Interview for Hans-Jürgen Gerung by Andrea Aguzzi

Interview for Hans-Jürgen Gerung

The first question is always the classic one: how does it start your love and interest for guitar and what instruments do you play or have you played?

My first encounter with the guitar came early, when I was just 6 or 7. My father loved it very much and I remember every time we had guests he would start playing and singing. Therefore I had a strong experience in what it means to make music. And so, my father became my first guitar teacher.

What was your musical training, with which teachers have you studied and what impression they left in your music?

My musical education began on the trumpet (the instrument I love most after the guitar – and later on I studied this marvelous instrument together with the guitar. Breath control is such an important technique in the world of brass instruments and it makes you feel with the whole body how a musical phrase works. So this helped me a lot in creating my personal art of playing the guitar for my practice was never only technically oriented. I always kept the line in my mind. My trumpet Teacher was Prof. Wolfgang Siegert – Solo trumpet player at the Theater

Fortunately my professor at the Leopold Mozart Conservatory of Augsburg, Franz Mayr-Musiol had the same approach for playing the guitar – because his main profession was playing the double bass in several orchestras (amongst others at the Münchener Rundfunkorchester)! So also for him playing the guitar means to place the instrument into the service of the big picture that we call making music.

I know that you have studied with Sylvano Bussotti … how it was to study with him?

The impact of Bussotti was enormous - especially his appreciation of arts. He’s not only one of the greatest composers of the 20^th century; he’s also an extraordinary teacher. He has the rare gift to explain complex correlations in a pretty simple way (without banalizing them). Sometimes he could cut through the Gordian knot with a single word. Extraordinary! But being the student of such a charismatic personality implies the threat becoming the master’s epigone. I’d like to say that the greatest effort during my time with M° Bussotti (and the biggest profit for myself) was manifesting myself as an independent artist. And he helped a lot to peak out:

Once, during an interrogation, I explained my score studies (at that time I worked intensively on the Six Bagatelles for string quartet by Anton Webern) – Bussotti raised concerns not to exaggerate these studies: ‘It’s undoubtedly necessary to know what was and were we come from but remember, ever hour of your life that you are working with the arts from others you do not push on your own! – for this you have to weigh your worthy time; your main challenge is to create arts not to study others!’

You have played Ermafrodito, one of his most famous guitar’s score in world premiere in 2000, can you explain us this passage? I have seen the score and .. it’s like a picture .. a piece of art…

Yes, in 1999 I decided to commission a new guitar solo piece by M° Bussotti and he agreed immediately, and he wrote Ermafrodito, fantasia mitologica per chitarra and beyond that he applied a notation on the score ‘commissioned by Hans-Jürgen Gerung for his interpretation only’. Giving me the exclusive rights to be for about 10 years the only one playing that score was a great honor for me.

I think if you want to play Ermafrodito (or lots of other scores) you should know some important things beforehand.

1^st Bussotti’s art often is embedded in Greek mythology. Not only as music’s concerned also his poetry (for example the poem ‘efebo, Febo lingua e abbronzatura’), his numerous paintings that he did during his activities as art director, costume designer, regisseur etc. are filled with analogies. For this you have to be sure about aesthetics of the Greeks.

2^nd Bussotti’s music is (like Mozart’s) written for stage! – it’s always dramatic in a scenic sense; even if the score is solo instrumental. For this you have to create a fictitious stage setting in your mind’s eye at every phrase you play; you have to animate all the protagonists that you find in the piece.

3^rd Bussotti’s music has always to do with himself, regardless of persons, things, scenes (even long ago) – for this you have to know a lot about his biography, or better you should talk to him as often as possible about the score you’d like to realize.

Ermafrodito arrived three weeks before an upcoming working session at Florence (GAMO = gruppo aperto di musica oggi) in late summer of 1999. Though we met there for composing together I was pretty sure that Bussotti would expect me to play the entire piece … and so it was! Fortunately I worked like a madman to get familiar with the score. At Florence I was confronted with the fact that Bussotti had already arranged a conference at the concert hall at the Conservatory Luigi Cherubini for an off-the-record presentation from Ermafrodito.

The world première indeed was in May 2002 at the Teatro Carignano at Turin (together with the choreographer Luca Veggetti and the dance company from Loredana Furno.)

You said ‘it’s like a picture …’ No, I wouldn’t say so. Because the graphical notation, the pictography (often used in Bussotti’s scores) is not applied in the entire piece. Bussotti uses rather let’s say, dendritical notation. This kind of notation is place-saving and also very efficient. The musical impact indeed is a greater freedom of rhythmical expression as you have to play the notated notes in the determinate space of time but how you organize the length of each note is fairly free. Compared with Bussotti’s guitar piece Ultima rara written in ‘millenocecensessantanove’ for Siegfried Behrend, Ermafrodito is more virtuosic and filled with poetical phrases – but I’d say it’s less vanguard. Ultima rara uses a really dense score (one step ahead and Bussotti would have used the pictography by force to realize his musical thoughts. Look at his Quintett Rara eco sireologico; there you’ll find lots of phrases used in Ultima rara … and there you find also a large pictographical aria. Ermafrodito however picks some of the thoughts of these two early scores (especially in the 5^th movement <<Farinello>>) but the greatest deal of the score is complete new material that you won’t find neither in Ultima rara, nor in Rara eco sireologico, neither in the guitar score form Nuovo Scenario a Lorenzaccio, nor in that form Circo minore.

I’d like to say, Ermafrodito is somewhat a pocket opera for one guitar player and the theme is M° Bussotti on a walk through his life and through his garden in Genazzano, nearby Rome:

Seven movements:

1^st movement: E I fiori

We enter the RARA-gate to his Villa and the scene of an overwhelming floridity interfused by glistening sunlight takes place.

2^nd movement: chitarronata

• a gay-scene with some dancing and drinking (may be similar to efebo, Febo lingua e abbronzatura cf. ‘Non fare il minimo rumore – Edizione del Girasole pag. 53)
• suddenly the thoughts went forty years back …

3^rd movement: dôme épais

• the scene changes – we see the young author in the audience of an opera; given is

Léo Delibes, Lakmé: the flower Duet <>

4^th movement: Upupa

• Suddenly the cry of the hoopoe is hearable and brings us back in the garden.

(the Wiedehopf - as we call him in Germany - was a permanent guest in Bussotti’s garden as he told me often). With courageous steps we walk the line … but lost in thoughts.

5^th movement: Farinello

• Again an opera scene – Carlo Broschi detto Il Farinello is jumping in the picture, singing nerve-racking arias.

6^th movement: foto di me, fanciullo

• Again drifting in the past – a picture appears with an young artist; the whole sene in a camera oscura.

7^th movement: statua

• immortal things appear – not just marble statues but also great Italian poetry. Guarini recites his famous poetry <>>. And meanwhile the words reach Bussotti’s ear he remembers an old melody from the Sicilian Renaissance Composer Gio. Pietro Flaccomini (cf. Musiche Rinascimentale Siciliane (MRS) Bd. VI, Nr. XXIII.) – and, still walking in the garden, he takes the melody, changes it, and –forceful -together with the melody he manipulates the Guarini Text and the recreation is the genial finale:

< (because he finished the score on July 23) lumimiei cari q’unsíveloceguardo

mirafugge Ch’oggetto mai           con

                                      non verrete più                        cotanto vostro sia

                                                            giustodesío         quanto sonio>>

Finally I’d like to highlight that Bussotti wrote Ermafrodito for my 10-string guitar (and its particular tuning) and only this instrument allows the necessary full sound and the sustain of the bass – basically in the 3^rd movement.

Berio in his essay "A remembrance to the future," wrote: ".. A pianist who is a specialist about classical and romantic repertoire, and plays Beethoven and Chopin without knowing the music of the twentieth century, is also off as a pianist who is specialist about contemporary music and plays with hands and mind that have never been crossed in depth by Beethoven and Chopin. " You play both traditional classical and contemporary repertoire ... do you recognize yourself in these words?

Playing contemporary music for me is normal, who else but we living artists should play it? Sure, sometimes the approach in solving problems during the realization of a contemporary score might be helpful for finding solutions in old scores but that is not the reason I’m playing the music of our times.

I always found it helpful to converge to a score (irrespective whether it’s old or new) with all my knowledge, respect and heart – and then, after I’ve done all my duties, I’ll give my judgment. And sometimes the upshot was the decision not to perform the piece … after all the work I did!

I think the question is not the legitimacy of the contemporary music

What does improvisation mean for your music research? Do you think it’s possible to talk about improvisation for classical music or we have to turn to other repertories like jazz, contemporary music, etc.?

Improvisation is (and was) an important field of the music and every now and then I like doing it. The great denotation during the baroque-period and earlier was remarkable (remember the improvisation-meetings between Johann Sebastian Bach and Silvius Leopold Weiss) but unfortunately it lost more and more significance. In the world of Rock- and Pop- and Jazz music it’s still alive but the results seem somewhat like interchangeable goods. Few instruments play on determinate scales- and chord-patterns and so are the results. If we understand improvisation as creare musica al improvviso we should liberate our music from all determinate systems. This could create something really new and this would ennoble these new and sudden creations as compositions born from a mastermind – not born out of the fingers. But that is a great array – also our dodecaphonic system is a determinate one … isn’t it?

What’s the role of the “Error” in your musical vision? For “error” I mean an incorrect procedure, an irregularity in the normal operation of a mechanism, a discontinuity on an otherwise uniform surface that can lead to new developments and unexpected surprises

The horrifying error - I consider him being the Angelus. He gave my scores always the turn to a better level – even to its best.

If you had to choose, who is your favorite composer to play?

John Sebastian Bach

I have, sometimes, the feeling that in our times music’s history flows without a particular interest in its chronological course, in our discotheque before and after, past and future become interchangeable elements, shall this be a risk of a uniform vision for an interpreter and a composer?

The risk of a musical "globalization"?

Yes it is, and what I mentioned above when you asked me what improvisation means for me applies here as well. The beats, the whole rhythm, the instrumental canon, the scales the lyrics – all seems more and more synchronized all over the world. Making music, or better making new music (and that should be our goal) means really very very strong efforts. Making music is always an extensive search – a search also to an own an individual language. By the way, it does not mean the search for commercial success.

Let’s talk about marketing. How much do you think it’s important for a modern musician? I mean: how much is crucial to be good promoters of themselves and their works in music today?

The knowledge in marketing is not only important for the modern musician – it was important all the time. After the birth of your artwork you have to look after it – help him to survive. There will never be one (no agent, no manager, no producer) that defends your art with such an enormous effort more so than you. So your job is twice: creating arts and defending arts. Too much for one live and for this we need helpful organizations that we can trust in. That’s difficult because we all are a bit egomaniacal and egomaniacs scarcely affiliate.

Which composer (or which historical movement) do you think is easiest for the non-musician listener to appreciate? Do you think they enjoy pieces that are more technically difficult or just more "flashy"?

I’d say the romantic period could be a somewhat easy door to open. This period offers an enormous amount of different music that still has strong connections to our times (autonomous form i-phone 6 and brave new world); it’s talking about love and tragedy, about outage and success; it’s virtuous and flashy as well.

Please tell us five essential records, to have always with you .. the classic five discs for the desert island ...

Carlo Gesualdo da Venosa: Responsoria, => collegium vocale, Gent, 2013

Johann Sebastian Bach: Johannes Passion => Philippe Herreweghe, 1987

Munir Bashir: IRAK – l’art du ûd => Munir Bashir, 1971

Frank Zappa: The yellow shark, => Ensemble modern, 1992/93

Hans-Jürgen Gerung: aus meinem Leben => Sampler, 2014

What are your five favorite scores?

John Cage: => Sonatas and Interludes for prepared piano (1946-48), Ed. Peters

Sylvano Bussotti: => ΦΑΙΔΡΑ / HELIOGABALUS (1975-81), Ricordi

Johann Sebastian Bach: => Aufs Lautenwerck, edition-gerung

György Ligeti: => Requiem (1963-65), Ed. Peters

Hans-Jürgen Gerung: => RITUS-Missa da Requiem (2002-03), edition-gerung

With who would you like to play? What kind of music do you listen to usually?

I’d like to jam with Naseer Shamma, Nigel North and STING.

Usually I listen to chamber music – basically string Quartets but also choir music, Dowland songs

(I can’t get enough of it) and of course my own music.

Your next projects?

upcoming concerts:

• 20. September 2014, Basilika St. Lorenz, Kempten:

ensemble cantissimo:

German première of my motets: ecce tu pulchra es / ecce tu pulcher es

for mixes choir and soloists.

(Commissioned by M° Stefano Sabene, Schola Romana Ensemble in 2006 / world première in 2007, Rome)

• 18. December 2014, concert hall Immenstadt:

College-Orchestra Immenstadt:

World première of my piece I have news for you for Orchestra, Choir, various Solo-singers and Instrumental-soloists.

upcoming compositions:

• piano cycles in 5 movements for the Japanese Pianist Mai Fukasawa, http://www.maifukasawa.com/english.html

When we will see you playing in Italy?

I’d really like to do a concert in Naples. I prepared a very interesting program that has a closer relation to this town because there are several pieces from the Neapolitan composers Luigi Esposito and Carlo Gesualdo da Venosa.

►Luigi Esposito, (*1962) nell'aria un madrigale (written for H.J. Gerung)

▪ for guitar

►Hans-Jürgen Gerung (*1960) La Commedia dell'arte

▪ for 10string guitar

►Carlo Gesualdo da Venosa (*1566-1613) Gagliarda del Principe

▪ arranged for Renaissance lute by H.-J. Gerung

►Luigi Esposito: wanted (written for H.J. Gerung)

▪ for guitar and electric guitar

►Sylvano Bussotti, (*1931)  Ermafrodito (written for H.J. Gerung)

▪ for 10string guitar

►Carlo Gesualdo da Venosa (*1566-1613) Canzon del Principe

▪ arranged for Renaissance lute by H.-J. Gerung

►Luigi Esposito: Roseo velato (written for H.J. Gerung)

▪ for guitar

But ‘till now I did not find a festival organizer who was interested; maybe the year 2016 the 450 anniversary of Carlo Gesualdo offers a possibility – vediamo.

Guitars Speak: la chitarra di Pierluigi Potalivo

Questo mercoledì alle 21 sulle frequenze di Radio Voce della Speranza, andrà in onda la chitarra di Pierluigi Potalivo. Brillante interprete e compositore Pierluigi Potalivo ci illustra in questa puntata a lui dedicata il suoi due lavori discografici Spirito di una Sonata del 2010 e Opera (a) due uscita quest'anno da pochi mesi e dedicata a un nuovo repertorio per chitarra classica e mandolino, un passo avanti nella tradizione napoletana e classica.

 

This Wednesday at 9PM on Radio Voce della Speranza we will listen to Pierluigi Potalivo's classical guitar. Pierluigi Potalivo is an italian brilliant performer and composer, in this Guitars Speak's episode dedicated to him we talk about and listen to his two records Spirito di una Sonata (2010) and Opera (a) due released this year a few months ago  and dedicated to a new repertoire for classical guitar and mandolin, a step forward in the Neapolitan and classical tradition.

Giuseppe Chiaramonte: Corso Annuale di Perfezionamento per Chitarra Classica a Milano

Corso annuale di perfezionamento per Chitarra Classica a Milano

terza edizione

Docente: GIUSEPPE CHIARAMONTE

Ottobre 2014 - Giugno 2015

per info e iscrizioni: 

http://www.infinitamusica.com/masterclass.html

Edoardo Catemario: Corso Triennale di Perfezionamento presso "Accademia Mezzogiorno Musicale"

E. Catemario: Corso Triennale di Perfezionamento presso "Accademia Mezzogiorno Musicale"

I Corsi di Alto Perfezionamento Triennali di chitarra tenuti dal M° Edoardo Catemario, possono essere ad indirizzo Solistico, oppure Cameristico.

Il corso prevede 10 lezioni da svolgersi durante l’Anno Accademico.

Ogni lezione avrà la durata di un’ora.

Al termine dell’intero corso l’allievo verrà sottoposto all'esame finale e l’Accademia rilascerà l’attestato di Diploma.

L’Accademia organizza agli studenti meritevoli segnalati dal docente, Recital all'interno della stagione concertistica “Mezzogiorno in Musica”, al terzo anno di corso Concerto con l’Orchestra da Camera di Taranto, e propone incisioni discografiche per l’etichetta IMD.

Costi

- Tassa d’iscrizione annuale di € 150,00 (versata contestualmente alla prima lezione)

- € 115,00 a lezione

Guitars Speak: la chitarra Jazz di Joe Pass

Download PODCAST

Joseph Anthony Passalacqua, meglio conosciuto come Joe Pass, viene ricordato oggi come uno dei più grandi chitarristi jazz di tutti i tempi, non solo per la sua tecnica strabiliante e la grande conoscenza dello strumento, ma anche per le sue indiscutibili capacità improvvisative e compositive. Il suo stile e la sua genialità hanno aperto nuove possibilità per la chitarra jazz e hanno avuto una profonda influenza sui chitarristi successivi.

Joe Pass was an American virtuoso jazz guitarist, generally considered to be one of the greatest jazz guitarists of the 20th century. His extensive use of walking basslines, melodic counterpoint during improvisation, use of a chord-melody style of playing and outstanding knowledge of chord inversions and progressions opened up new possibilities for the jazz guitar and had a profound influence on later guitarists.

Playlist:
- Night And Day
- All the Things you are
- Giant Steps
- Sultry
- Autumn Leaves
- My Bonnie
- These Foolish Things
- Mack The Knife
- Stompin At The Savoy

Playlist Simone Massaron's guitar

Simone Massaron nasce a Milano nel 1971. Quando aveva quattro anni ha iniziato a studiare pianoforte con il padre Sergio, che è stato direttore d’orchestra. Nei suoi primi quindici anni suona diversi strumenti (pianoforte, chitarra, batteria) suonando in diverse band locali creando così lo sfondo per un poli-talento strumentale che gli permetteranno, in seguito, di meglio diffondere le sue idee musicali . A sedici anni si concentra sulla chitarra e se ne va all’estero a fare concerti in tutta Europa con una rock band locale. Gli anni successivi sono poi dedicati al jazz solo, frequentando masterclass con Pat Metheny, Bill Frisell, Mick Goodrick, Marc Ducret e John Scofield. Il suo primo cd “Breaking News” esce per l’etichetta milanese Longsong Records, registrazione effettuata insieme con il suo eroe Elliott Sharp, e gli darà anche la possibilità di mescolare le sue chitarre con Nels Cline, Marc Ribot e di eseguire diverse altre registrazioni.
Il suo stile sullo strumento mostra tutto il suo eclettismo e il suo piacere di muoversi attraverso i generi, come l’improvvisazione radicale, la musica avant-garde, il looping e live electronics, ma anche il blues, le sountracks in diretta su film muti, 60′s Lounge.
 Tutto questo è possibile grazie alla grande tecnica strumentale che gli consente di vagare in zone sconosciute del repertorio della chitarra. Simone Massaron è una delle migliori fretless guitar in Italia e ha partecipato nel 2006 al “Fretless Guitar Festival” a New York. “Dandelions on Fire”, il secondo disco a suo nome per Longsong Records nel 2008, con Carla Bozulich, viene acclamato della critica ed è votato come uno dei migliori dischi dell’anno da molte riviste musicali.
In estate si esibisce anche dal vivo con Marc Ribot come duo. Dal 2008 membro del collettivo “El Gallo Rojo”. Ha suonato con musicisti come Marc Ribot, Elliott Sharp, Nels Cline, Carla Bozulich, Tiziana Ghiglioni, Steve Piccolo, Gak Sato, Xabier Iriondo, Giovanni Maier, Tiziano Tononi, Daniele Cavallanti, Jenny Scheinman, Zeno de Rossi, Massimo Pupillo, Giorgio Pacorig, Alfonso Santimone, Emanuele Parrini, Piero Bittolo Bon, Carlo Garofalo, Achille Succi, Carlo Virzì, Craig Green, Scott Amendola.

http://www.simonemassaron.com/

Recensione di Suora (White Edition) di Massa Bon (Simone Massaron e Piero Bittolo Bon) 2014

Se non ricordo male nel recensire il loro precedente cd “Suede fist, iron glove” mi ero spinto fino a citare, nel bagaglio e nel background culturale del dinamico duo Massa Bon, i cabarettisti veronesi Gatti del Vicolo Miracoli e lo spirito ebraico newyorkese. Come devo interpretare allora questo nuovo lavoro intitolato ”enigmaticamente” Suora?
La questione è di ardua decifrazione data la natura stessa del Duo, composto da Simone Massaron (qualunque tipo di chitarra, cordiera, scogliera amalfitana e effettistica varia) e Piero Bittolo Bon (qualunque tipo di sax, tubatura, idraulica acustica e effettistica varia), musicisti avvezzi a frequentare qualunque forma di libera improvvisazione destrutturata condita con un robusto senso dell’umorismo e da una certa civettuola vena intellettuale che rendono la musica quasi concreta che esce dai loro strumenti meno ostica e più lieve di tanto cerebralismo contemporaneo purtroppo fine a se stesso.
A cosa conduce quindi questo titolo? Provo a elencare alcune possibilità nella speranza che l’ascolto ripetuto delle musiche possa darmi poi la risposta tanto desiderata:
1) Alla fine ci siamo .. come tanti altri musicisti prima di loro anche per i Massa Bon è arrivato il momento di una svolta eucaristica-religiosa, con possibile ritiro in convento per meditare una nuova musica-mistica-curativa sull'onda del nuovo risveglio religioso promosso da Papa Francesco …
2) Il titolo inneggia forse al boom mediatico di un’altra Suora … tale Suor Cristina, battezzata e promossa agli altari dal quadrumvirato (in se scarsamente mistico e anche poveramente luciferino) J-AX-Cocciante-Pelù-Carrà … forse il Duo ha voluto salire sul carro ecumenico-mediatico per produrre musica per nuovi oratori?
3) Forse ci sono … nulla di tutto questo: si tratta ancora del buon, caro, vecchio, spirito ebraico newyorkese.  Il Duo ha saputo un’altra volta miscelare con umorismo, creatività e spirito helzapoppiano un mix di musiche, situazioni, intrecci esplorando le possibili combinazioni offerte dai limiti timbrici, melodici, armonici e ritmici che la loro strumentazione consente e che la loro consumata amicizia permette di espandere ulteriormente per via di quel sesto senso che musicisti come loro sanno sviluppare nel corso di una carriera ormai decennale, fatta di incontri, prove, riprove, esplorazioni, tentazioni e conversioni, perché no, mistiche.


Difficile distinguere ragionevolmente all’interno di un calderone musicale fatto da numerosi brani tutti collegati tra loro e dove si intrecciano melodie stonate, ballate blues per marziani vagabondi, suonate di sax al chiaro di luna, pedaliere ed effetti  steampunk lanciati a tutto vapore. Ma il tutto è un gazpacho musicale divertente, ironico e impegnativo all’insegna della libera fantasia e del “lasciateci fare che tanto di male non ne facciamo”.
Davvero bravi, e bene hanno fatto i Sentieri Selvaggi a reclutarli per una scorribanda musicale in quel di Milano … di loro dopo si sono perse le tracce, recenti avvistamenti li hanno colti in Veneto e in Umbria ma da qualche giorno non ho più loro notizie … pare che però che la barba di Bittolo Bon è stata recentemente avvistata in un monastero dalle parti del Monte Athos .. mentre Massaron sembra sia seduto di fronte a una parete bianca meditando in zazen .. vi farò sapere …

Guitars Speak: la chitarra Jazz di Joe Pass

Questo mercoledì alle 21 sulle frequenze di Radio Voce della Speranza, andrà in onda la chitarra di Joseph Anthony Passalacqua, meglio conosciuto come Joe Pass, viene ricordato oggi come uno dei più grandi chitarristi jazz di tutti i tempi, non solo per la sua tecnica strabiliante e la grande conoscenza dello strumento, ma anche per le sue indiscutibili capacità improvvisative e compositive. Il suo stile e la sua genialità hanno aperto nuove possibilità per la chitarra jazz e hanno avuto una profonda influenza sui chitarristi successivi.

This Wednesday at 9PM Joe Pass jazz guitar will be "on air" on the radio fequency od Radio Voce della Speranza in Guitars Speak radio program! Joe Pass was an American virtuoso jazz guitarist, generally considered to be one of the greatest jazz guitarists of the 20th century. His extensive use of walking basslines, melodic counterpoint during improvisation, use of a chord-melody style of playing and outstanding knowledge of chord inversions and progressions opened up new possibilities for the jazz guitar and had a profound influence on later guitarists.

Review of String Machine by Nuntempe Ensemble, 2014

Please pay attention, dear Europeans, be very careful. Contemporary music has so long colonized also the South American continent, generating a new set of composers who provide a particular and personal attention to classical guitar’s language.

We have an excellent example with this cd, String Machine, released by Nuntempe Ensemble, four classical guitarists, Pablo Boltshauser, Agustin Nazzetta, Andrés Vaccarelli and Arile Elijovich, which since 2008 engage themselves with perseverance and dedication to the exploration of the vast guitar repertoire with particular attention to contemporary music and tocultural and ethnic diversity, musical pluralism and all possible combinations of timbre, style and expressive that their six strings instruments allow.

This cd is made of compositions created specifically for the quartet, all recently dating recently, starting from six fragments of the Cuarteto nro2 composed in 1999 by the Colombian composer Eblis Alvarez. The other tracks are Ciclis (2010) commissioned by Federico Nunez, Libro de Estudios (2004) by Juan Pablo Simoniello, Iniciar Sesion (2011) Cecilia Pereyra and the song that gives the title to the cd, String Machine (2010), by Marcelo Delgado.

All music move through all the possible techniques (arpeggiated, pinched, rhythmic tensions, colors, call and response between the instruments, etc.) that can be obtained and used in the classical guitar’s context and you immediately feel a strong rhythmic tension. The rhythm management and use of the guitar as a percussion instrument, even in its tonal component, seem to be the hallmarks of this CD. 

Before formulating these thoughts I decided to let the cd mature through prolonged and repeated listens repeatedly over time, this is not easy listening music but after a while I was caught and immersed in the sounds that come from the four instruments of the Ensemble, which proves to be a perfect rhythmic and melodic "machine", a perfectly tight-knit, well-oiled and integrated. It’s impossible, at least for me, to identify the four musicians and to figure out who is playing in the absence of scores. Pablo Boltshauser, Agustin Nazzetta, Andrés Vaccarelli and Arile Elijovich are four excellent virtuous and in this CD they gives a great demonstration of their ability. I hope to listen to them again and soon.

Recensione di String Machine di Nuntempe Ensemble, 2014

Attenzione, cari europei, fate molta attenzione. La musica contemporanea ha ormai da tempo colonizzato anche il continente sudamericano generando una nuova serie di compositori che prestano una particolare e personale attenzione ai linguaggi della chitarra classica.

Ne è un eccellente esempio questo cd, String Machine, realizzato dal Nuntempe Ensemble di quattro chitarristi di estrazione classica, Pablo Boltshauser, Agustin Nazzetta, Andrés Vaccarelli e Arile Elijovich, che dal 2008 si dedicano con costanza e abnegazione all’esplorazione del vasto repertorio chitarristico con una particolare attenzione al repertorio contemporaneo con una visione particolarmente attenta alle diversità culturali e etniche, al pluralismo musicale e a tutte le possibili combinazioni timbriche, stilistiche e espressive che le loro sei corde consentono.

Questo cd presenta tutte composizioni realizzate appositamente per il quartetto, tutte con datazione decisamente recente, a partire dai sei frammenti del Cuarteto nro2 composto nel 1999 dal compositore colombiano Eblis Alvarez. Gli altri brani presenti sono Ciclis (2010) commissionato a Federico Nunez, Libro de Estudios (2004) di Juan Pablo Simoniello, Iniciar Sesion (2011) di Cecilia Pereyra e il brano che da il titolo al cd, String Machine (2010) di Marcelo Delgado.

Tutti brani fanno sfoglio di tutte le possibili tecniche (arpeggiati, pizzicati, tensioni ritmiche, cromatismi, call and response tra gli strumenti, etc.) che si possono ricavare e utilizzare nell’ambito della chitarra e si avverte immediatamente una forte tensione ritmica. La gestione del ritmo e l’utilizzo della chitarra come strumento percussivo , perfino nella sua componente timbrica, sembrano essere i tratti distintivi di questo cd, dall’ascolto non facile ma sicuramente affascinante.

Prima di formulare queste riflessioni scritte ho ritenuto di doverlo lasciare maturare tramite ascolti prolungati e reiterati più volte nel tempo, non è un ascolto facile ma dopo un po’ ci si lascia trasportare e avvolgere dai suoni che provengono dai quattro strumenti dell’Ensemble, che si dimostra essere una “macchina” ritmica e melodica perfettamente affiatata, rodata e ben integrata. Impossibile identificare i quattro musicisti, impossibile, almeno per me, capire chi sta suonando cosa in assenza delle partiture. Pablo Boltshauser, Agustin Nazzetta, Andrés Vaccarelli e Arile Elijovich sono quattro eccellenti virtuosi che in questo cd danno una ottima dimostrazione delle loro capacità. Spero di sentire parlare di loro ancora e presto.

Bruno Giuffredi Masterclass Treviso Settembre 2014

Bruno Giuffredi, Masterclass,  Settembre 2014, TREVISO
________________________________________________________________________________________________________

MASTERCLASS 
Sabato e Domenica 13 e 14 Settembre 2014

la master si svolgerà presso l’Hotel Titian Inn via Callalta 87 - Lanzago di Silea - Treviso

una lezione allievo effettivo: Euro 50
allievo uditore: Euro 10

GENERAL INFORMATIONS

MUSIKROOMS

www.musikrooms.com

centroculturale@musikrooms.com

Tel. & Fax +39.0422.405764

Mobile +39.320.0517000 - +39.328.7463053
http://www.musikrooms.com/?page_id=71

Bruno Giuffredi, Masterclass,  Settembre 2014, TREVISO
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MASTERCLASS 
Sabato e Domenica 13 e 14 Settembre 2014

la master si svolgerà presso l’Hotel Titian Inn via Callalta 87 - Lanzago di Silea - Treviso

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allievo uditore: Euro 10

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Guitars Speak: le chitarre contemporanee di Alessandra Novaga e Giacomo Fiore

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Questa sera alle 21 ricomincia Guitars Speak il programma radio interamente dedicato alla chitarra, sempre sulle frequenze di Radio Voce della Speranza.

Tonight at 9 PM Guitars Speak the radio program entirely devoted to guitar, is back always on Radio Voce della Speranza

In questa prima puntata ascolteremo i nuovi lavori discografici, "La Chambres dex Jeux Sonores" e "IV electric american guitar",  usciti nel corso dell'estate del 2014 da parte di Alessandra Novaga e Giacomo Fiore. Due interessanti uscite discografiche, una in Cd e l'altra in Lp, interamente dedicate al repertorio contemporaneo e eseguite con chitarre elettriche.

In this first episode we will listen to two new records, "The Chambres dex Jeux Sonores" by Alessandra Novaga and "IV american electric guitar" by Giacomo Fiore, released in the summer of 2014. Two interesting releases, one is a Cd and the other a Lp, entirely dedicated to contemporary repertoire and performed with electric guitars.

Playlist:

- International Hash Ring (Travis Just) - Alessandra Novaga
- Unitil it Blaze (Eve Beglarian) - Giacomo Fiore
- In Memoria (Sandro Mussida) - Alessandra Novaga
- freeHorn  (Larry Polansky) - Giacomo Fiore

Jürgen Ruck's guitar playlist

Jürgen Ruck was born in Freiburg (Germany). He studied guitar in Freiburg with Sonja Prunnbauer and in Basel with Oscar Ghiglia. In 1986 he won first prize in the German national music competition „Deutscher Musikwettbewerb“ and in 1990 the international Kranichstein prize for the interpretation of New Music.
Jürgen Ruck’s repertoire consists of music from the 16th century to the present day. He performs in a big variety of chamber music combinations and has given concerts in many international festivals. He played as soloist for example with Berlin Philharmonic Orchestra, Ensemble intercontemporaine Paris and the London Sinfonietta. Jürgen Ruck is especially interested in the music of our time: being the guitarist of Ensemble Modern, the leading German Ensemble for New Music and collaborating with important composers like György Kurtág, Hans Werner Henze, Helmut Lachenmann and John Adams. Since 2003, Juergen Ruck very succesfully performs his remarkable project „Caprichos Goyescos“, a cycle of solo compositions, especially written for him. All these compositions are related to Francisco de Goya’s famous set of etchings “Los Caprichos“. Until now, over 40 pieces were created by 20 different composers. Jürgen Ruck teaches guitar at the Musikhochschule in Würzburg.
He is also head of the guitarstudio at the International Darmstadt Summer Courses for New Music.

Intervista a Corrado Pasquotti di Leonardo De Marchi

Dal 12 al 19 ottobre 2014 la splendida cornice dell’isola d’Ischia ospiterà una nuova edizione dei Corsi musicali dell’associazione Ischia Musica. 
L’iniziativa, patrocinata dai comuni di Forio e Lacco Ameno e giunta quest’anno alla sua quinta edizione, avvicina studenti di ogni fascia d’età ad uno studio specializzato della musica. In questo contesto, particolare attenzione è posta al repertorio delle avanguardie storiche e alla più recente sperimentazione musicale, con un’ampia offerta di concerti, masterclass e seminari a tema. 
Accanto alle discipline più consuete relative all’esecuzione strumentale (chitarra, pianoforte, flauto, musica da camera…), Ischia Musica ha rivolto - caso raro in Italia - la sua attenzione all’interazione tra musica e nuove tecnologie: negli anni sono stati offerti, tra gli altri, workshop dedicati alla composizione per strumenti acustici e live electronics (prevalentemente su piattaforma Max MSP), al soundscaping (paesaggio sonoro), alla videoscrittura musicale.
Corrado Pasquotti, docente di Composizione presso il Conservatorio “Benedetto Marcello” di Venezia e presidente dell’Associazione Ischia Musica, è ideatore ed anima della manifestazione. Ha deciso di rispondere alle domande di “Chitarra e Dintorni” in un’intervista di cui vi diamo conto.

Caro Corrado, ad ottobre la kermesse di Ischia Musica taglia il traguardo della sua V edizione. Innanzitutto, ci spieghi che cos’è Ischia Musica? Perché proprio Ischia?

L'Associazione Culturale «Ischia Musica» è stata costituita nel  2010 a Forio - Isola d'Ischia.
Le attività e le iniziative di «Ischia Musica» sono rivolte in particolare a studenti, giovani musicisti, addetti al settore musicale storico e interpretativo ed anche agli appassionati.
L'Associazione intende favorire la figura professionale del musicista odierno, nonché gli scambi culturali fra giovani e professionisti dei diversi paesi, attraverso anche  l’apprendimento delle nuove tecnologie e l’utilizzo di attrezzature elettroniche applicate al settore musicale.
I CORSI MUSICALI sono dedicati soprattutto agli studenti del Triennio di I livello, del Biennio di II livello (corsi di Laurea) dei Conservatori Italiani e agli studenti dei Licei Musicali (corsi pre accademici) una fascia di età che va dai 15 ai 28 anni circa.
Ai Corsi possono iscriversi anche studenti privatisti e appassionati di qualsiasi livello conoscitivo musicale i docenti sceglieranno l’insegnamento opportuno a seconda dei vari casi. Non c’è nessun esame o prova di ammissione. Parallelamente ai Corsi si svolgono ogni giorno CONCERTI con allievi e docenti.
Perché Ischia: soprattutto per il piacevole clima autunnale.
I CORSI si svolgono nella seconda settimana di ottobre e ciò può essere appetibile a quanti appassionati di musica desiderano unire una vacanza termale con impegni culturali.

In Italia la cultura e gli enti locali spesso non vanno d’accordo. La relativa longevità delle iniziative che promuovi sembrano suggerire, al contrario, che il territorio ha risposto bene e considera interessanti anche eventi diversi dalla sagra di paese o dai concerti delle tribute band. Qual è il rapporto che Ischia Musica ha con le istituzioni dell’isola? Quali comuni sono coinvolti e a che titolo?

I Corsi si svolgono nelle cittadine di Forio e Lacco Ameno; le rispettive Amministrazioni Comunali offrono a ISCHIA MUSICA oltre al Patrocinio morale l'utilizzo di luoghi importanti quali:
a FORIO la Sala consigliare, il chiostro del Municipio Vecchio, il Torrione;
a LACCO AMENO le sale espositive di Villa Arbusto-Gingerò.
Altre istituzioni come la Fondazione LA COLOMBAIA di Luchino Visconti, la Scuola Media "Santa Caterina da Siena", la Banda Musicale di Forio e l'Arciconfraternita di Santa Maria di Visitapoveri mettono a disposizione di ISCHIA MUSICA le loro rispettive sedi. Inoltre alcune Associazioni Ischitane come VICOLI SARACENI e RADICI ci offrono la loro collaborazione per la promozione dei CONCERTI dei CORSI MUSICALI.

Importante per il successo dell’iniziativa è stato il legame con alcune realtà produttive isolane che hanno dato un grande sostegno, materiale e pubblicitario, agli eventi. Ci parli di questo particolare aspetto? 

Il ruolo del Residence LA ROSA in particolare nella figura di Angelo Impagliazzo è stato per i Corsi il più grande e prezioso sostegno. Tutti i Corsisti e i Docenti sono ospitati alla ROSA e di volta in volta vengono trasferiti nei luoghi di lezione e ai concerti. Il Residence è la Sede ufficiale di ISCHIA MUSICA ed è anche l'aiuto economico maggiore considerando le tariffe del soggiorno applicate ai Soci e ai corsisti.
Da qualche anno con la collaborazione di due famosi ristoranti: IL LIMONETO a Forio e O'PIGNATTELLO a Lacco Ameno organizziamo dei CONCERTI APERITIVO - mezz'ora di musica e un prosecco, quest'anno offerto dal Consorzio di Conegliano Valdobbiadene.
L'iniziativa ha avuto molto successo ed è servita come veicolo informativo per le altre iniziative proposte dall'Associazione.

I corsi di Ischia Musica attraggono un numero sempre crescente di giovani: quali scelte sono state fatte per avvicinarli all’offerta, formativa e culturale in senso più ampio, delle ultime edizioni?

Naturalmente la qualità dei Docenti è la più importante. Ma negli ultimi anni la promozione dei Corsi nei Licei Musicali (ogni 12 studenti iscritti un insegnante accompagnatore ospitato gratuitamente) e l'aiuto indispensabile del Dott. Luigi Polito Amministratore delegato di IMPERATORE TRAVEL che mette a disposizione un Pullman riservato ai Soci di ISCHIA MUSICA da Udine per Forio e ritorno compreso il traghetto, hanno favorito la crescita degli iscritti negli ultimi anni ai Corsi Musicali.

Hai promosso un forte interesse per la Nuova Musica, sia nella programmazione dei concerti che nella scelta delle materie e dei docenti. 
Ci parli di ciò che ti ha fatto scegliere questo specifico indirizzo? Soprattutto considerando che sono corsi in cui si parla molto a musicisti giovani e giovanissimi, è una scelta forte ed audace: quasi a dire che la Nuova Musica non è solo una cosa per “vecchi”...

Sinceramente penso che la NUOVA MUSICA sia più per i giovani che per i vecchi.
Se la musica è veramente nuova è sempre in continua evoluzione. Non penso che l'avanguardia storica sia la nuova musica lo è stata a suo tempo ma non ora.
Questo è il pensiero dominante che mi ha fatto scegliere questo percorso. Offrire ai giovani la possibilità di fare della musica nuova sia come compositori che interpreti.

Come è strutturata l’offerta dei corsi in ambito di composizione e di nuove tecnologie? Chi sono stati i docenti delle edizioni passate e chi saranno quelli della prossima edizione?

La Musica e le Nuove Tecnologie nei Corsi di quest'anno si articola in due modi:
LAPTOP ENSEMBLE docente Paolo Zavagna del Conservatorio di Venezia
LIVE ELECTRONICS e SOUND DESIGN con un WORKSHOP con il SON Ensemble, coordinato dai Docenti Carmine Emanuele Cella (ricercatore IRCAM Parigi), Lorenzo Pagliei (docente Conservatorio di Vicenza) e Davide Tiso (docente Conservatorio di Venezia).
Comunque anche i corsi di Composizione tenuto da Fabrizio Fanticini (docente Conservatorio di Parma) e Orchestrazione tenuto da Aurelio Samorì (docente Conservatorio di Pesaro) si avvalgono di Nuove tecnologie. E non per ultimo il corso di Videoscrittura tenuto da Giorgio Bussolin docente al Conservatorio di Adria.
Nelle passate edizioni i Corsi di Elettronica sono stati tenuti da: Agostino Di Scipio (2010 e 2011),  Stefano Alessandretti e Giovanni Sparano (2012), Alvise Vidolin (2013).

Com’è strutturata l’offerta dei corsi strumentali? Chi li terrà? L’interesse per i nuovi autori e i nuovi repertori viene coltivato anche nei corsi ad indirizzo strumentale? In che modo?

I corsi strumentali sono strutturati in Masterclass e cioè lezione individuale e collettiva  nello stesso tempo (chi suona viene ascoltato da tutti gli altri).
L'obbligo di fare nuova musica non c'è. Naturalmente la scelta del docente è fondamentale:
quando il Corso di Flauto e tenuto da Federica Lotti, e Clarinetto da Rocco Parisi; specialisti della musica contemporanea, tanto per citarne due, mi sembra che il gioco sia fatto.
La responsabilità e la libertà didattica è sempre e comunque del docente.

Ci saranno corsi che debutteranno nel 2014?

I nuovi corsi in programma quest'anno sono:
FAGOTTO docente Paolo Carlini (Primo fagotto dell'orchestra regionale Toscana);
VIOLINO E QUARTETTO d'ARCHI docente Alessandro Fagiuoli (Quartetto Paul Klee);
VIOLA docente Maurizio Barbetti (concertista);
VIOLONCELLO docente Pietro Serafin (docente al Conservatorio di Trieste);
e per concludere il CORSO GRATUITO per tutti gli ospiti di Ischia:
I FILOSOFI E LA MUSICA: Scontri e incontri, tenuto da Luigi Perissinotto docente all'Università Ca' Foscari di Venezia.

Per concludere, quali prevedi saranno, a medio-lungo termine (dai 5 ai 10 anni) gli sviluppi di Ischia Musica? Progetti particolari? Sogni nel cassetto?

Il sogno nel cassetto: far diventare per la Musica i CORSI di ISCHIA MUSICA il parallelo del Giffoni Film Festival per il Cinema.

Ringraziamo Corrado Pasquotti per la disponibilità nel rispondere alle nostre domande.