Seminari di Interpretazione chitarristica 2015 Castellaneta

28-29 Marzo 2015 riprendono a Castellaneta le Masterclass "Seminari di Interpretazione chitarristica" giunti ormai alla 10^ Edizione, con i maestri Frédéric Zigante e Antonio Rugolo.
Per info e iscrizioni scrivete a seminaricivica.castellaneta@gmail.com

Guitars Speak: le chitarre jazz di Camera Lirica e Corde Alterne

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Mercoledì sera su Guitars speak, programma radio dedicato solo alla chitarra ascolteremo due dei progetti più belli del 2013 ormai definitivamente lontano. Camera Lirica di Domenico Caliri e Corde Alterne di Roberto Gemo e Alessandro Fedrigo, ascoltiamoli assieme su Guitars Speak alle 21 di mercoledì 21 gennaio.

Wednesday night on Guitars Speak, radio program dedicated to the guitar only, we will listen to two of the most beautiful projects of 2014 now definitely far. Camera lirica by Domenico Caliri and Corde Alterne by Roberto Gemo and Alessandro Fedrigo, let's listen together on Guitars Speak at 9PM Wednesday, January 21st.

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Christian Lavernier in Japan 2015

Concorso Internazionale "Premio Contea - Città di Villorba"

Il Concorso Internazionale "Premio Contea - Città di Villorba" si terrà dal 20 al 22 febbraio in provincia di Treviso (la location è stata spostata alla Sala Polifunzionale di Vidor). Il Concorso è aperto a tutti gli strumenti (pianoforte, archi, fiati, chitarra, arpa), alla musica da camera, al canto lirico ed è prevista una sezione speciale per le scuole medie ad indirizzo musicale.
La giuria è composta da Andrea Bambace (pianoforte), Paolo Baglieri (pianoforte), Cristina Pastorello (canto lirico), Fabrizio Nasetti (fiati), Luca Braga (archi), Maria Chiara Bassi (arpa), Matteo Rigotti (chitarra).
Infoline: 3473135568

Entrevista al Maestro Christian Lavernier

Entrevista al Maestro Christian Lavernier (TADUCTOR Manuel Mandeb)

¿Cuàndo comenzó a tocar la guitarra y por qué? ¿Qué estudios realizò y cuàl es su background musical? ¿Con qué guitarras toca y con cuàles ha tocado?

Temìa 9 años cuando empecé a tocar... pero era el piano. Mis padres me habían inscripto en una escuela de música y allì he oído el sonido de la guitarra provenir de la clase junto a la mía. El dulce sonido y la vibración me fascinaron. Al principio empecé con la herramienta equivocada. A los 10 años dejé el piano y empecé solo con la guitarra. A los 12 conocí mi primer maestro verdadero, el M° Mario Senise. Más tarde hice una clase magistral con Alirio Díaz y luego con Paolo Cherici. Me sugirieron de ir al conservatorio de Milán donde entré directamente en el octavo año y me graduè 3 años despues. En Viena, estudié con Conrad Ragosnig y más tarde con Angelo Gilardino, me acerquè al repertorio del '900 y a lamúsica contemporánea.
Yo nunca quise tener un background musical, porque me fascina lo que oigo en el momento cuando lo oigo. Toqué y escuché de todo pero no estoy atado a nada en particular.
En cuanto a las guitarras, ahora toco una José Ramírez III con camara del 1989. En pasado toquè con diferentes guitarras italianas y extranjeras: Kohno, Giussani ...

¿Quàles fueron y son sus principales influencias musicales? ¿Cómo expresa su "forma" musical en la interpretación y en la improvisación, sea cuando Ud. toca “solo”, o junto con otros músicos? ¿Elabora una “forma” predefinida aportando “ajustes” cundo es necesario o deja que sea la "forma" en sí surja segùn la ocasion, o usa ambos enfoques creativos?
Creo que un músico debe escuchar tanto como sea posible, despues debe encontrar su trayectoria transformar lo que ha acumulado con la experiencia en su propia personalidad artística. Las influencias pueden venir de diferentes partes, no sólo musicales. La interacción con los escritores o pintores enriquece el ambiente tanto como el contacto con otros músicos.
La improvisación es una parte fundamental en mi música. Incluso cuando toco la música de otros compositores, tengo en cuenta el margen que existe para la improvisación. No creo posible fijar una ejecución definitiva. Incluso dentro de una composición escrita hay espacio para la improvisación o tal vez seria mejor decir: para la fantasia. El concepto que tengo de la forma es el de "organización del material sonoro". A esta visión más bien clásica aplico el hecho de ser capaz de dejar un espacio lo más amplio posible pra la fantasía. Hay un hermoso libro que recomiendo a todos "Forma come destino" de Maddalena Mazzacut Mis ...
En realidad trato de conseguir que la música me organice. Trato de ser “tocado” por la música, y es ella que me organiza en la forma apropiada. Es como ser agua que intenta rellenar los espacios y se adhieren a las formas.

¿Cuál es la importancia de la improvisación en su investigación musical? ¿Se puede volver a hablar de improvisación en un repertorio tan codificado como el clásico o se ve obligado a salir y dirigirse a otros repertorios, jazz, contemporáneo, etc?

Ya en la palabra improvis-acion (N del T imprevista-acción en italiano accion no prevista en castellano) esta el contenido de lo que está sucediendo dentro de una composición clásica y "codificada" tengo muchas "imprevestas-acciones". Por ejemplo, como ya he dicho antes, no puedo fijar una interpretación para siempre y yo no creo que si en un pasaje que realicé un "pianissimo" o "rallentato" debe ser así para siempre. Tal vez en otra sala o en otro público, el mismo paso puede ser totalmente diferente. Esto para mí es la improvisación. Tambièn hay otros tipos de improvisaciones donde soy yo a organizar el material sonoro y crearlo al momento, esto obviamente, en composiciones no codificadas. El arte vive de improvisaciones. Van Gogh habria podido pintar girasoles como los veia, pero su improvisacione ha creado el impresionismo.

¿Cómo su metodología musical es influenciada por la comunidad de personas (músicos o no) con la que trabaja? ¿Modifica suz enfoquez en relación a lo que directa o indirectamente recibe de ellos? ¿Si escucha una diferente interpretación de una pieza que ya tocò y que quiere ejecutar tiene en cuenta lo que escuchò o prefiere proceder con total independencia?

En primer lugar no tengo una metodología. Sucede muchas veces para ir al festival, donde me encuentro con gente interesante con quienes improviso yo trato de aprender acerca de su mundo artístico. En esto creo que la entropía juega un papel importante. La comprensión de un mundo sonoro diferente al mío, me fascina y me fascina aún más para traer a mi estilo en un mundo musical para mí desconocido. Esto en cuanto a los músicos. Lo mismo ocurre con otros artistas de otras disciplinas porque el instrumento es el medio y no el fin. Toco un instrumento musical valioso, importante, caro ... "instrumento", que no es la finalidad de nada, pero necesito hacer algo más.
Trato de no ser influenciado por lo que escucho mas bien encontrar mi interpretación de cada pieza. Porque el arte no es bueno o malo, sino verdadero o falso. En la música somos lo que somos y no podemos simular, el castigo es el olvido.

Una pregunta un poco provocativa sobre la música en general, no sólo contemporánea o vanguardista. Frank Zappa en su autobiografía escribió: «Si John Cage, por ejemplo, dijo: "Ahora pongo un micrófono en la garganta, y luego bebo jugo de zanahoria y esta será mi composición", entonces su gárgaras serìan calificadas como una COMPOSICION SUYA, porque ha aplicado un marco, que la declara como tal. "Lo tomas o lo dejas, ahora quiero que esta sea música."» ¿Es una valida afirmaciòn esta declaración para definir un género musical, decir esto es la música clásica, esto es contemporánea y esta listo? ¿Todavía tiene sentido hablar de "género"?

Una respuesta un poco provocativa. Andy Warrol dijo: "No sé qué es el arte, pero sé que un milímetro antes o milímetro un milimetro depuès es una mierda." Yo no creo en los géneros. El género es algo nos sireve para entender lo que estamos hablando. Si voy a un concierto y cuando vuelvo a casa soy la misma persona que antes, podía no haber ido. Sin embargo, si me levanto de la butaca con las emociones, entonces vale la pena. El jugo de zanahoria o no. El hecho de que no exista un verdadero género musical hoy, ha dado lugar a palabras como "contaminación". No me gusta la palabra contaminación, sabe hospital. Me encanta mucho más que la palabra de intercambio, donde hago un poco de mi mundo musical y recibo algo de otro mundo.

Berlioz dijo que componer para guitarra clásica era difícil, porque había que ser, ante todo un guitarrista para hacerlo, esta frase a menudo se ha utilizado como una justificación para el limitado repertorio de guitarra clásica respecto a otros instrumentos como el piano y el violín. Al mismo tiempo ha sido “puesta en crisis" por el creciente interés que la guitarra (ya sea clásica, acústica, eléctrica, midi) encuentra en la música contemporánea, por no mencionar el éxito en la música pop, donde la guitarra eléctrica es ahora sinónimo de rock ... como músico versátil y transversal ... ¿Cree que todavía hay algo de verdad en la frase Berlioz?

- Seguramente Berlioz tenía razón. Componer para guitarra es muy difícil, usted tiene que saber la morfología. Pero Mario Castel Nuovo-Tedesco o Manuel Ponce también han demostrado lo contrario. La guitarra es, en última instancia, su sonido. Para escribir para la guitarra, realmente, tienes que conocer a fondo la morfología del instrumento. Esto no implica necesariamente ser guitarristas. Pero también es cierto que Castel Nuovo-Tedesco o Ponce tenían un consejero llamado Andrés Segovia.

Luciano Berio escribió: "la preservación del pasado tiene una parte negativa, ya que se convierte en una manera de olvidar la música. El oyente recibe una ilusión de continuidad que le permite seleccionar lo que confirma esa misma continuidad y censurar todo lo que la disturbe", ¿Què papel puede asumir la investigación histórica y musicológica en este contexto?

- En primer lugar, Luciano Berio nació en mi ciudad, Imperia. Tuve la suerte de conocerlo y escuchar de su propria voz lo que realmente pensaba acerca de la "nueva música". Recomiendo a todos la lectura de "Opera aperta" de Umberto Eco para entender mejor lo que pasó en esos años. Estoy respondiendo a estas preguntas en París, a pocos pasos de Notre Dame, donde nació la polifonía y el contrapunto (punto y contro punto). Para nosotros hoy una tercera menor es un sonido agradable, como es una séptima dominante o una novena, pero no siempre fue así. La evolución de la lengua musical en sus fases extremas conduce a una mayor complejidad. En el momento de Beethoven o Mozart existia un concepto de contemporaneidad mucho más pronunciado que hoy, eran mucho más contemporáneos de lo que somos hoy en día, por la sencilla razón que esa musica era ejecutada en ese momento. El concepto de "música del pasado" viene con el romanticismo, antes, una página de la música escrita después de dos años era vieja y se tocaba otra nueva. Hemos erigido estatuas, a veces con el conocimiento de los hechos, pero a todo lo que se erigió una estatua, por lo general esta muerto. Si hoy leemos las críticas de "Octeto para cuerdas" de Beethoven, nos encontraremos frases como "el maestro es más sordo de lo que se pensaba." Hoy sabemos que es una obra maestra. La nvestigación musicológica referida al pasado nos debe enseñar que los musicólogos son, por su ADN, más bien conservadores. También el lugar donde aprendemos la música se llama Conservatorio. Quizas deberíamos pensar en esto.



A veces siento que en nuestro tiempo la historia de la música fluya sin un interés particular epor lo estricatamente cronológico, en nuestra discoteca-biblioteca, el antes y después, el pasado y el futuro se convierten en elementos intercambiables, esto ¿no puede presentar un riesgo para un intérprete y compositor de una visión uniforme, di una "globalización" musical?

- No, no lo creo. En mi último disco grabé música del siglo XIX, música del siglo XX y la música contemporánea con una primera grabación mundial. Creo que una de pavana Luis Milán no desentone al lado de una pieza de música contemporánea. Yo no creo en la cronologia, pero creo en filología (en este caso musical), es decir, el estudio del lenguaje, independientemente de su ubicación en el espacio-tiempo.

Nos recomiende cinco discos para usted indispensables, para tener siempre en nuestra discoteca .. los clásicos cinco discos par llevar a la isla desierta ..

1. I. Stravinsky "La consagración de la primavera"
2. M. Bethania canta Vinicius De Morales "Songsbook"
3. A. Part "La Sábana Santa"
4. J. S. Bach "Partite" (G. Gould)
5. M. Camillo "Live in New York"

¿Cuáles son sus cinco puntuaciones indispensables?

1. J. Rodrigo "Concierto de Aranjez"
.... Y cuatro hojas de la música blancas, aún por escribirse.

El blog también es leído por los jóvenes apenas graduados y graduados, ¿qué consejo le darías a los que, después de años de estudio, deciden de comenzar una carrera como músicos?

- Yo no doy consejos a nadie. Sólo creo que va a ser la música a elegir a ellos y para ellos. El único requisito real es para darle la oportunidad de entrar. Ella sabrá cómo hacer el resto.

¿Con quién le gustaría tocar y que le gustaría tocar? ¿Por lo general que música escucha?

- Me gustaría tocar conmigo mismo quando sea grande, confrontarme con mi sonido "maduro" para futuras experiencias. En realidad, con cualquiera que me despierte emociones, independientemente de su nombre. ¿Quién quiero tocar? ... debería decir: "¿Quién me gustaría que me interprete?" ..y creo que ustedes lo verán pronto.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?

- El 2015 será bastante lleno de novedades: una nueva gira en Japón antes de empezar con una serie de conciertos italianos y europeos, algunos masterclass entre París y Roma (Accademia della musica romana), dos programas completamente nuevos, de los cuales uno comi mis composiciones ineditas unidas por una estructura improvisativa (que es un oxìmoron). Tambièn, un nuevo proyecto sobre la música para guitarra del 800 con instumeto de epoca que partirà en la segunda mitad de 2015. También estoy estudiando nuevas colaboraciones y sobre todo me estoy enfocando en mi música. Tengo nuevas ideas que me llevan a escribir en modo frenetico para mí y para otros grandes artistas que me dan el modo de elaborar las más diversas formas de expresión. Esto para mí es un privilegio, pero también un reto maravilloso.

Massimo Lonardi in concerto a Milano

The Incredible Jazz Guitar of GEORGE BENSON in concert

George Benson (born March 22, 1943)[3] is a ten-time Grammy Award-winning American musician and singer-songwriter. He began his professional career at twenty-one, as a jazz guitarist. Benson uses a rest-stroke picking technique similar to that of gypsy jazz players such as Django Reinhardt. A former child prodigy, Benson first came to prominence in the 1960s, playing soul jazz with Jack McDuff and others.
He then launched a successful solo career, alternating between jazz, pop, R&B singing, and scat singing. His album Breezin' was certified triple-platinum on the Billboard 200 chart in 1976.[4] His concerts were well attended through the 1980s, and he still has a large following.[4] He has received a star on the Hollywood Walk of Fame.

Guitars Speak: la chitarra di Big Bill Bronzy

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Big Bill Broonzy, nato William Lee Conley Broonzy (Scott, 26 giugno 1893– Chicago, 15 agosto 1958), è stato un compositore e chitarrista blues statunitense. Con la sua lunga e varia carriera, è considerato una delle figure chiave del blues del ventesimo secolo, e in genere è ricordato, come uno tra i bluesman più grandi di sempre, facendo da anello di congiunzione tra il blues rurale delle origini e il blues urbano delle grandi città.

Big Bill Broonzy, born William Lee Conley Broonzy (Scott, June 26th 1893- Chicago, August 15, 1958) was an American blues guitarist and composer. With his long and varied career, he is considered one of the key figures of the blues of the twentieth century, and in general he is remembered as one of the greatest bluesmen of all time, a real link between the rural blues of the origins and the electric blues of the big cities.

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Derek Bailey On the edge - documentary about improvisation

Broadcast in 1992, On The Edge was a 4-part miniseries about improvisational music in all of its forms. Written by iconoclastic improv guitarist Derek Bailey and based on his seminal book Improvisation: Its Nature and Practice in Music, the program admirably includes everything from traditional Korean music to French Catholic liturgical organ performance to downtown New York free jazz.

Ambassador Bill: Big Bill in Britain - Big Bill Broonzy documentary

Documentary about the legendary blues musician Big Bill Broonzy.

Presented by John Walters, 'Ambassador Bill: Big Bill in Britain' was the second in a 1993 double-bill of films titled 'Two Generations of the Blues' for BBC2's Arena strand.

The documentary covers Big Bill Broonzy's time spent in the UK in the 1950s, his impact on the British music scene (including jazz, folk and the emerging British electric blues movement), the friendships he made, the racism that he encountered and his death.

Interviewees include Humphrey Lyttelton, Chris Barber, Peggy Seeger, Bobby and Sappho Korner, and Bert Wilcox.

Guitars Documentary El Guitarrero - the making of a flamenco guitar

"Flamenco guitar requires rare talent. So does making films that tell a story... this excellent documentary marries the two" Vernon Grant - producer BBC, ITV, C4 Dispatches

Follow the making of a fine flamenco guitar by Anders Eliasson. From selecting the wood to the first stringing, this intimate portrait of a man and his craft, bears witness to the artisan's skill and patience. Filmed in Andalucía over a period of some weeks in 2007. Just the filmmaker, the luthier and his dog.

Alessandro Fedrigo's playlist on Blog Chitarra e Dintorni

E' uno dei pochi specialisti del basso acustico, ovvero chitarra basso acustica (acoustic bass guitar).
Lo strumento che Alessandro suona è un basso fretless, ovvero senza tasti e spesso viene accoppiato all'uso di effetti elettronici al fine di manipolare ulteriormente un suono già così peculiare.

L'attenzione per il suono è dunque una delle caratteristiche di questo musicista che si è formato attraverso un lungo apprendistato durante il quale ha praticato il jazz, l'improvvisazione libera, la musica sperimentale, l'elettronica mescolata alle performance multimediali.

http://www.alessandrofedrigo.com/biografia.html

Roberto Gemo and Saverio Tasca "Eretici" Jazz&Wine 2011 full concert

Roberto Gemo chitarre
Saverio Tasca vibrafono
"Eretici"
Jazz&Wine 2011 - Cormons Italy
Video By Paolo Burato & Fausto Pizzocchero

Recensione di Corde Alterne di Roberto Gemo e Alessandro Fedrigo, Nusica, 2014

Mi comunica un certo senso di intimità questo Corde Alterne, sarà il carattere gentile delle corde di nylon di Roberto Gemo o la timbrica calda e pastosa del fretless di Alessandro Fedrigo o anche solo il tempo autunnale, ma questo disco e queste musiche trasmettono un senso di gentile calda intimità.

E’ probabile che sia una sensazione solo mia perché ascoltando con meno emotività rimango comunque coinvolto da altri aspetti: questo è un lavoro stilisticamente molto vario e caratterizzato da equilibri ben dosati e centellinati che si muovono tra i contrasti tra le corde acustiche e quelle elettriche, una calda melodia sempre presente a cui vengono spesso contrapposti aspri suoni elettrici e un certo caos legato a forme di libera improvvisazione. Non si nota molto l’assenza delle percussioni: i suoni effettati e la ritmica della chitarra di Roberto Gemo e gli slap del basso di Alessandro Fedrigo coprono abbondantemente questa mancanza senza tuttavia vincolare i due musicisti a dei ruoli predefiniti, ruoli che credo risulterebbero stretti a delle persone così versatili.

Il risultato è un disco piacevolissimo, intenso e maturo dove ci si può sbizzarrire a cercare e a cogliere tutte le diverse influenze musicali (classica, folk-rock, finger style, jazz, avangarde) che lo attraversano.  

Intervista a Alessandro Fedrigo di Corde Alterne con Andrea Aguzzi

Alessandro Fedrigo Website: http://www.alessandrofedrigo.com/ 

Quando avete iniziato a suonare la chitarra e perché? Con che strumenti suonate e con quali avete suonato?

Alessandro Fedrigo: Avevo 16 anni, ero al Liceo, ricordo che una notte su Rai 3 vidi un concerto che nell'1985 Miles Davis fece a Umbria Jazz, rimasi folgorato e iniziai ad acquistare dischi di jazz mosso più che altro dalla curiosità di "decrifrare" una musica che mi sembrava incomprensibile. Poi di seguito mi comperai un basso usato (un vecchio Ibanez) ed iniziai a suonare e a porendere lezioni.

Che studi avete fatto e qual è il vostro background musicale? Quali sono state e sono le vostre principali influenze musicali? 

A. F.: Il mio strumento (basso elettrico) non si insegna al Conservatorio, dunque all'inizio presi lezioni private da bassisti vari, ed iniziai subito a frequentare delle scuole di musica dove si faceva musica d'insieme. Da li ho iniziato a suonare praticamente in qualsiasi band mi capitasse, rock, funk, fusion, jazz, musica brasiliana, improvvisazione radicale. Dunque la mia formazione è essenzialmente da autodidatta, o comunque abbastanza casuale, nel senso che solo dopo qualche tempo ho iniziato a frequentare i seminari di jazz e di improvvisazione, e da ogni esperienza ho imparato qualcosa devo dire. Solo più recentemente mi sono iscritto al Conservatorio per laurearmi in Jazz, ma tutto sommato come musicista ero gà formato. Le mie influenze? Direi che Pastorius e Steve Swallow sono i bassisti elettrici che ho ammirato di più, poi Dave Holland sicuramente. Tra i "giovani bassisti" apprezzo molto Stomu Takeishi e Tim Lefebvre. Ma davvero ci sono moltissimi msicisti fantastici in circolazione.

Quale significato ha l’improvvisazione nella vostra ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc? 

A. F.: Penso che l'improvvisazione sia un elemento molto importante della mia ricerca. Ragiono più o meno in questi termini: c'è un improvvisazione che svolge all'interno di composizioni, o che usa come materiale di partenza una composizione già scritta, e una tipo di improvvisazione che chiamerei "libera". Nel primo caso il mio approccio è quello di approfondire la composizione, i  materiali di cui essa è composta, la sua forma e cerco per quanto sia possibile di interiorizzarla per poterla poi "trattare" o interpretare col massimo della libertà possibile, cercando di collegare il mio "gesto" musicale al momento, ai musicisti che stanno suonando con me, tenendo a mente che l'obbiettivo è rispettare la musica, la composizione e le individualità che attraverso di essa si esprimono. Nel secondo caso, ovvero nel campo dell'"improvvisazione libera" l'obbiettivo è quello di produrre estemporaneamente una struttura narrativa efficace e percepibile, quale che sia il materiale utilizzato. In questo senso, e tornando alla tua domanda, l'improvvisazione si può mettere in campo con qualsiasi materiale musicale, ovviamente il risultato dipende dal musicista e dalla sua capacità di comprendere, analizzare ed interiorizzare il materiale dal quale prende spunto. 

Una domanda un po’ provocatoria sulla musica in generale, non solo quella contemporanea o d’avanguardia. Frank Zappa nella sua autobiografia scrisse: “Se John Cage per esempio dicesse “Ora metterò un microfono a contatto sulla gola, poi berrò succo di carota e questa sarà la mia composizione”, ecco che i suoi gargarismi verrebbero qualificati come una SUA COMPOSIZIONE, perché ha applicato una cornice, dichiarandola come tale. “Prendere o lasciare, ora Voglio che questa sia musica.” È davvero valida questa affermazione per definire un genere musicale, basta dire questa è musica classica, questa è contemporanea ed è fatta? Ha ancora senso parlare di “genere musicale”?

A. F.:  Cage a parte (compositore si cui sono un ammiratore e che ha aperto per me molte porte e mi ha dato grandissimi stimoli) credo che parlare di generi musicali non abbia più alcun senso, fose ci poteva aiutare a cercare rapidamente i cd in un negozio di dischi, ma ora mi sembra piuttosto inutile. Certo anche io alla domanda "che musica suoni?" Rispondo che suono Jazz, per comunicare spesso è necessario semplificare. Ma pensando ai miei ascolti, agli artisti che ammiro ci sia un filo che li lega, il filo della creatività, dell'onestà artistica e della volontà di ricercare, dunque non vedo "divisioni di genere" tra Stravinsky, Wayne Shorter, Derek Bailey e Aphex Twin. Sono tutti artisti che si esprimono attraverso i suoni, questo per me è sufficiente.

Berlioz disse che comporre per chitarra classica era difficile perché per farlo bisognava essere innanzitutto chitarristi, questa frase è stata spesso usata come una giustificazione per l’esiguità del repertorio di chitarra classica rispetto ad altri strumenti come il pianoforte e il violino. Allo stesso tempo è stata sempre più “messa in crisi” dal crescente interesse che la chitarra (vuoi classica, acustica, elettrica, midi) riscuote nella musica contemporanea, per non parlare del successo nella musica leggera, dove chitarra elettrica è ormai sinonimo di rock ... in quanto musicista polivalente e trasversale…  quanto ritiene che ci sia di veritiero ancora nella frase di Berlioz?

A. F.: Penso che se si scrive appositamente per uno strumento si debba conoscerlo. La chitarra è uno strumento per cui io fatico a scrivere, perché mi rendo conto che ha delle possibilità espressive e tecniche che non conosco, e che non riesco a "controllare" sullo spartito. Anche per questo motivo i pezzi scritti in modo "convenzionale" di questo duo sono composizioni di Roberto, che ben conosce la chitarra e che scrive in un modo polifonico che ritengo molto interessante e che deriva in gran parte dai suoi studi classici. Se scrivo qualcosa per chitarra, accade sempre che poi il chitarrista debba adattarlo al suo strumento, per renderlo più efficace ed espressivo. Di fatto credo che la chitarra sia uno strumento in grande crisi d'identità, sopratutto nel jazz. La chitarra ha avuto una formidabile evoluzione tecnica e sonica dagli anni sessanta, con grandi personalità innovative, anche sul piano strumentale, cito abbastanza a caso Hendrix, Fripp, Frisell, Holdsworth, Torn ora mi sembra che si sia tornati un po' tutti a soluzioni più tradizionali. E forse la stessa cosa sta accadendo per il basso, dove la tecnica, la velocità, il funambolismo hanno perso di vista la capacità di fare musica in modo interessante. Vedremo cosa accadrà.

Luciano Berio ha scritto “la conservazione del passato ha un senso anche negativo, quanto diventa un modo di dimenticare la musica. L’ascoltatore ne ricava un’illusione di continuità che gli permette di selezionare quanto pare confermare quella stessa continuità e di censurare tutto quanto pare disturbarla”, che ruolo può assumere la ricerca storica e musicologica in questo contesto?

A. F.:  Credo che la frase di Mahler, citata da Roberto sia la risposta più efficace ed illuminante a questo tipo di quesito. Tutti gli artisti che ammiro/ammiriamo non hanno avuto paura di sfidare le convenzioni e le tradizioni per spingersi più in là, per soddisfare le proprie esigenze creative. E questa per me è la qualità che ammiro di più in un artista, anche trascurando i risultati a cui egli arriva. Mi sembrano sempre più importanti i processi.

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale?

A. F.:  Mi piace l'idea di una "Musica Terrestre", dove culture diverse, tradizioni, tecniche differenti confluiscano e si fondano e si pieghino alle necessità espressive. Qualche anno fa ho fondato un quartetto con Achille Succi, Giancarlo Bianchetti e Carlo Canevali che ho chiamato appunto "Quartetto Terrestre" con la volontà di produrre una musica che soddisfacesse questa pulsione. 
Una sorta di "esperantismo musicale terrestre", che permetta di costruire una nuova musica, da esportare su altri pianeti.

Ci consigliate cinque dischi per voi indispensabili, da avere sempre con se.. i classici cinque dischi per l‘isola deserta..

A. F.: 
"Kind of Blue" di Miles Davis, un classico, inarrivabile.
"Night Passage" dei Weather Report, un buon esempio di Musica Terrestre a 360 gradi.
"Come to Daddy" di Aphex Twin, la musica elettronica, tante potenzialità per uno degli artisti più interessanti degli ultimi anni.
"La Sagra della Primavera" di Stravinsky, in una qualche incisione, ce ne sono tantissime di pregevoli. Non c'è nulla da dire per me su questa composizione, è meravigliosa.
"I, Claudia" Claudia Quintet, qualcosa di più recente e molto interessante. John Hollenbeck scrive della bellissima musica, e questo disco mi sembra uno dei più riusciti della loro produzione.

Quali sono invece i vostri cinque spartiti indispensabili?.

A. F.: 
Ecco a parte ovviamente "Come to Daddy", dei disci che ho citato si possono trovare le partiture, anche la trascrizione dei soli in qualche caso. 
Mi sembra molto bello poter ascoltare e vedere le partiture.
E' un modo per entrare nella musica da un altra porta, per questo motivo mi piace molto che sul sito di nusica.org le partiture dei pezzi siano visibili e scaricabili.

Il Blog viene letto anche da giovani neodiplomati e diplomandi, che consigli vi sentite di dare a chi, dopo anni di studio, ha deciso di iniziare la carriera di musicista?

A. F.: Suonare qualsiasi musica, senza preconcetti e preclusioni, cercando di incontrare persone interessanti e creative. Sperimentare sempre e con rigore.
Ricordarsi che nell'arte non esiste "giusto" e "sbagliato" ma cercare di trovare la propria voce mettendosi sempre in discussione.
Ricordarsi che quando suoniamo stiamo suonando per il pubblico che abbiamo davanti, e che qualsiasi cosa vogliamo comunicare abbiamo il dovere di provare a farlo in modo comprensibile.

Intervista a Roberto Gemo di Corde Alterne di Andrea Aguzzi

Roberto Gemo Website: http://robertogemo.wordpress.com/

Quando avete iniziato a suonare la chitarra e perché? Con che strumenti suonate e con quali avete suonato? 

Roberto Gemo: Ho cominciato con la chitarra a sei anni e verso i nove ho suonato per un anno le tastiere. Ho avuto da sempre un'attrazione verso tutti i tipi di chitarre...ho suonato la classica con corde di nylon, l'acustica folk, la 12 corde, la solid-body elettrica, la arch-top jazz e uno strumento fretless. Ho utilizzato la Roland-guitar-synth e la chitarra midi (sulle orme di Fripp), abbandonate a malincuore a causa dei continui accostamenti che mi venivano fatti con un chitarrista che al tempo non conoscevo (Pat Metheny). Attualmente suono tutti gli altri strumenti ad eccezione della fretless e della 12 corde che ho sostituito con una chitarra classica soprano e una acustica baritono.

Che studi avete fatto e qual è il vostro background musicale? Quali sono state e sono le vostre principali influenze musicali? 

R.G.: L'inizio è stato da autodidatta, poi mi sono diplomato al conservatorio Pollini di Padova in chitarra classica e successivamente ho conseguito la laurea di 2°livello in jazz presso il conservatorio Pedrollo di Vicenza. Ho cominciato con il folk e il rock per arrivare al prog – quest'ultimo primo grandissimo amore musicale – e dunque da CSN&Y a James Taylor, dai Deep Purple ai Jethro Tull,Yes, King Crimson e in cima alla montagna i Genesis (tralasciando un centinaio di altri). Come chitarristi Blackmore, Fripp, Holdsworth. Poi è arrivata la musica classica, specialmente quella del 1900, ed è stata una marea, una continua fonte di ispirazione: Villa Lobos, Leo Brouwer, Dodgson,Elgar, Holst, Berg, Webern solo per citarne alcuni. A questo si è aggiunto il jazz, inteso come improvvisazione, ma non una vera passione della tradizione afro-americana, bensì il suo sviluppo moderno ed europeo: Metheny, Scofield, Frisell e Ralph Towner.

Quale significato ha l’improvvisazione nella vostra ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc? 

R.G.: Il significato più grande di improvvisazione sta nella sua definizione: dire, scrivere, comporre (versi, un discorso, ecc.) all’improvviso, seguendo l’ispirazione del momento, senza cioè preparazione o meditazione. L'improvvisazione esiste da sempre e non è stata inventata dai jazzisti. Già nel periodo barocco si parla chiaramente di questo, ma anche nella musica indiana, nel flamenco e in tantissime altre culture musicali. Improvvisare è prima di tutto una spinta interiore. Personalmente non credo che si possa parlare di vera improvvisazione quando si studiano patterns per giornate intere e poi si sviluppano in concerto, ho sempre avuto un rifiuto per questo tipo di lavoro. Penso invece che improvvisare possa essere un rompere gli schemi (di qualsiasi tipo) e proprio per questo studio e ignoranza devono lavorare in grande sinergia. Nelle partiture dei compositori di musica classica contemporanea esistono grandi spazi improvvisativi, in continua espansione...ma ci vorrà molto tempo e una grande conoscenza dei vari linguaggi.

Una domanda un po’ provocatoria sulla musica in generale, non solo quella contemporanea o d’avanguardia. Frank Zappa nella sua autobiografia scrisse: “Se John Cage per esempio dicesse “Ora metterò un microfono a contatto sulla gola, poi berrò succo di carota e questa sarà la mia composizione”, ecco che i suoi gargarismi verrebbero qualificati come una SUA COMPOSIZIONE, perché ha applicato una cornice, dichiarandola come tale. “Prendere o lasciare, ora Voglio che questa sia musica.” È davvero valida questa affermazione per definire un genere musicale, basta dire questa è musica classica, questa è contemporanea ed è fatta? Ha ancora senso parlare di “genere musicale”? 

R.G.: Credo ancora nel genere musicale soprattutto per rispetto delle persone che sacrificano una vita allo studio o a suonare un tipo specifico di musica. Non mi piace che nei discorsi tutto diventi banale come al bar: non si diventa un concertista classico in due settimane ma neanche un buon rocker, folk, jazz e qualsiasi altro genere. Detto questo i confini della musica si stanno dilatando o scomparendo e a me questo piace molto.

Per quanto riguarda Cage, ho imparato dallo studio del '900 e della musica contemporanea che ci sono molti compositori eccezionali, molti provocatori, molta mediocrità...la creatività è una cosa difficilissima da valutare. Una cosa è certa da sempre: se sei famoso può venirti riconosciuto quello che non c'è ...anche Bach, Mozart, Davis, Parker e i Beatles hanno fatto cose più o meno buone.

Berlioz disse che comporre per chitarra classica era difficile perché per farlo bisognava essere innanzitutto chitarristi, questa frase è stata spesso usata come una giustificazione per l’esiguità del repertorio di chitarra classica rispetto ad altri strumenti come il pianoforte e il violino. Allo stesso tempo è stata sempre più “messa in crisi” dal crescente interesse che la chitarra (vuoi classica, acustica, elettrica, midi) riscuote nella musica contemporanea, per non parlare del successo nella musica leggera, dove chitarra elettrica è ormai sinonimo di rock ... in quanto musicista polivalente e trasversale… quanto ritiene che ci sia di veritiero ancora nella frase di Berlioz? 

R.G.: Sono stato sempre un sostenitore dei chitarristi-compositori in quanto conoscendo profondamente lo strumento, riescono a farlo suonare bene. Inoltre il compositore che scrive per chitarra nel tempo perso o perché assillato dagli esecutori non esprime talvolta il suo massimo livello. Siamo troppo condizionati dai “grandi” e questo sin dai tempi di Bach, che ha scritto cinque suite per liuto, strasuonate in tutto il mondo, mentre S.L.Weiss è stato spesso dimenticato e non saprei dei due chi scrive meglio per questo strumento. Inoltre vorrei dire che il repertorio di chitarra classica è aumentato in maniera imponente nel novecento, specialmente nella seconda metà del secolo, per merito di compositori come Villa Lobos, Brouwer e moltissimi altri. Se di crisi dobbiamo parlare io credo sia dovuta ad un ormai lungo periodo di decadenza culturale, nel quale tutti hanno le loro colpe...musicisti, addetti ai lavori, scuola e ignoranza di massa dilagante. Basti pensare che per uno come me che vive nella provincia, poter ascoltare in concerto qualcosa di diverso da Vivaldi, Bach e Mozart è un'utopia!....(e invece ai concerti di chitarra classica si ascoltano Egberto Gismonti, Ralph Towner...e tantissimi “viventi”).

Luciano Berio ha scritto “la conservazione del passato ha un senso anche negativo, quanto diventa un modo di dimenticare la musica. L’ascoltatore ne ricava un’illusione di continuità che gli permette di selezionare quanto pare confermare quella stessa continuità e di censurare tutto quanto pare disturbarla”, che ruolo può assumere la ricerca storica e musicologica in questo contesto? 

R.G.: Nella mia fedele agenda cartacea ho scritto sulla prima pagina questa frase di Gustav Mahler: “La tradizione è custodire il fuoco, non adorare le ceneri”. In queste parole trovo la risposta, ossia portare dentro di noi la forza delle grandi idee cercando di vivere ora. La ricerca deve essere conoscenza storica e stimolo per il presente. Amo molto andare nei musei, ma amo ancora di più conoscere artisti e persone che stanno facendo qualcosa (di piccolo o grande) in vita. Un mio amico una volta disse che adorava Chet Baker... allora io risposi – vai spesso a vedere concerti con trombettisti, ce ne sono di immensamente bravi – e lui mi rispose di no.

Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale? 

R.G.: Partendo da quest'ultima parola, io distinguo molto i termini “globalizzazione” e “contaminazione”: il primo lo identifico in una sorta di massificazione che ha colpito tutti i generi musicali ed è per me la morte della personalità, mentre il secondo è la vita in costante mutazione, una integrazione infinita. Il decorso cronologico della musica invece, mi ha sempre un po' confuso...penso ad autori come Wagner che hanno anticipato un mondo di cose e ad autori contemporanei che vivono in un passato nostalgico...non riesco a giudicare questo fenomeno.

Ci consigliate cinque dischi per voi indispensabili, da avere sempre con se.. i classici cinque dischi per l‘isola deserta:

R.G.: (premetto che questa è la domanda assolutamente più complicata, direi almeno 50)

The lamb lies down on Brouadway – Genesis Enigma Variations – Edwar Elgar Still life talking – Pat Metheny Ana – Ralph Towner Greatest hits – James Taylor

Quali sono invece i vostri cinque spartiti indispensabili? 

R.G.: Preludi e Studi – Villa Lobos 

 El noi de la mare Berceuse 

(Cancion de Cuna) – Leo Brouwer 

 Oblivion – Astor Piazzolla 

 Joyful Departure – Ralph Towner

Il Blog viene letto anche da giovani neodiplomati e diplomandi, che consigli vi sentite di dare a chi, dopo anni di studio, ha deciso di iniziare la carriera di musicista? 

R.G.: Può essere la passione, il gioco e il lavoro più bello al mondo se non si dimentica il perché si è cominciato: il sogno è nel percorso del musicista, ad ogni traguardo se ne ricostruisce un altro.

Con chi vi piacerebbe suonare e chi vi piacerebbe suonare? Che musiche ascoltate di solito? 

R.G.: Ho una eredità da band-prog...mi piace suonare (e mi è sempre piaciuto) con chi condivide un certo mondo musicale molto aperto e fortunatamente ho trovato per strada bravissimi musicisti e ottimi amici...suonerei volentieri con un quartetto d'archi. Ora non ascolto molta musica, direi soprattutto classica...ma un poco di tutto.

Quali sono i vostri prossimi progetti? 

R.G.: Spero possa essere pubblicato a breve un cd di Ar-men trio che abbiamo già registrato tempo fa con Alessandro Fedrigo e Gianni Bertoncini; ho pronto anche il terzo lavoro di chitarra sola che vorrei registrare nei prossimi mesi e infine sto scrivendo per quartetto d'archi...a volte i sogni!

Guitars Speak: la chitarra (live) di Giuseppe Chiaramonte

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Questa sera alle 21 in onda su Guitars Speak. La prima puntata del 2015 di Guitars Speak parla della chitarra classica di Giuseppe Chiaramonte. Innovatore della tecnica chitarristica, le sue performance sono sostenute da una qualità timbrica apprezzata da alcuni tra i maggiori esponenti mondiali della chitarra classica. Lo ascolteremo in alcuni suoi concerti e alcuni suoi brani recentemente registrati.

This evening at 9PM on air with Guitars Speak. The first 2015's episode of Guitars Speak radio program talks about by Giuseppe Chiaramonte's Classical Guitar . Guitar technique's innovator, his performances are supported by a tonal quality appreciated by some of the world's greatest exponents of the classical guitar. We will listen to him playing in some of his concerts, and some recently recorded new passages.

1. Un corposo estratto dal concerto del 26 ottobre 2014 a Casa Verdi -Milano.
Elenco Brani (eseguiti su chitarra Guadagnini 1827): 

Gaspar Sanz: Fuga al ayre espanol
Domenico Scarlatti: Sonata k208
Johann Kaspar Mertz: Elegia
Johann Kaspar Mertz: Le Gondolier op.65
Mauro Giuliani: Variazioni sul tema della Follia di Spagna op. 45

2. - 3.  Due brani del compositore calabrese Francesco Domenico Stumpo, Calabrian Waltz e Ninninciola, incisi, insieme ad altri 6 brani dello stesso autore, da Giuseppe Chiaramonte per l'etichetta milanese Sinfonica.

4. Rain story è un brano breve ma carico di significato della compositrice russa Anna Inozemceva, vincitrice di numerosi concorsi internazionali, docente all'università statale della cultura e delle arti di Mosca e membro del Russian Guitar Quartet. 

5. Un dia de Novembre di Leo Brouwer, registrato a Tricase (prov. di Lecce) con una chitarra del Liutaio Giovanni Arbace.

6.  Recuerdos de la Alhambra di Tarrega, recentemente registrato dal vivo presso il laboratorio del liutaio Mario Grimaldi, con una chitarra Grimaldi

http://radiovocedellasperanza.it/

El Cimarrón di H.W.Henze, 10 gennaio, Teatro Cantiere Florida, Firenze

Intervista a Mauro Campobasso su Jazz Convention a cura di Fabio Ciminiera

Intervista a Mauro Campobasso su Jazz Convention a cura di Fabio Ciminiera

http://www.jazzconvention.net/index.php?option=com_content&view=article&id=2312%3Aintervista-a-mauro-campobasso&catid=7%3Arealinterviews&Itemid=15

Intervista ad Andrea Toffolini a cura di Costanza Pasquotti

Intervista ad Andrea Toffolini

(l'intervista è a cura di Costanza Pasquotti. La trascrizione è stata effettuata da Gabriele Soppelsa)

Costanza Pasquotti: Per il canale youtube del Son Ensemble abbiamo con noi il maestro Andrea Toffolini, musicista poliedrico che nasce come pianista e violinista classico per approdare poi in composizione con il supporto delle nuove tecnologie e passando attraverso alla musica elettronica ed alla direzione d’orchestra. Maestro ci può raccontare in maniera più approfondita lo sviluppo di questo suo percorso artistico e personale, ovviamente?

Andrea Toffolini: Buongiorno. Allora, inizio a studiare musica circa all’età di sette anni: questo grazie, diciamo, ad una familiarità, nel senso che mio nonno era diplomato in pianoforte e in organo. Fin da piccolo quindi, praticamente, mi ha fatto sedere su quel seggiolino che sta davanti alla tastiera… all’età di undici anni inizio a studiare violino perché entro in Conservatorio, corso di studi che ho proseguito fino a circa diciassette anni.

Subito dopo il diploma magistrale mi iscrivo al conservatorio di Castelfranco Veneto, dove inizio a studiare composizione nella classe del Maestro Pasquotti: lì proseguo gli studi, poi ovviamente il maestro si trasferisce a Venezia e quindi lo seguo molto volentieri. A Venezia ottengo il diploma in composizione e contemporaneamente inizio gli studi di musica elettronica col Maestro Vidolin. Ottengo anche il diploma di musica elettronica e quindi, per proseguire nei nuovi ordinamenti dei corsi musicali, faccio anche la laurea di secondo livello, sotto la guida dei maestri Pasquotti e Vidolin […]. Essendo poi entrato anche nell’ambito dell’educazione musicale, all’interno delle scuole statali, faccio anche la laurea all’abilitazione all’insegnamento

Questo è stato il mio percorso, un percorso variegato che però sicuramente ha portato ad una conoscenza abbastanza ampia, perché col violino è vero ho abbandonato un pochino […], però ho fatto delle esperienze anche a livello orchestrale (ad esempio nell’orchestra Alpe Adria): sono tutte esperienze che anche ai fini compositivi aiutano molto nello scrivere.

C: se potessimo fare, alla luce di questo escursus, una somma all’interno di situazione e personaggi più importanti per lei, quali sono e perchè?

A: Sicuramente sia il maestro Pasquotti che il maestro Vidolin sono stati veramente delle persone molto importanti. Del maestro Pasquotti, sicuramente, a livello compositivo, la cosa che ho apprezzato di più è stata il fatto che lui non intervenisse mai sul modo di scrivere o comunque proprio sulla scrittura: nel senso, lui non ha mai scritto una nota sulla mia partitura, diciamo che il suo obiettivo era quello di far ragionare le persone su quello che stavano facendo, e questo, secondo me, è stato veramente importante.

Sul maestro Vidolin, penso che tutti conoscano [quanto sia una] persona di altissima cultura e di massima conoscenza a livello elettronico. È un'altra persona che da questo punto di vista mi ha aiutato molto, anche in questo caso, devo dire, facendomi ragionare su quello che stavo facendo e cercando di approfondire fin nei dettagli più piccoli le operazioni o, diciamo, le composizioni o i vari sistemi che si utilizzavano per la musica elettronica.

C: …prima invece accennava anche al fatto della sua esperienza nella didattica: approfondiamo quindi la sua esperienza in questo campo. È ormai da molti anni che lei insegna al liceo musicale “Percoto” di Udine, e ha modo di far lavorare i suoi studenti su un’arte, quella musicale, che di solito viene messa abbastanza da parte nell’educazione formativa della scuola italiana. Qual è a suo avviso l’approccio vincente da proporre ai ragazzi per stimolare in loro la curiosità verso questa disciplina?

A: Da cinque anni a questa parte, con la riforma dei vari licei, all’interno dell’ordinamento scolastico è nato il liceo musicale, che dopo un’esperienza a livello sperimentale all’interno dei conservatori, diventa ordinamentale a tutti gli effetti, al di là della sperimentazione. Questo liceo ha la fortuna di avere, all’interno delle trentadue ore che i ragazzi fanno settimanalmente, dodici ore adibite agli insegnamenti musicali, hanno primo e secondo strumento, teoria e analisi della composizione…

Continua al seguente link: https://www.youtube.com/watch?v=p8mTXmo0fNs