria, all'esperienza soggettiva, al bagaglio emozionale e all'identità, sondando con
tenacia e originalità il medium fotografico – di volta in volta affiancato a video, pittura, performance, scrittura. Frames è una difficile, ma allo stesso tempo significativa, selezione delle sue opere più recenti. Opere che giocano con l'immagine tecnica, che la plasmano e la dilatano per farne quasi emergere il rimosso, la memoria involontaria di proustiana derivazione.
Il “frame”, infatti, oltre ad essere la cornice, il telaio, rappresenta anche il fermo immagine, l'istante.
È ciò che costituisce l'ossatura, ma anche ciò che scorre, un brandello estratto da un flusso continuo. Una metafora del nostro rapporto con il tempo e con il ricordo.
OPERE ESPOSTE
Frames (2000-06), Centri Mistici (1980), Archetipi (1980), Immagini interiori (1979-80), rassegna completa di video (1975-80)
LUIGI VIOLA
Nato a Feltre nel 1949, fino al 1995 insegna all’Accademia di Brera di Milano, successivamente si trasferisce a Venezia, dove tuttora risiede e dove è titolare della cattedra di Pittura presso l'Accademia di Belle Arti. Esordisce sul finire degli anni Sessanta, inserendosi sin da subito nel filone delle avanguardie concettuali, con lavori basati su scrittura visuale, performance, video, fotografia, che affrontano in particolar modo la questione dell’identità. Intorno al 1976 approda ad un linguaggio più lirico, neo-romantico, che lo riavvicina alla pittura e a tematiche legate all’immaginario mitico-simbolico dell’archetipo. Negli anni successivi, mantenendo sempre un approccio duttile verso l’utilizzo dei vari media, prosegue la sua ricerca analizzando temi connessi alla memoria, alla tradizione, alla morte, con un occhio sempre di riguardo alle caratteristiche intrinseche a ciascun mezzo d’espressione.
Sue opere fanno parte degli archivi di Lux (Londra), Galleria del Cavallino (Venezia), M.o.M.A. (New York), Art Metropole
(Toronto), A.S.A.C. (Venezia).
L’esposizione è curata da Živa Kraus fondatrice e direttrice di Ikona Gallery dal 1979
Frames (2000-06), Centri Mistici (1980), Archetipi (1980), Immagini interiori (1979-80), rassegna completa di video (1975-80)
LUIGI VIOLA
Nato a Feltre nel 1949, fino al 1995 insegna all’Accademia di Brera di Milano, successivamente si trasferisce a Venezia, dove tuttora risiede e dove è titolare della cattedra di Pittura presso l'Accademia di Belle Arti. Esordisce sul finire degli anni Sessanta, inserendosi sin da subito nel filone delle avanguardie concettuali, con lavori basati su scrittura visuale, performance, video, fotografia, che affrontano in particolar modo la questione dell’identità. Intorno al 1976 approda ad un linguaggio più lirico, neo-romantico, che lo riavvicina alla pittura e a tematiche legate all’immaginario mitico-simbolico dell’archetipo. Negli anni successivi, mantenendo sempre un approccio duttile verso l’utilizzo dei vari media, prosegue la sua ricerca analizzando temi connessi alla memoria, alla tradizione, alla morte, con un occhio sempre di riguardo alle caratteristiche intrinseche a ciascun mezzo d’espressione.
Sue opere fanno parte degli archivi di Lux (Londra), Galleria del Cavallino (Venezia), M.o.M.A. (New York), Art Metropole
(Toronto), A.S.A.C. (Venezia).
L’esposizione è curata da Živa Kraus fondatrice e direttrice di Ikona Gallery dal 1979
LA MOSTRA RESTERÀ APERTA FINO AL 13 APRILE 2010, DALLE ORE 11 ALLE 19 (ESCLUSO IL SABATO)
PER INFORMAZIONI: IKONA VENEZIA +39 0415289387 mail@ikonavenezia.com
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IKONA PHOTO GALLERY
Suono, Spazio, Arte, Registrazione di Empedocle70 terza parte
In una certa misura le installazioni sonore sono una specie di stanze di rinnovamento / riabilitazione, e persino una sorta di centro benessere, sound artist Bernard Leiner: "ciò che è vero per la musica si applica a qualsiasi stimolo acustico: la qualità del suono di una stanza colpisce il sistema nervoso. Il cuore, la respirazione, e la pressione arteriosa, che sono in gran parte fuori del controllo cosciente ne sono interessati. E le implicazioni psicosomatiche non dovrebbe essere sottovalutate. In altre parole, tutta la nostra fisica e il benessere mentale è influenzato dal suono di una stanza. Dato che l'architettura moderna ha sottovalutato se non del tutto ignorato questi fenomeni, questo ha certamente provocato danni rilevanti. In questo contesto dobbiamo, tuttavia, sottolineare che noi abbiamo grandi difficoltà a parlare del nostro modo di sentire una stanza, il nostro modo di venire a patti con il "sonoro" dello spazio. Abbiamo semplicemente una mancanza nella terminologia. A questo proposito il nostro linguaggio, principalmente orientato sull’aspetto visivo, ci penalizza."
L'uso della spazialità nella composizione musicale europea risale al XVI secolo, quando i compositori come Giovanni Gabrieli scrivevano composizioni che dovevano essere eseguiti nelle chiese con più cori. Gabrieli ha scritto, in particolare, musica per la Cattedrale di San Marco a Venezia, che vantava due corali e due organi di fronte all'altro (è un primo esempio di composizione nata per un sito specifico). Bernhard Leitner cita un altro esempio ancora più complesso dal XVII secolo: "Nel 1628 la cattedrale di Salisburgo è stata inaugurata con l'esecuzione composizione spaziale/ musicale di Orazio Benevoli, per la quale cinquantatre strumenti e dodici cori sono stati distribuiti in tutto l'interno della cattedrale, al fine di enfatizzare i suoi effetti acustici attraverso l’insieme dei diversi gruppi di musicisti, attraverso echi e dialoghi incrociati tra loro. Il conseguente effetto monumentale è stato raggiunto in un modo del tutto diverso da quello utilizzato nel XIX secolo, dove il suono veniva proiettato nello spazio da un unico spazio, il podio. Allo stesso modo, in cerimonie di corte piccoli gruppi di musicisti venivano distribuiti per tutta la stanza in modo flessibile in modo da poter cambiare posto rapidamente e quindi creare effetti e significati diversi".
L'unica eccezione a questa pratica nel diciannovesimo secolo è Terza Sinfonia di Mahler, dove vi è una sezione di fiati che suona da dietro le quinte, un altro è il Requiem di Berlioz. Nei secoli XIX e XX, George Ives e Henry Brant hanno composto pezzi per varie bande o orchestre situati in zone diverse di uno spazio all'aperto. George Ives, padre del famoso compositore Charles, aveva fatto suonare a due marching bands due brani diversi, mentre marciavano partendo da estremità opposte attraverso un parco cittadino,. Ives ascoltò le differenze nel suono in relazione alla posizione di ogni gruppo in un dato momento. Egli avrebbe fatto anche ascoltare a suo figlio mentre suonava una cornetta dalla parte opposta di uno stagno, fatto poi immortalato da Charles nella sua composizione The Pond.
Charles avrebbe utilizzato la spazialità in qualche misura nell'orchestrazione del pezzo The Unanswered Question, ma è stato Henry Brant, che ha portato la composizione spaziale per strumenti acustici al suo apogeo nel ventesimo secolo. In Antiphony I (1953), cinque orchestre sono sparse per il palcoscenico e l’auditorium. Brant ha continuato a comporre oltre un centinaio di pezzi caratterizzati dalla distribuzione spaziale del suono (manco a dirlo, queste non si traducono molto bene nelle registrazioni stereofoniche).
La musique concrete stava già meditando sulla “spazializzazione” fin dai primi anni '50. Su suggerimento di Pierre Schaeffer, Jacques Poullin inventò un dispositivo chiamato “pupitre d 'espace” ("scrivania spaziale" o "controllo dello spazio"), che utilizzava bobine ad induzione per spostare i suoni nello spazio intorno a se.
Varese aveva prima immaginato "una serie di proiezioni di suono nello spazio, mediante l'emissione del suono in qualsiasi parte o in molte parti della sala. " Nel suo Poème Electronique, realizzato per la Fiera Mondiale di Bruxelles nel 1958, un pezzo su nastro magnetico con campane, sirene, voci trattate e pianoforte, i suoni viaggiava attraverso vari percorsi per i quattrocento altoparlanti distribuiti in tutto il Padiglione Philips progettato da Le Corbusier (con l'aiuto di Iannis Xenakis), una sorta di versione laica del XX secolo del modo di scrivere e definire la musica per uno spazio-cattedrale.
Ne scrive in questi termini lo stesso Varese nel suo libro “Il Suono Organizzato”: “Vengo ora al pezzo che ascolterete stasera: Poème eLectronique. Si tratta della parte musicale di uno spettacolo di suoni e luci presentato nel corso della Esposizione di Bruxelles all'interno del padiglione progettato per la Philips Corporation of Holland da Le Corbusier, autore anche della parte visuale. Lo spettacolo! era fatto di luci colorate in movimento, immagini proiettate sulle pareti del padiglione e musica. La musica veniva diffusa da 425. altoparlanti controllati da venti amplificatori. Era stata registrata su Un nastro magnetico a tre piste a intensità e qualità variabili!, Gli altoparlanti erano stati montati per gruppi e secondo quelli che vengono chiamati "percorsi di suono" per ottenere vari effetti, come ad esempio quello di una rotazione della musica attorno al padiglione o quello di un suo arrivo da direzioni differenti, oltre a riverberi, ecc. Fu quella la prima volta che sentii la mia musica proiettarsi letteralmente nello spazio.”
Anche il pezzo su nastro magnetico Concret PH di Xenakis creato dalla elaborazione del suono derivante dalla combustione del carbone, venne “suonato” attraverso questo sistema di diffusione.
continua domani..
martedì 9 marzo 2010
Masterclass del M° Arturo Tallini sabato 27 e domenica 28 marzo 2010 Mestre Venezia
In occasione del concerto, presso il Centro Culturale CANDIANI a Mestre, "Il campo dei rumori" - Osterie, rumori, case, silenzi intorno a Campo Santa Margherita - Improvvisazioni e musiche di repertorio da immagini fotografiche "Il suono delle immagini", la Scuola di Musica Miles Davis ed Angelcy© presentano:
Masterclass del M° Arturo Tallini presso la sede della scuola in Via Torino 133, nei giorni sabato 27 e domenica 28 marzo 2010, a partire dalle ore 14 (per registrazioni degli allievi).
Arturo Tallini, è docente di chitarra al Conservatorio di Santa Cecilia di Roma. Dal 2006, dopo una memorabile esecuzione della Serenata per un satellite di Bruno Maderna alla Scuola Civica di Milano, ha iniziato un percorso che lo ha portato all’improvvisazione come forma di espressione di sé, del proprio immaginario musicale, prendendo dal linguaggio contemporaneo stilemi, gesti musicali e trasformandoli in linguaggio personale e originale.
La masterclass prevede lezioni individuali sul repertorio chitarristico e un laboratorio sull'improvvisazione anche a partire dal repertorio preparato dagli allievi.
Masterclass del M° Arturo Tallini presso la sede della scuola in Via Torino 133, nei giorni sabato 27 e domenica 28 marzo 2010, a partire dalle ore 14 (per registrazioni degli allievi).
Arturo Tallini, è docente di chitarra al Conservatorio di Santa Cecilia di Roma. Dal 2006, dopo una memorabile esecuzione della Serenata per un satellite di Bruno Maderna alla Scuola Civica di Milano, ha iniziato un percorso che lo ha portato all’improvvisazione come forma di espressione di sé, del proprio immaginario musicale, prendendo dal linguaggio contemporaneo stilemi, gesti musicali e trasformandoli in linguaggio personale e originale.
La masterclass prevede lezioni individuali sul repertorio chitarristico e un laboratorio sull'improvvisazione anche a partire dal repertorio preparato dagli allievi.
Le iscrizioni si possono effettuare via mail o telefonicamente, o recandosi mezz'ora prima dell'inizio delle lezioni presso la scuola.
Costi: esecutori € 55 a giornata, auditori € 35 a giornata. Gli allievi esecutori dovranno, al momento dell'iscrizione, dare informazione sul brano che intendono presentare.
Info:
http://www.arturotallini.it/
http://www.milesdavisschool.it/
Iscrizioni: milesdavisschool@gmail.com , info@patferro.com
Telefono: 041 532 2051 / 393 854 9015 / 347 660 4914
><><><><><><><><><><><><>< Ass. Cult. ANGELCY
L.A.A.M. Libera Associazione di Arti e Mestieri
Photographer & Booking Agent
Dean Bowman Dimitri Sillato Paolo Sorge Dario De Filippo Federico Squassabia
Pat Ferro, Venice, Castello 6536/a, I 30122
Mobile IT +39 347 660 49 14
NL +31 6 251 05 862
www.improvvisatoreinvolontario.com/promo
http://www.laam.it/
http://www.patferro.com/
for dates visit our monthly updated tour-calendar
http://www.improvvisatoreinvolontario.com/
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Trio Fibonacci in concerto 11 Marzo Quarto D'Altino
ho il piacere di segnalarvi il concerto del Trio Fibonacci che avrà luogo
Giovedì 11 Marzo 2010, ore 20.45 presso il Centro Servizi del Comune di Quarto d’Altino in via Abbate Tomaso, 2 a Quarto d’Altino (VE)
ingresso libero e gratuito
PROGRAMMA
Robert Shumann
Trio n°1 op. 63 in Re minore (1847)
Ludwig Van Beethoven
Trio in Si bemolle maggiore op. 97, “Arciduca” (1811)
TRIO FIBONACCI:
Julie-Anne Derome, violino
Gabriel Prynn, violoncello
Anna D’Errico, pianoforte
INFO:
Associazione Culturale
Musici Mojanesi
Via Mameli 9/B 31021
31021 - Mogliano Veneto (TV)
Tel: Michela Caser - 347 6482879
email: musicimojanesi@aol.it
www.musicimojanesi.altervista.org
Giovedì 11 Marzo 2010, ore 20.45 presso il Centro Servizi del Comune di Quarto d’Altino in via Abbate Tomaso, 2 a Quarto d’Altino (VE)
ingresso libero e gratuito
PROGRAMMA
Robert Shumann
Trio n°1 op. 63 in Re minore (1847)
Ludwig Van Beethoven
Trio in Si bemolle maggiore op. 97, “Arciduca” (1811)
TRIO FIBONACCI:
Julie-Anne Derome, violino
Gabriel Prynn, violoncello
Anna D’Errico, pianoforte
INFO:
Associazione Culturale
Musici Mojanesi
Via Mameli 9/B 31021
31021 - Mogliano Veneto (TV)
Tel: Michela Caser - 347 6482879
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Suono, Spazio, Arte, Registrazione di Empedocle70 seconda parte
Eno precisa che la registrazione ha avuto la forza di spostare la musica lontano dai suoi luoghi deputati di produzione: possiamo portarci a casa ed ascoltarci la registrazione di una sinfonia invece di dover andare alla Concert Hall. Glenn Gould aveva rinunciato ad eseguire concerti a metà degli anni '60, già col pensiero che le registrazioni avrebbero sostituito le sale da concerto. Ciò è stato dovuto in parte ad un atteggiamento egualitario da parte sua: a casa propria tutti avevano il posto migliore, e con la riproduzione domestica: “the listener is able to indulge preferences and through the electronic modifications with which he endows the listening experience imposes his own personality upon the work. And he does so, he transforms that work, and his relation to it, from an artistic to an environmental experience.” (l'ascoltatore è in grado di indulgere alle proprie preferenze e con le modifiche elettroniche che conferisce alla sua esperienza di ascolto impone la propria personalità sulla musica. E facendo così, egli trasforma il lavoro, e il suo rapporto con esso, da un’esperienza artistica a una ambientale).
In questo modo Glenn Gould concettualizzava involontariamente gli album come una sorta di installazione sonora interattiva. Non solo è possibile per l'ascoltatore godere a casa il pezzo di musica in qualsiasi momento, ma tramite la gestione del volume e dell’equalizzazione su un sistema hi-fi egli diventa effettivamente un direttore / produttore.
“Every sound has a space-bound character of his own. The same sound sounds different in a small room, in a cellar, in a large, empty hall, in a street, in a forest, or on the sea.” (Ogni suono ha uno spazio legato al suo carattere. Lo stesso suono suona in modo diverso in una piccola stanza, in una cantina, in una grande sala vuota, in una strada, in una foresta, o al mare.) Bela Lelazs
Con il giradischi in grado di sintonizzare ogni casa come una sala da concerto, e con la registrazione in grado di dare al suono una posizione centrale, hanno avuto inizio nuove indagini sulle sue specificità e caratteristiche spaziali. L'uomo già da lungo tempo viveva in sintonia con il suono di spazi architettonici e naturali. Bill Viola ha scritto sulle cattedrali gotiche: "Quando si entra in un santuario gotico, è subito evidente che il suono comanda lo spazio. Questo non è solo un semplice effetto di un eco, ma tutti i suoni, non importa quanto vicini, lontani, o forti, sembrano provenire dallo stesso luogo lontano ... Chartres e di altri edifici sono stati descritti come "musica congelata in pietra ".. "L’architettura antica abbonda di notevoli esempi di progettazione acustica, gallerie sussurranti in cui un mormorio nudo di una voce si materializza in un punto a centinaia di metri di distanza dall'altra parte del corridoio e la chiarezza perfetta degli anfiteatri greci in cui un attore, in piedi al punto focale creato dalle pareti riverberanti, si sente distintamente da tutti i membri dell'orchestra e del pubblico "
Nei tempi moderni l’architettura si è meno preoccupata di acustica; "l’idea del suono come mezzo si è persa parecchio nella nostra cultura" dice il sound artist Bill Fontana. "Gli architetti quasi non ci pensano. Disegniamo lo spazio visivamente e non pensiamo al rapporto tra i suoni che esistono negli spazi ". Viola rileva che l'acustica moderna è stata sviluppata per combattere l'incomprensibilità generata dal riverbero nella stanze elaborate dal design moderno, cosa che egli considera ironicamente perché "l’acuto riverbero nella cattedrale gotica, sebbene fosse un risultato della costruzione e non una specifica intenzione, era considerato una parte essenziale della la sua forma globale e della sua funzione ". ...
In questo modo Glenn Gould concettualizzava involontariamente gli album come una sorta di installazione sonora interattiva. Non solo è possibile per l'ascoltatore godere a casa il pezzo di musica in qualsiasi momento, ma tramite la gestione del volume e dell’equalizzazione su un sistema hi-fi egli diventa effettivamente un direttore / produttore.
“Every sound has a space-bound character of his own. The same sound sounds different in a small room, in a cellar, in a large, empty hall, in a street, in a forest, or on the sea.” (Ogni suono ha uno spazio legato al suo carattere. Lo stesso suono suona in modo diverso in una piccola stanza, in una cantina, in una grande sala vuota, in una strada, in una foresta, o al mare.) Bela Lelazs
Con il giradischi in grado di sintonizzare ogni casa come una sala da concerto, e con la registrazione in grado di dare al suono una posizione centrale, hanno avuto inizio nuove indagini sulle sue specificità e caratteristiche spaziali. L'uomo già da lungo tempo viveva in sintonia con il suono di spazi architettonici e naturali. Bill Viola ha scritto sulle cattedrali gotiche: "Quando si entra in un santuario gotico, è subito evidente che il suono comanda lo spazio. Questo non è solo un semplice effetto di un eco, ma tutti i suoni, non importa quanto vicini, lontani, o forti, sembrano provenire dallo stesso luogo lontano ... Chartres e di altri edifici sono stati descritti come "musica congelata in pietra ".. "L’architettura antica abbonda di notevoli esempi di progettazione acustica, gallerie sussurranti in cui un mormorio nudo di una voce si materializza in un punto a centinaia di metri di distanza dall'altra parte del corridoio e la chiarezza perfetta degli anfiteatri greci in cui un attore, in piedi al punto focale creato dalle pareti riverberanti, si sente distintamente da tutti i membri dell'orchestra e del pubblico "
Nei tempi moderni l’architettura si è meno preoccupata di acustica; "l’idea del suono come mezzo si è persa parecchio nella nostra cultura" dice il sound artist Bill Fontana. "Gli architetti quasi non ci pensano. Disegniamo lo spazio visivamente e non pensiamo al rapporto tra i suoni che esistono negli spazi ". Viola rileva che l'acustica moderna è stata sviluppata per combattere l'incomprensibilità generata dal riverbero nella stanze elaborate dal design moderno, cosa che egli considera ironicamente perché "l’acuto riverbero nella cattedrale gotica, sebbene fosse un risultato della costruzione e non una specifica intenzione, era considerato una parte essenziale della la sua forma globale e della sua funzione ". ...
continua domani
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seconda
lunedì 8 marzo 2010
Master’s degree in Music Performance: Bern University of the Arts
-Bachelor (3 years) of Arts in Music
-Master I (2 years) of Arts in Music Performance
-Master II (2 years) of Arts in Specialized Music Performance
-EU Mobility Promotion Schemes: ERASMUS and DA VINCI
-Master I (2 years) of Arts in Music Performance
-Master II (2 years) of Arts in Specialized Music Performance
-EU Mobility Promotion Schemes: ERASMUS and DA VINCI
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Application/Admission
Deadlines for studies commencing in the autumn semester 2010:
Deadline for applications: 15 March 2010 using the Application form for a Master's Degree in Music to Bern University of the Arts, Applications, Papiermühlestrasse 13a, 3000 Bern 22
Decision on Admission: Mid-May 2010
Date for Immatriculation: 15 June 2010
Prerequisites
The Master’s degree in Music Performance requires advanced artistic skills in general musical and artistic/aesthetic areas. Solid instrumental/vocal or technical and creative abilities are required. Skills in reflection, theoretical justification, and articulation of ideas are also expected, along with a high level of personal responsibility and independence. An additional requirement is the ability to enter a transdisciplinary artistic environment and to contribute to transdisciplinary projects.
Bern University of the Arts
The BUA unites a wide variety of artistic disciplines under a single roof. The University offers both undergraduate and postgraduate courses in the field of design, fine arts, conservation and restoration, music, literature and theatre.
The BUA offers internationally recognised Bachelor’s and Master’s Degree courses. The European Credit Transfer System (ECTS) is used to credit the student’s achievements. One ECTS credit point corresponds to 30 hours’ work per semester by the student, including both contact study and private study. An academic year is generally estimated at 60 ECTS credit points. This corresponds to 1800 hours of work. Those following an artistic course of study, however, generally devote considerably more time to their studies, particularly in respect of their independent work. BUA courses are generally pursued on a full-time basis. Part-time study is possible on most courses by agreement with those in charge of the course.
While the students at the BUA focus on their chosen discipline, they also perceive of themselves as part of an artistic landscape that includes innovative arts, design and research and operates on an interdisciplinary basis. This particularly close proximity to other disciplines serves to broaden their horizons. The acquisition of interface competencies guarantees a sustainable professional qualification at university.
Major projects, such as the Biennale Bern are organised jointly with cultural proffessionals. The BUA stands out amongst other centres of learning through its large number of public appearances and its strong prescence in the capital's cultural scene.
Bachelor of Arts in Music
The Bachelor’s degree in Music provides aspiring musicians with a broad basic practical and theoretical training. The core subjects are instrumental or vocal work or composition and forms of expression using media, depending on the Major. The aim is to deepen the musicians’ form of expression as much as possible. The degree is a preparation for specialisation in a Master’s course.
The course takes place in one of the three fields:
Classical Music (with the Majors Instrument/Voice, Composition, Band conducting)
Jazz (with the Major Instrument/Voice)
Music & Media Arts
Master of Arts in Music Performance
In the Master’s degree in Music Performance, students in
Classical Music
Jazz
achieve artistic maturity in their instrument or voice. Their objective is to become professional musicians. This demands a solid instrumental or vocal training as much as the understanding of a piece of music in its context, and the mastery of a broad, demanding repertoire. One focus of the BUA degree is the formation of musical flexibility, while another is the ability to realise an idea independently.
Master of Arts in Specialized Music Performance
The Master’s degree in Specialized Music Performance is the highest degree in classical music. Students in this degree programme, with its extremely individualised training, should reach a top international level of achievement.
The following Majors are offered:
Instrument/Voice
Opera
The degree course takes the whole stylistic breadth of today’s careers in music into account. Close cooperation with orchestras and theatres ensures proximity to artistic practice. Students regularly have opportunities to perform, and they prepare for a career as soloists on national and international stages.
EU Mobility Promotion Schemes: ERASMUS and DA VINCI
ERASMUS and DA VINCI are individual programmes within the EU’s overall lifelong learning programme.
ERASMUS
Is the acronym for European Community Action Scheme for the Mobility of University Students. This programme was developed in order to promote the mobility of European students. The aim of ERASMUS is to encourage students to spend part of their studies (an exchange semester) at a different university in another European country. ERASMUS opens the door to a partner university and provides teaching staff and students with mobility grants.
DA VINCI
Is a programme that promotes periods of practical experience in other European countries. The aim of DA VINCI is for participants to acquire professional experience abroad and thus benefit from the opportunity of getting to know other cultures and languages. Students can participate in the DA VINCI programme during or after vocational training or during or after a course of study at a University of Applied Sciences or a traditional university.
Although Switzerland is not an EU member state, agreements were concluded in the context of the bilateral agreement which permit Switzerland to participate in these programmes.
Application/Admission
Deadlines for studies commencing in the autumn semester 2010:
Deadline for applications: 15 March 2010 using the Application form for a Master's Degree in Music to Bern University of the Arts, Applications, Papiermühlestrasse 13a, 3000 Bern 22
Decision on Admission: Mid-May 2010
Date for Immatriculation: 15 June 2010
Prerequisites
The Master’s degree in Music Performance requires advanced artistic skills in general musical and artistic/aesthetic areas. Solid instrumental/vocal or technical and creative abilities are required. Skills in reflection, theoretical justification, and articulation of ideas are also expected, along with a high level of personal responsibility and independence. An additional requirement is the ability to enter a transdisciplinary artistic environment and to contribute to transdisciplinary projects.
Bern University of the Arts
The BUA unites a wide variety of artistic disciplines under a single roof. The University offers both undergraduate and postgraduate courses in the field of design, fine arts, conservation and restoration, music, literature and theatre.
The BUA offers internationally recognised Bachelor’s and Master’s Degree courses. The European Credit Transfer System (ECTS) is used to credit the student’s achievements. One ECTS credit point corresponds to 30 hours’ work per semester by the student, including both contact study and private study. An academic year is generally estimated at 60 ECTS credit points. This corresponds to 1800 hours of work. Those following an artistic course of study, however, generally devote considerably more time to their studies, particularly in respect of their independent work. BUA courses are generally pursued on a full-time basis. Part-time study is possible on most courses by agreement with those in charge of the course.
While the students at the BUA focus on their chosen discipline, they also perceive of themselves as part of an artistic landscape that includes innovative arts, design and research and operates on an interdisciplinary basis. This particularly close proximity to other disciplines serves to broaden their horizons. The acquisition of interface competencies guarantees a sustainable professional qualification at university.
Major projects, such as the Biennale Bern are organised jointly with cultural proffessionals. The BUA stands out amongst other centres of learning through its large number of public appearances and its strong prescence in the capital's cultural scene.
Bachelor of Arts in Music
The Bachelor’s degree in Music provides aspiring musicians with a broad basic practical and theoretical training. The core subjects are instrumental or vocal work or composition and forms of expression using media, depending on the Major. The aim is to deepen the musicians’ form of expression as much as possible. The degree is a preparation for specialisation in a Master’s course.
The course takes place in one of the three fields:
Classical Music (with the Majors Instrument/Voice, Composition, Band conducting)
Jazz (with the Major Instrument/Voice)
Music & Media Arts
Master of Arts in Music Performance
In the Master’s degree in Music Performance, students in
Classical Music
Jazz
achieve artistic maturity in their instrument or voice. Their objective is to become professional musicians. This demands a solid instrumental or vocal training as much as the understanding of a piece of music in its context, and the mastery of a broad, demanding repertoire. One focus of the BUA degree is the formation of musical flexibility, while another is the ability to realise an idea independently.
Master of Arts in Specialized Music Performance
The Master’s degree in Specialized Music Performance is the highest degree in classical music. Students in this degree programme, with its extremely individualised training, should reach a top international level of achievement.
The following Majors are offered:
Instrument/Voice
Opera
The degree course takes the whole stylistic breadth of today’s careers in music into account. Close cooperation with orchestras and theatres ensures proximity to artistic practice. Students regularly have opportunities to perform, and they prepare for a career as soloists on national and international stages.
EU Mobility Promotion Schemes: ERASMUS and DA VINCI
ERASMUS and DA VINCI are individual programmes within the EU’s overall lifelong learning programme.
ERASMUS
Is the acronym for European Community Action Scheme for the Mobility of University Students. This programme was developed in order to promote the mobility of European students. The aim of ERASMUS is to encourage students to spend part of their studies (an exchange semester) at a different university in another European country. ERASMUS opens the door to a partner university and provides teaching staff and students with mobility grants.
DA VINCI
Is a programme that promotes periods of practical experience in other European countries. The aim of DA VINCI is for participants to acquire professional experience abroad and thus benefit from the opportunity of getting to know other cultures and languages. Students can participate in the DA VINCI programme during or after vocational training or during or after a course of study at a University of Applied Sciences or a traditional university.
Although Switzerland is not an EU member state, agreements were concluded in the context of the bilateral agreement which permit Switzerland to participate in these programmes.
WAITLESSWAIT, musica di Maurizio Pisati per LE BOCCHE INUTILI di Simone de Beauvoir
WAITLESSWAIT, musica di Maurizio Pisati per
LE BOCCHE INUTILI
di Simone de Beauvoir
traduzione Paolo Bignamini
regia Annig Raimondi
spazio luci Fulvio Michelazzi
venerdì 12 Marzo 2010 - ore 21:00
© Editions Gallimard - Paris
prima assoluta e novità letteraria per l'Italia
produzione PACTA . dei Teatri - ScenAperta Polo Teatrale dell'Alto Milanese - Egumteatro
Una città delle Fiandre è sotto assedio. Il governo decide di sacrificare "le bocche inutili" alla Ragion di Stato: i malati, i vecchi, i bambini e le donne verranno cacciati dalle mura di Vaucelles e abbandonati ai nemici. In conflitto tra legge civile e legge morale, questa "Antigone al contrario" è una delle poche esperienze teatrali di Simone De Beauvoir, una delle più importanti voci femminili del Novecento.
TEATRO OSCAR
Via Lattanzio, 58 - Milano, dal 12 al 28 Marzo 2010,
LE BOCCHE INUTILI
di Simone de Beauvoir
traduzione Paolo Bignamini
regia Annig Raimondi
spazio luci Fulvio Michelazzi
venerdì 12 Marzo 2010 - ore 21:00
© Editions Gallimard - Paris
prima assoluta e novità letteraria per l'Italia
produzione PACTA . dei Teatri - ScenAperta Polo Teatrale dell'Alto Milanese - Egumteatro
Una città delle Fiandre è sotto assedio. Il governo decide di sacrificare "le bocche inutili" alla Ragion di Stato: i malati, i vecchi, i bambini e le donne verranno cacciati dalle mura di Vaucelles e abbandonati ai nemici. In conflitto tra legge civile e legge morale, questa "Antigone al contrario" è una delle poche esperienze teatrali di Simone De Beauvoir, una delle più importanti voci femminili del Novecento.
TEATRO OSCAR
Via Lattanzio, 58 - Milano, dal 12 al 28 Marzo 2010,
Orari spettacoli: mart - sab ore 21:00, dom ore 17:00
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Maurizio Pisati
Suono, Spazio, Arte, Registrazione di Empedocle70 prima parte
In un certo senso, la registrazione è stata una invenzione ancora più radicale della fotografia, in quanto si pensava che non fosse possibile “catturare” la voce umana, mentre si era già abituati all’idea che la stessa immagine (umana) fosse in misura maggiore o minore riproducibile tramite il disegno e la pittura. La registrazione, la possibilità di catturare e riprodurre i suoni forse sarebbe stata l'invenzione di cui lo stesso Edison sarebbe stato più orgoglioso.
Perché la registrazione potesse riuscire a replicare gli spettacoli musicali , era solo una questione di tempo, mentre alla luce delle tendenze moderniste dell’arte, vennero sviluppate tecniche sperimentali per portare la registrazione al fuori dal regno dell’ “aura” fotografica: la "Concrete Musique”, sviluppata in Francia tra gli anni ‘40 e '50 da Pierre Schaeffer (un ingegnere della radio, naturalmente) e Pierre Henry, si basava sulla registrazione “documentaristica” di suoni quotidiani, della vita reale, trasformandoli fino al punto di irriconoscibilità (accelerando o rallentando il nastro, tramite l'editing e l'utilizzo di distorsioni e altri effetti) in modo tale da creare una sorta di divorzio “sonoro” tra i suoni e l'oggetto che li aveva prodotti. Il suono di un violino, non trattato, rimanda all'immagine di un violino, anche se non è un violino di per sé, nello stesso modo in cui una fotografia di un violino, non è un violino. Con queste possibilità, il suono e l'immagine si scindono tra loro, generando un problema catalogabile sotto la definizione di “ascolto acusmatico”.
Il termine deriva dai discepoli di Pitagora erano soliti seguire ascoltando, ma senza mai vederlo, le sue lezioni tenute da dietro una tenda. In base alla definizione di Schaeffer, l'ascolto acusmatico è "L'ascolto del suono senza alcun indizio visivo alla sua fonte."
Schaeffer, infatti, in ultima analisi, si scoraggiò non riuscendo a creare una sufficiente distanza musicale tra i suoni e la loro fonte originale, e sentendo che non poteva sfuggire la forma musicale fino a raggiundere il suono puro. Tuttavia, la musique concrete, resta come una sorta di l'anello mancante tra la musica e la sound art, e altri artisti, Francisco Lopez in particolare, sembrano riprendere questo discorso da dove Schaeffer l’aveva lasciato.
Le tecniche moderne di registrazione basate sui sistemi multi traccia, oltre a distanziare quanto possibile i suoni dalla loro fonte visiva, hanno contribuito non poco anche ad interagire con l'acustica naturale del suono in una stanza ch e deve essere ricostruita attraverso effetti di riverbero e altri. Come afferma il sound artist Bernhard Leitner : "Le stanze riverberanti sono sempre stati ammorbidite acusticamente coprendo le superfici rigide riflettenti con tappeti, arazzi, tende e simili. Oggi l’esatto contrario, un compito più difficile da svolgere, è diventata una procedura standard nel settore della registrazione musicale. La stessa tecnologia che ci permette di riprodurre musica senza musicisti e in uno spazio adeguato ci permette di simulare il riverbero nello spazio che era stato eliminato nella registrazione: possiamo creare acustiche differenti nello stesso spazio.
E’ questo senso della prospettiva, con l'introduzione degli effetti nello studio di registrazione, in particolare l’eco, che fa dire a Brian Eno "il processo di creare musica è molto più vicino al processo della pittura". David Toop ha scritto che con l'eco presente nel reggae dub giamaicano "il mixer, diventa uno strumento pittorico" creando "illusioni profonde". Al di là dello spazio simulato dall’ eco e dal riverbero, nella registrazione in mono vi è una profondità di campo, tra primo piano e sfondo simili alla pittura: cosa presente anche nella registrazione stereofonica, che però divide l'immagine in una dicotomia verticale.
Molti artisti del suono sono stati scarsamente rappresentati su dischi: alcuni, come Phill Niblock e La Monte Young, hanno sempre contestato la durata di solo 20 minuti del lato dei dischi di vinile come troppo breve per poter ospitare le loro opere (tra l’altro non avendo il controllo del volume di riproduzione, che nei loro casi spesso è destinato ad essere il più forte possibile). Yasanao Tone e Marianne Amacher hanno resistito più volte alla tentazione di realizzare registrazioni in stereo dei loro lavori perché questa tecnologia non riusciva a catturare perfettamente la loro dimensione spaziale.
Sotto questo punto di vista un cd di un sound artwork potrebbe essere paragonato ad un catalogo di una mostra di sculture, con riproduzioni fotografiche delle opere stesse. Con l’audio surround 5.1 l'idea di un ambiente sonoro nuovo sostituisce e supera l'analogia con la pittura, man mano che questo sistema diventerà sempre più comune nelle nostre case, anche la sound art potrà forse uscire dagli ambiti ristretti in cui adesso è confinata.....
Perché la registrazione potesse riuscire a replicare gli spettacoli musicali , era solo una questione di tempo, mentre alla luce delle tendenze moderniste dell’arte, vennero sviluppate tecniche sperimentali per portare la registrazione al fuori dal regno dell’ “aura” fotografica: la "Concrete Musique”, sviluppata in Francia tra gli anni ‘40 e '50 da Pierre Schaeffer (un ingegnere della radio, naturalmente) e Pierre Henry, si basava sulla registrazione “documentaristica” di suoni quotidiani, della vita reale, trasformandoli fino al punto di irriconoscibilità (accelerando o rallentando il nastro, tramite l'editing e l'utilizzo di distorsioni e altri effetti) in modo tale da creare una sorta di divorzio “sonoro” tra i suoni e l'oggetto che li aveva prodotti. Il suono di un violino, non trattato, rimanda all'immagine di un violino, anche se non è un violino di per sé, nello stesso modo in cui una fotografia di un violino, non è un violino. Con queste possibilità, il suono e l'immagine si scindono tra loro, generando un problema catalogabile sotto la definizione di “ascolto acusmatico”.
Il termine deriva dai discepoli di Pitagora erano soliti seguire ascoltando, ma senza mai vederlo, le sue lezioni tenute da dietro una tenda. In base alla definizione di Schaeffer, l'ascolto acusmatico è "L'ascolto del suono senza alcun indizio visivo alla sua fonte."
Schaeffer, infatti, in ultima analisi, si scoraggiò non riuscendo a creare una sufficiente distanza musicale tra i suoni e la loro fonte originale, e sentendo che non poteva sfuggire la forma musicale fino a raggiundere il suono puro. Tuttavia, la musique concrete, resta come una sorta di l'anello mancante tra la musica e la sound art, e altri artisti, Francisco Lopez in particolare, sembrano riprendere questo discorso da dove Schaeffer l’aveva lasciato.
Le tecniche moderne di registrazione basate sui sistemi multi traccia, oltre a distanziare quanto possibile i suoni dalla loro fonte visiva, hanno contribuito non poco anche ad interagire con l'acustica naturale del suono in una stanza ch e deve essere ricostruita attraverso effetti di riverbero e altri. Come afferma il sound artist Bernhard Leitner : "Le stanze riverberanti sono sempre stati ammorbidite acusticamente coprendo le superfici rigide riflettenti con tappeti, arazzi, tende e simili. Oggi l’esatto contrario, un compito più difficile da svolgere, è diventata una procedura standard nel settore della registrazione musicale. La stessa tecnologia che ci permette di riprodurre musica senza musicisti e in uno spazio adeguato ci permette di simulare il riverbero nello spazio che era stato eliminato nella registrazione: possiamo creare acustiche differenti nello stesso spazio.
E’ questo senso della prospettiva, con l'introduzione degli effetti nello studio di registrazione, in particolare l’eco, che fa dire a Brian Eno "il processo di creare musica è molto più vicino al processo della pittura". David Toop ha scritto che con l'eco presente nel reggae dub giamaicano "il mixer, diventa uno strumento pittorico" creando "illusioni profonde". Al di là dello spazio simulato dall’ eco e dal riverbero, nella registrazione in mono vi è una profondità di campo, tra primo piano e sfondo simili alla pittura: cosa presente anche nella registrazione stereofonica, che però divide l'immagine in una dicotomia verticale.
Molti artisti del suono sono stati scarsamente rappresentati su dischi: alcuni, come Phill Niblock e La Monte Young, hanno sempre contestato la durata di solo 20 minuti del lato dei dischi di vinile come troppo breve per poter ospitare le loro opere (tra l’altro non avendo il controllo del volume di riproduzione, che nei loro casi spesso è destinato ad essere il più forte possibile). Yasanao Tone e Marianne Amacher hanno resistito più volte alla tentazione di realizzare registrazioni in stereo dei loro lavori perché questa tecnologia non riusciva a catturare perfettamente la loro dimensione spaziale.
Sotto questo punto di vista un cd di un sound artwork potrebbe essere paragonato ad un catalogo di una mostra di sculture, con riproduzioni fotografiche delle opere stesse. Con l’audio surround 5.1 l'idea di un ambiente sonoro nuovo sostituisce e supera l'analogia con la pittura, man mano che questo sistema diventerà sempre più comune nelle nostre case, anche la sound art potrà forse uscire dagli ambiti ristretti in cui adesso è confinata.....
continua domani
domenica 7 marzo 2010
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