martedì 11 gennaio 2011

Intervista a Daniele Lazzari di Leonardo De Marchi, prima parte


Leonardo De Marchi: Com'è nato il tuo amore per la musica e per la chitarra?

Daniele Lazzari: Il desiderio di suonare uno strumento musicale è nato ascoltando mia sorella suonare il pianoforte (lei già prendeva lezioni da qualche anno). Inoltre, ascoltavo gli LP di musica sinfonica che erano in casa. Con i miei risparmi comprai una chitarra classica “Clarissa”. Probabilmente della chitarra mi affascinava il suono e la possibilità di portarla agevolmente ovunque, a differenza del pianoforte che ugualmente mi attirava. Non conoscevo bene la chitarra come strumento classico e quando nella scuola di musica il mio insegnante me ne fece conoscere le potenzialità me ne innamorai definitivamente.

LDM: Con chi hai portato avanti il tuo percorso? Quali esperienze didattiche (e non solo) ti hanno segnato di più? Come mai le ritieni importanti?

DL: Durante gli anni ho incontrato tanti bravi insegnanti, fra cui alcuni pianisti che frequentavo e che mi permettevano di assistere alle loro lezioni. Con alcuni si è instaurato un rapporto di amicizia durevole. Per quanto riguarda la chitarra devo molto ad Arturo Tallini e Giuseppe Pepicelli sotto la cui guida ho preparato rispettivamente il Diploma ed il Master ad indirizzo interpretativo. Naturalmente ho seguito come allievo effettivo molte master-class di chitarra ma anche di altri strumenti da uditore. Fra i chitarristi, l'incontro con Carlo Marchione si è rivelato illuminante: uno stimolo importante per tutto il lavoro che ho fatto da quel momento in poi. Ho studiato per tanti anni il Metodo Feldenkrais con Pepicelli approfittando di questa sua dualità di Maestro di Chitarra e Feldenkrais che egli mirabilmente coniuga. Per qualche anno sono stato studente di Canto al seguito di vari maestri, fra cui ricordo con molto affetto Pino Coluzzi di cui apprezzo l'instancabile entusiasmo e la profonda conoscenza della tecnica di emissione. Mi sembra quasi impossibile enumerare tutte le esperienze che in qualche modo ritengo formative per me stesso nell'arco di più di vent'anni, ma sono certo del fatto che quello che è presente nella musica che suono, raramente è giunto alla mia attenzione attraverso il convenzionale percorso di studio. La mia formazione musicale è stata tortuosa fino a quando non ho deciso, con grandi sacrifici, di andare a cercare ciò di cui avevo bisogno. Una delle più importanti esperienze è stata forse l'incontro con Júlia Alexa, una pianista ungherese di enorme talento che quotidianamente da qualche anno mi comunica il suo sapere e mi aiuta a crescere. Doppia fortuna, visto che è diventata anche mia moglie!

LDM: Quando si parla con un artista si è sempre curiosi di conoscere il suo immaginario e, più in generale, quali esperienze intellettuali lo hanno costruito e lo alimentano. Di conseguenza voglio porti due domande. La prima: quali generi musicali ascolti? Suoni o ti interessano altri strumenti musicali?

DL: Naturalmente mi capita di ascoltare altri generi musicali ma principalmente preferisco ascoltare la musica classica, possibilmente suonata dal vivo. La città in cui vivo, Budapest, è molto attiva da questo punto di vista e spesso vado ai concerti. L'opportunità di ascoltare i migliori interpreti del mondo, solisti o orchestre che siano, è per me la maggior fonte di ispirazione, forse l'esperienza intellettuale principe.

Come ho accennato prima, ho studiato canto per qualche anno. Ho voce di tenore e da qualche anno faccio parte del Coro della “Filarmonica Santo Stefano Re d'Ungheria – Zuglói Filharmónia” di Budapest che svolge intensa attività concertistica che mi ha permesso di partecipare a numerosi eventi di portata internazionale sotto la direzione di personalità come Zoltán Kocsis, Ken-Ichiro Kobayashi, Yuri Simonov, Gergely Menesi solo per citarne alcuni. E' meraviglioso prendere parte all'esecuzione dei pezzi con coro più significativi di Bach, Haendel, Purcell, Mozart, Haydn, Beethoven, Honegger, Orff, Bernstein, Frigyes, Borodin, Kodály etc. che normalmente un chitarrista non ha modo di vivere dall'interno di un'esecuzione.

LDM: La seconda: hai vissuto e/o vivi altre esperienze intellettuali oltre alla musica? Come le vivi? In che modo secondo te possono conciliarsi (sempre se possono farlo) con la tua ricerca artistica?

DL: Sono stato studente di Chimica all'Università a un passo dalla laurea: all'ultimo anno ho abbandonato per dedicarmi definitivamente soltanto alla musica. Amo molto leggere e sono un appassionato di cinema. Anni fa amavo disegnare e dipingere: è un'attività che desidero riprendere. Ritengo che ogni attività intellettuale in generale faccia parte della ricerca artistica ed accresca in qualche modo l'immaginazione. Ma, per quanto mi riguarda, hanno un ruolo fondamentale anche le esperienze affettive, l'amicizia, la curiosità verso il prossimo.

continua domani

lunedì 10 gennaio 2011

Video: Choros n.1 (Heitor Villa-Lobos)

Daniele Lazzari: Biografia


Daniele Lazzari, lucano, vive e lavora a Budapest. Ha vinto premi in concorsi musicali nazionali ed internazionali a Padova, Salerno, Lecce, Rionero, Ancona, Taranto e Roma. Ha conseguito i titoli accademici sotto la guida di Arturo Tallini e Giuseppe Pepicelli. Inoltre, si è perfezionato con Carlo Marchione, Michelangelo Severi, Giampaolo Bandini (Italia), Fabio Zanon (Brasile), Sandor Szilvagyi, József Eötvös (Ungheria), Thomas Muller-Pering (Germania), Alberto Ponce (Spagna) e Sharon Isbin (USA).

Nel 2002 si diploma in Chitarra al Conservatorio “Gesualdo da Venosa” di Potenza. Nel 2004, vincitore di una borsa di studio dell'Unione Europea, si iscrive al Conservatorio “Benedetto Marcello” di Venezia dove, due anni dopo (primo chitarrista in Italia), consegue il Diploma Accademico di Secondo Livello in Discipline Musicali - Indirizzo Interpretativo con il massimo dei voti, una tesi sull'estetica delle opere per chitarra di Manuel Ponce ed un concerto monografico dedicato al compositore.

Nel 2006 si trasferisce in Ungheria dove si inserisce attivamente nella vita artistica e musicale. Nel gennaio 2008 lo Stato Ungherese gli riconosce ufficialmente la professione di Insegnante di Chitarra e Concertista. Nello stesso anno gli viene conferita la cattedra di Docente di Chitarra presso le Scuole Statali “Kodály Zoltán” Gimnázium és Zeneiskola e “Czövek Erna” Zeneiskola di Budapest.

Oltre ad insegnare, svolge attività concertistica principalmente in Ungheria ed occasionalmente all'estero (Austria, Germania, Belgio, Regno Unito, Svizzera, Sud Corea). In Italia ha tenuto concerti a Padova, Venezia, Reggio Emilia, Roma, Potenza, Salerno, Bari, Ascoli Piceno, Ancona, Bologna.

Negli ultimi anni è stato invitato a tenere concerti in luoghi prestigiosi e suggestivi, fra cui si menzionano: l'Istituto Romeno di Cultura e Ricerca Umanistica di Venezia, il New York Kávéház di Budapest, il Béla Bártok Concert Hall di Budapest, il Festetics Castle di Keszthely, il Ceramic Palace Hall di Seoul, la Gstaad Chapel.

In ambito cameristico vanta numerose produzioni collaborando con Luca Fabrizio (chitarra), Eun Kyong Suh (canto), Giuseppe Coluzzi (canto), Varina Fortin (violino), Noriko Ogawa (canto), Emőke Geszti (flauto), Júlia Alexa (pianoforte), il Trio Extol, il Quartetto Estampas.

Ha inciso due CD: “Sambossa”, nel 2007 (in collaborazione con la flautista ungherese Emőke Geszti), contenente musiche di Piazzolla, Cardoso, Machado, Pujol, Kleynjans e “Classical Guitar Jewels”, nel 2008, contenente alcuni dei capolavori del repertorio chitarristico del primo '900 di autori quali: Villa-Lobos, Torroba, Barrios e Ponce. Quest'ultimo CD, presentato ufficialmente a Seoul, attualmente disponibile quasi esclusivamente in internet*, ha ricevuto e riceve largo consenso e apprezzamento sia da parte degli specialisti del settore che da parte di entusiasti appassionati di musica classica.

*http://danielelazzari.wordpress.com/buy-now/

domenica 9 gennaio 2011

VIII Segovia Day Bergamasco



Il giorno 29 dicembre 2010 si è tenuto a Bergamo l' VIII Segovia Day Bergamasco, Suoni, documenti e immagini d'archivio a ricordo dell’unico e storico concerto dato a Bergamo dal celebre chitarrista Andrés Segovia il 29 dicembre 1926.
Nel corso della manifestazione organizzata dall'Associazione Bergamo Chitarra Centro Studi e Ricerche “La Chitarra” - Archivio Chitarristico Italiano è stato consegnato il Premio Segovia Day 2010 al maestro chitarrista Giuliano Belotti.

Curriculum maestro chitarrista Giuliano Belotti

Evento

sabato 8 gennaio 2011

Venerdì 10 dicembre, puntata di frammenti dedicata alla storia di Elena Padovani

Venerdì 10 dicembre, puntata di frammenti dedicata alla storia di Elena Padovani


Siamo nel 1954 e finalmente il Ministero dell’Istruzione decide di inserire un “corso straordinario di Chitarra” all’interno dei Conservatori. In quel periodo, in Italia, tra i migliori chitarristi c’è Elena Padovani: in molti si aspettano che la prima cattedra sia affidata a lei, ma…

Proveremo a raccontare la sua storia di concertista e didatta aiutate da un suo allievo, Walter Salin, e da alcuni studi su di lei raccolti nel volume “Romolo Ferrari e la chitarra in Italia nella prima metà del Novecento”.

Ascolteremo una sua registrazione d’epoca del concerto per chitarra e orchestra di Boccherini (gentilmente inviatoci da Giuseppe Idone), provando a domandarci quanto il fatto di essere una donna possa aver inciso nella sua carriera

Ascoltate il podcast

Alfonsina y el mar è il brano dedicato da Ariel Ramirez e Felix Luna a Alfonsina Storni, alla chitarra Gilbert Imperial



il brano è eseguito con una chitarra di Miguel Simplicio del 1929

venerdì 7 gennaio 2011

Recensione di Grondona plays Bach di Stefano Grondona, Stradivarius, 2010 (STR 33868)


Immancabile e puntuale come da un paio d’anni iniziamo il 2011 con la recensione dell’ultima fatica discografica del Maestro Stefano Grondona che idealmente fa da “cerniera musicale” tra il vecchio e il nuovo anno.

Dopo una lunga serie di cd dedicati all’esplorazione delle musiche della figura di Llobet e la monografia di un anno fa dedicata a Albeniz, Grondona sembra aver deciso una pausa di riflessione optando per le musiche di quello che viene da più parti indicato come il più grande compositore di ogni tempo: J.S. Bach.

La scelta non è sicuramente frutto di un passo casuale o di un momento di bizzarria, in un certo senso mi sembra come se Grondona avesse deciso di tirare una linea, incidere un momento particolarmente importante nella sua carriera di interprete confrontandosi con un compositore la cui genialità è riuscita a superare la prova dei tempi dimostrando sempre una costante, a volte ingombrante, attualità.

E’ l’arte della trascrizione che sembra aver raggiunto in Bach la sua vertigine più elevata. Pur non avendo mai scritto per chitarra il musicista che sceglie la nostra amata sei corde ha ormai a disposizione una interessante letteratura in grado sia di soddisfare i palati più raffinati ma anche di impensierire gli esecutori più capaci. Bach crea dei problemi, impone all’interprete delle risposte interiori che non si possono non affrontare, esige una qualità sonora elevatissima e una capacità di riflessione intensa e precisa. Bach non perdona.

Grondona in questo cd dimostra di saper abbondantemente padroneggiare l’ipertesto bachiano delle trascrizioni: Toccata BWV 914 in mi, Preludio BWV 999 (1725) in do, Fuga del Signore Bach BWV 1000, Preludio fuga e allegro per liuto BWV 998 in MI, Quaderno di Anna Magdalena Bach (1725), e le Variazioni Goldberg BWV 988 sono le musiche con cui la sua Torres si confronta alla ricerca di una nuova strada, di una nuova personale interpretazione, di una nuova visione poetica di concetti musicali che non sentono minimamente sulle loro spalle e sui loro pentagrammi il peso dei secoli. Non sono mai riuscito a spiegarmi razionalmente come Bach sia riuscito nell’intenso miracolo di rendere la propria musica unica e allo stesso tempo immediatamente riconoscibile indipendentemente dallo strumento che lo suoni e la chitarra di Grondona aggiunge nuova materia e nuovo peso a questa domanda.

Un nuovo cd, forse una nuova strada, forse un punto di riflessione in attesa di un nuovo slancio creativo. Bach sembra essere la personalità giusta con cui confrontarsi per allestire un nuovo vibrante, elegante edificio sonoro.

Qualità di registrazione come sempre eccellente!

Per chi volesse approfondire: http://www.stradivarius.it/scheda.php?ID=801157033868600

mercoledì 5 gennaio 2011

Ensemble Phoenix Basel in concert

Ensemble Phoenix Basel Phoenix Ensemble

Logo Phoenix
«Envidia» -
Helena Winkelman, Rafael Spregelburd

Freitag 07.01.2011 Schweizer Erstaufführung
Samstag 08.01./ Sonntag 09.01.2011, je 20:00, Gare du Nord Basel

Mit: Cecilia Arellano (Mezzosopran), Robert Koller (Bassbariton), Helena Winkelman (Komposition), Rafael Spregelburd (Libretto/Regie), Andrea Garrote (Regie), Cecilia Arellano (Konzept), Lucas Bennett (Produktionsltg. Schweiz)

Ensemble Phœnix Basel:
Jürg Henneberger: Klavier/Leitung
Christoph Bösch: Flöte

Toshiko Sakakibara: Klarinette

Aleksander Gabrys: Kontrabass

Samuel Wettstein: Synthesizer
Daniel Buess: Schlagzeug
Thomas Peter: Elektronik

Gäste: Marcelo Nisinman (Bandoneon), Helena Winkelman (Violine)

Nach dem grossen Publikumserfolg der Uraufführung anlässlich des 200-jährigen Jubiläums Argentiniens im Teatro Colón in Buenos Aires feiert die Kammeroper «Envidia» nun im Gare du Nord ihre Europäische Erstaufführung in der Inszenierung von Rafael Spregelburd.

Das Libretto verbindet zwei gegensätzliche Einakter des bekannten Dramatikers Spregelburd: «La Extravagancia» ist ein Drama um Drillingsschwestern, die von der Mutter auf dem Sterbebett mit der Frage konfrontiert werden, welche von Ihnen adoptiert ist. «Satánica» entführt in das Innenohr und damit das Innenleben eines armen Kerls, der glaubt, gegen seinen Willen einen Pakt mit dem Teufel unterzeichnet zu haben, ohne genau zu wissen, was er dafür bezahlen muss.

Das Ensemble Phœnix Basel unter der Leitung von Jürg Henneberger spielt die Musik der Schweizer Komponistin Helena Winkelman.

Eine Kooperation mit dem Teatro Colón, Buenos Aires.

Ein Projekt im Rahmen des Austausches mit Argentinien und Chile, initiiert vom Eidgenössischen Departement für auswärtige Angelegenheiten (EDA) und der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia.» www.prohelvetia.ch/argentina-chile
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Time Motions:



Forum Wallis, Festival für Neue Musik:

Freitag, 21.1.2011, 20.30 Uhr , Theater La Poste, Visp

http://www.forumwallis.ch/


IGNM Zürich:

Samstag, 29. Januar 2011, 20.30 Uhr, Kunstraum Walcheturm, Kanonengasse 20, 8004 Zürich

http://www.ignm-zuerich.ch



Ensemble Phoenix Basel:


Christoph Bösch: Flöten

Daniel Buess: Schlagzeug

Jürg Henneberger: Klavier, Celesta

Thomas Peter: Elektronik



Programm:


Jim Grimm (1928-2006): "Die Bewegungen der Zeit I" 12 Sequenzen für Flöte, Klavier und Schlagzeug (1979)


Morton Feldman (1926-1987): "Dance Suite (for Merle Marsicano)" für Klavier/Celesta und Schlagzeug (1963)


David Sontòn Caflisch (*1974): "Implosion" für Flöte, Klavier und Schlagzeug (2010, Uraufführung)


James Tenney (1934-2006): "Instrumental Responses to Ergodos II (for John Cage)" für Flöte, Klavier, Schlagzeug und Tonband (1964)


Jennifer Walshe (*1974): "Thelma Mansfield" für Flöte, Klavier, Schlagzeug und Video (2008)


Ensemble Phoenix Basel Website
Ensemble Phoenix Basel Myspace-Site
/Gare du Nord

domenica 2 gennaio 2011

Ipazia Podcast


Care Amiche e cari Amici

Vi segnalo con molto piacere che finalmente Ipazia, il programma dedicato alla chitarra contemporanea ha finalmente il suo canale podcast!

Tutte e quindici le puntate sono disponibili per l'ascolto in streaming e per il download!

Trovate Ipazia su:







sabato 25 dicembre 2010

Tanti Auguri di Buon Natale e di Felice Anno Nuovo!


Tanti Auguri di Buon Natale e di Felice Anno Nuovo!

A Voi e alle Vostre Famiglie!


Il Blog si prende un po' di ferie .. ci rivediamo dopo l'Epifania

venerdì 24 dicembre 2010

Nuova uscita per AlchEmistica: Angelo Mirante "Guitar Improvisation Project"

Care Amiche e cari Amici,
è con grande piacere che Vi annuncio la nuova uscita "natalizia" per AlchEmistica, la nostra quinta realise!

Angelo Mirante ha voluto collaborare con due splendide improvvisazioni al nostro "Guitar Improvisation Project".

Di che musica sei? Programazione musicale dal 27 al 31 dicembre




Di che musica sei? Programazione musicale dal 27 al 31 dicembre 2010

Su Radio Voce della Speranza




La programmazione settimanale

Laboratorio di Improvvisazione Musicale Ca' Foscari Venezia


Sono aperte le iscrizioni al laboratorio di improvvisazione musicale organizzato dall’Ateneo, in collaborazione con il Coservatorio “Benedetto Marcello", nell’ambito di MusiCaFoscari.

Da febbraio a maggio 2011, per due lunedì al mese, sarà organizzato, presso il Teatro Ca’ Foscari (ex Poli a Santa Marta), un ciclo di incontri a libero accesso con interpreti dell’improvvisazione e della sperimentazione, tra cui Walter Prati, Arrigo Cappelletti, Laboratorio Nova Musica, Nigredo nBn (Fazzini, Fedrigo, Canevali), Davide Amodio e Piero Bittolo Bon, chiamati a dimostrare con esecuzione dal vivo e a spiegare verbalmente in che modo intendono l’improvvisazione.

Pensato per riflettere sulla cosiddetta “improvvisazione” – parola molto usata ma poco pensata – senza esclusione di linguaggi, generi e pratiche musicali, il laboratorio vuole da un lato aprire un dibattito sul tema e, dall’altro, costituire un gruppo di pratiche dell’improvvisazione.
L’intenzione è infatti quella di offrire spunti ed occasioni di incontro per ricombinare le competenze in previsione di un concerto finale.

Le iscrizioni sono aperte anzitutto agli studenti e personale di Ca’ Foscari, Conservatori, IUAV e Accademia.

Chi si iscrive può scegliere tra due modalità di partecipazione:

1 - In qualità di uditore: come partecipante a un gruppo che intende approfondire concetti teorici legati all'improvvisazione.

2 - in qualità di musicista: come partecipante a un gruppo di improvvisazione, previa audizione, con qualsiasi strumento musicale, voce o laptop. Si richiede la padronanza dello strumento o della voce.

I partecipanti avranno a disposizione lo spazio del teatro sia per gli incontri sia per le prove del gruppo musicale.

Scadenza Iscrizioni: 20 gennaio 2011.

I Rachel's, post rock avantgarde ensemble, quinta parte

Nel 1996, inoltre, i Rachel's hanno realizzato il loro primo lavoro sinfonico registrato insieme alla Turtle Bluff Orchestra di Port Towsand, Washington. E hanno collaborato con registi, compagnie di danza, produttori teatrali e fotografi. Coltivando il loro amore per il cinema, hanno composto brani per film indipendenti e lungometraggi, tra i quali "Ogni maledetta Domenica" di Oliver Stone, "Star Maps" di Miguel Arteta e il francese "Una relazione privata". La loro musica è stata la colonna sonora del film-documentario "A day to remember" sull'inglese Channel 4.



Difficile parlare di rock ormai con i Rachel's di Systems/Layers (2003). Con questo disco, 19 brani però legati come un'enorme suite, i riferimenti ormai devono essere presi in altro ambito: Gavin Bryars, Philip Glass, Penguin Cafè Orchestra, Gorecky, gli ultimi Stars of The Lid... Systems Layers (Quarterstick, 2003) raccoglie musica composta per una compagnia teatrale, e soffre della frammentarietà di un simile lavoro, ma contribuisce anche ad introdurre nuove tecniche compositive, sviluppate sotto l'influenza dei Matmos. Found sounds e field recordings sono usati in tutta la registrazione, ma in un modo altamente austero e discreto. Il miglior mezzo per i Rachel è sempre l'antinomia romantico/cupo che permea i loro più lunghi pezzi da camera. Qui, è chiaro il modo in cui le scure, oppressive quasi funeree sonorità di Moscow Is In The Telephone, Esperanza, Water From The Same Source, Expect Delays, vengono temperate da melodie delicate (alternamente suonate al pianoforte, al violoncello e al violino). L'ensamble costruisce tessiture, e uno strumento, o una combinazione di strumenti, la disfa, come un raggio di sole che irrompe tra una fitta nebbia. La musica dei Rachel brilla veramente al confine tra romanticismo ed espressionismo. Il momento più romantico di questo faux romanticism è la sonata pianistica Anytime Soon, per il resto si registra una quasi totale assenza di percussioni, progressivo distacco dalla ciclicità minimale ormai sfruttata all'inverosimile, tono dell'opera a tratti molto cupo con grandi aperture romantiche, disco molto descrittivo, espressionista, malinconico, alternanza e sovrapposizione degli archi e delle parti strumentali con rumori ambientali, utilizzo sporadico dell'elettronica, voci e discorsi trovati, violoncelli drammaturgici, pianoforti esistenziali, accenni isolazionistici, perfino una canzone.

Ermetica e austera, la musica di Rachel's appartiene ormai di diritto alla tradizione cameristica dell'avanguardia.

Empedocle70

giovedì 23 dicembre 2010

Claxica 2011: 3° CONCORSO INTERNAZIONALE DI COMPOSIZIONE PER CHITARRA CLASSICA


3° CONCORSO INTERNAZIONALE DI COMPOSIZIONE PER CHITARRA CLASSICA


L’associazione musicale "Ousia Armonica" in collaborazione con i Comuni di Castel d’Aiano (BO) e Montese (MO) indice e organizza la terza edizione del concorso internazionale di composizione per chitarra classica.
GIURIA:La giuria sarà pubblicata sulle pagine del sito di Claxica almento con un mese di anticipo rispetto la chiusura delle iscrizioni.

PREMI:L’autore della composizione vincitrice riceverà un premio di 1.000 (mille) euro e l’opera verrà pubblicata dalle Edizioni Musicali Sinfonica (ai fini della pubblicazione sarà compito del compositore vincitore far pervenire all’organizzazione la partitura in formato digitale). Il brano sarà eseguito in prima esecuzione durante la serata conclusiva del festival Claxica dal chitarrista Giovanni Maselli. Il secondo e il terzo classificato riceveranno un diploma di merito.
Il termine ultimo per l'invio delle partiture è il 20 maggio 2011.


I Rachel's, post rock avantgarde ensemble, quarta parte



Dopo aver toccato simili punte di raffinata avanguardia post-rock da camera, i Rachel's si indirizzano verso un folk-rock neoclassico, che ha nelle suite di Art Zoyd e Univers Zero. Selenography (Touch & Go, 1999), registrato nell'arco di due anni da una formazione mutevole attorno ai tre leader, cristallizza il sound in una forma solenne e marziale di folk per pianoforte e sezione d'archi, una forma di musica strumentale che e` al tempo stesso melodica e pittorica, ma sulla falsariga piu` della musica new age che della musica classic, dalle tinte notturne e romantiche ("French Galleasse", "Forgiveness", "On Demeter"). Oltre ai soliti temi post-rock e classici, subentrano sonorità spiccatamente folk, country e a tratti perfino medievali ("Honeysuckle Suite"), mentre soltanto la miscela di musica dissonante, jazz notturno e musica da camera romantica di On Demeter, l'armonia sospesa in maniera minimalista di An Evening Of Long Goodbye e la parodia delle colonne sonore di The Mysterious Disappearance of Louis LePrince lasciano sperare in qualcosa di piu` sostanzioso e meno ripetitivo.
Nonostante che a dare manforte alla compagine di Baltimora, oltre a un'orchestra di quattordici elementi, ci siano anche la voce "mistica" di Giovanna Cacciola degli Uzeda e la presenza palpabile di Bob Weston degli Shellac, questo disco aggiunge ben poco ai precedenti capolavori.

Con Full On (Quarterstick, 2000) i Rachel's si avvalgono della collaborazione della band di punta della nuova scena elettronica d'oltre Oceano, i Matmos, per il remix più sperimentale di "The Precise Temperature Of Darkness" e ripropongono "Full On Night" con nuovi e sempre più forbiti arrangiamenti.
Prodotti dalla Quarterstick (derivazione della Touch & Go, che annovera, tra gli altri, i June Of '44), i Rachel's mantengono anche stretti contatti con altre formazioni della scena indie, tra Chicago e Louisville. Rachel Grimes, ad esempio, collabora con The Sonora Pine (anche loro su Quarterstick Records), band in cui milita Kevin Coultas, batterista per gli stessi Rachel's ed ex Rodan; Jason Noble (anche'egli ex Rodan) suona negli Shipping News; come detto, partecipa al lavoro, nella veste di bassista e ingegnere del suono, anche Bob Weston, bassista degli Shellac (oltre che produttore per gruppi quali Archers Of Loaf, Hurl etc.). L’EP mette in evidenza la loro pari abilità sia con il jazz (il motivo d'insieme, gli assoli sperimentali, la coda noisy) che con la musica classica (la ballata per piano, gli struggimenti di violino).

mercoledì 22 dicembre 2010

Duo Lumen in Concerto


Giovedì 6 gennaio
Teatro di Spiazzo Rendena (TN)
ore 16.30
“CONCERTO DELL’EPIFANIA”
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Domenica 2 gennaio
Teatro Comunale di Cerro Veronese (VR)
ore 17.00
“DUO LUMEN IN CONCERTO”


Il DUO LUMEN nasce da un'amicizia e da un percorso di studi comune.Diplomati nello stesso anno nella classe del M° Mariano Andreolli presso il Conservatorio di Rivadel Garda (Tn), iniziano a studiare stabilmente insieme e ad approfondire il repertorio per duechitarre al Biennio Cameristico di Secondo Livello.Laureati nel 2007, continuano a perfezionarsi in duo frequentando masterclass e seminari con i piùimportanti chitarristi italiani tra cui: Matteo Mela, Andrea Dieci, Leopoldo Saracino, BrunoGiuffredi.Attualmente studiano all’Accademia “G. Regondi” di Milano.Interessati all'importante e consistente letteratura originale di inizio '800 e '900 inserisconocostantemente brani moderni, contemporanei e trascrizioni nel loro programma concertistico.Hanno trascritto, a loro volta, brani per duo chitarristico pubblicati per la casa editrice Berben.Il DUO LUMEN suona chitarre Philip Woodfield.


I Rachel's, post rock avantgarde ensemble, terza parte

Già reduce dallo spiazzante debutto "Handwriting" e dall'omaggio schoenberghiano "Music For Egon Schiele", il collettivo dei Rachel's diventano piu` che una semplice occasione di far musica fra amici con The Sea And The Bells (Quarterstick, 1996) ancora sotto la direzione di Bob Weston e con un'amplissima formazione (diciassette elementi) che, accanto a musicisti di formazione eminentemente classica, ne vede altri che, dimessa ogni amplificazione e sovrastruttura elettrica, accostano a una complessa strumentazione orchestrale – dagli onnipresenti archi fino a tromba, clarino e timpani – i soli contributi estranei di una robusta sezione ritmica e di field recordings di tanto in tanto affioranti.



Ispirato dall'omonima ode di Neruda, due versi della quale campeggiano all'inizio dell'elegante libretto accluso al disco, concepito come una sorta di diario di bordo di una navigazione collocata in un passato in cui ogni viaggio rappresentava un'avventura e il distacco dalla terra simboleggiava la transizione a una realtà indefinita nello spazio e nel tempo. Altrettanto simbolico risulta dunque il richiamo a quei versi, non solo per l'immaginario marittimo che funge da filo conduttore dell'album, ma anche per la desemantizzazione qui compiuta dai Rachel's, tanto nel senso di un'espressività travalicante l'uso stesso della parola, quanto in quello di una riduzione del linguaggio musicale a strutture primigenie e in apparenza semplici, nelle quali i confini tra significato e significante si riducono fino a svanire.
"The Sea And The Bells" è un concept-album interamente dedicato al tema del mare e dei naviganti. Tredici i brani, per un'ora di musica, con il pianoforte di Rachel in evidenza, attorniato da violino, viola, violoncello, chitarra, basso, batteria e, per l'appunto, campanelli, a creare un "sound so pure. simple and passionate" ("Transmission"). La storia, che racconta di mare, di viaggi e di sirene, si snoda in maniera lenta e suggestiva, con un incedere quasi teatrale, tra arie rinascimentali eseguite nello spirito minimalista della Penguin Cafe` Orchestra (Rhine & Courtesan) e minimalismo drammatico stile Nyman (Cypress Branches), soffici sonate al pianoforte (Tea Merchants) e adagi pastorali lasciati fluttuare nel nulla ("All Is Calm"), brani di puri effetti timbrici con istantanee di tenebrosi field recordings come With More Air Than Words, paesaggi sonori appena abbozzati come Night At Sea e pezzi complessi, al limite del serialismo, di una qualità allucinata, come The Voyage Of Camille e His Eyes, o l'inquietante corpo centrale di Lloyd's Register, soggiogato, ma solo per poco, dalla violenza di archi distorti e spasmi di tromba, e dello stridore disturbante delle viole che irrompe su Sirens, quale agghiacciante monito alla vulnerabilità dell'animo umano.
Lungi dal riproporre pesanti atmosfere classicheggianti alla Yes o Emerson Lake & Palmer, i Rachel's ribaltano l'operazione compiuta da certo progressive dei 70: non suonano rock con l'attitudine di musicisti classici, ma suonano musica classica con attitudine rock. Come scrive Ferruccio Quercetti su "Music Club", infatti, "è come se i Minor Threat si lanciassero in una sonata per pianoforte". Ma, tra i loro riferimenti, i Rachel's citano anche musicisti come Michael Nyman, Arvo Part, Bill Frisell, John Zorn, e rock-band come Tortoise, Don Caballero e Talk Talk. Un magnifico gioco di specchi, che riflettono figure scomponendole e ricomponendole in maniera del tutto sorprendente e giocando con gli ossimori di forme generalmente ritenute tra loro opposte. Non appaia dunque temerario affermare che l'essenza del lavoro trae origine da un'impostazione di base derivante dal post-punk e dal noise in coerenza, del resto, con le biografie artistiche di alcuni dei musicisti qui impegnati (Bob Weston, già negli Shellac, Jason Noble e Kevin Coultas nei Rodan), filtrati tuttavia attraverso un'inconsueta sensibilità cameristica e di conseguenza tradotti in composizioni guidate da archi e pianoforte.

martedì 21 dicembre 2010

I Rachel's, post rock avantgarde ensemble, seconda parte



Grimes compose poi la musica per il balletto Music For Egon Schiele (Quarterstick, 1995). Lo stile si e` fatto ancor piu` austero, con il pianoforte relegato a parti di nervoso e impressionista sottofondo e accentuando la componente spettrale e onirica della loro musica, con sonorità possibilmente ancora più intimiste e oscure di quelle del disco precedente. Al centro dell'opera e` una Promenade di una compostezza quasi funebre. Il tono del disco e` pero` forse propiziato soprattutto dal metodo di First Self e Second Self, due pezzi programmatici in cui la melodia della viola si distende sul brusio a dirotto del pianoforte. Nell'ambito di questa musica da camera psicanalitica si situano l'assorta trance di Family Portrait, il valzer zoppicante di Egon & Edith, il languore decadente del dolente trascinarsi di Wally Egon & Models, tutti contrassegnati da leggiadri incubi e immobili allucinazioni.
Emblema della pittura espressionista mitteleuropea di inizio '900, Egon Schiele è stato un personaggio affascinante e misterioso e questo disco, a mio parere molto sottovalutato rimane come un sincero ed incondizionato atto d'amore nei confronti del grande pittore austriaco. La dilaniante ricerca psicologica che in Schiele scavava nei personaggi fino a rivelarne la più recondita essenza, viene splendidamente trasposta dai Rachel's a livello sonoro e musematico, ancor prima che musicale: perchè prima dei fraseggi melodici e delle più complesse armonie del disco, sono i timbri e i modi d'esecuzione strumentale a riflettere di Schiele le stesse nevrosi, la stessa fragilità, lo stesso tratto ora più dolce e malinconico: Music For Egon Schiele è prima di tutto la trasposizione acustica della sua esistenza, dei suoi incontri, e del rapporto con le persone che hanno scandito le tappe della sua breve vita (morì a 28 anni di febbre spagnola): a un pianoforte, un violoncello e una viola la responsabilità di narrarla.
Music For Egon Schiele definisce anche un imprescindibile particolare che va a distinguere la musica dei Rachel's dagli altri interpreti di tale tendenza: ovvero la cura (tipica dei musicisti classici) con cui gli arrangiamenti e, soprattutto, le parti soliste vengono ideate e realizzate, oltre che la precisione di un'impostazione strumentale che, sebbene sconfini spesso nel drammatico e ben educato minimalismo alla Nyman è in grado di spaziare in un mare di modi, timbri, tonalità e atmosfere da brivido.



Sebbene incostante in alcune sue parti a causa di qualche smarrimento melodico di troppo, Music For Egon Schiele è innanzitutto una commovente parentesi nella parabola compositiva dei Rachel's (nè il capolavoro The Sea And The Bells, nè i successivi Selenography e Systems/Layers saranno in grado di toccare tali vette di drammaticità romantica, orientandosi piuttosto verso uno stile più ricercato e contaminato), ed è infine un album al di là del tempo, del giudizio e dell'estetica musicale moderna perchè, anche se potrà risultare di difficile assimilazione per un orecchio poco propenso ad uno stile del genere, si tratta di un'opera estremamente affascinante e splendidamente realizzata, proprio perchè rende attuali le suggestioni emotive di un'era ormai scomparsa oltre che di un personaggio immortale.

lunedì 20 dicembre 2010

Luigi Attademo: monografia



Intervista con Luigi Attademo

Video

Improvvisazione Sua natura e pratica in musica è uscito tradotto in italiano!


Autore: Derek Bailey
Traduzione di: Francesco Martinelli
Introduzione di: Arnold I. Davidson

http://www.edizioniets.com/Scheda.asp?N=9788846726988

Improvvisazione è stato il primo ed è ancora il più importante libro che si occupa della natura dell'improvvisazione musicale. Derek Bailey ne ripercorre la storia in modo lucido e approfondito, dalla sua quasi totale estinzione nella musica europea fino al suo ritorno in auge attraverso l'influenza del jazz, delle musiche tradizionali e della ricerca musicale del XX secolo. Frutto di una serie di trasmissioni radio in cui il chitarrista inglese aveva discusso dell'improvvisazione musicale in diverse tradizioni, la prima edizione inglese del libro (1980) è poi servita da base per la realizzazione di un documentario, che ha condotto ad una edizione nuova, aggiornata e arricchita, che attraversa la musica tradizionale dell'India, il flamenco, il barocco, la musica organistica, il rock, il jazz, la musica contemporanea e l'improvvisazione libera, in appassionate conversazioni con alcuni tra i massimi rappresentanti di queste aree, come, fra gli altri, John Zorn, Steve Howe, Steve Lacy, Lionel Salter, Paco Pena, Evan Parker, Ronnie Scott.
Improvvisazione viene oggi presentato in un'edizione rivista e aggiornata ed è inserito in una collana che, in modo innovativo ed eterodosso, guarda all'improvvisazione in musica come ad una pratica filosofica a tutti gli effetti. «In fin dei conti - si legge nella prefazione al libro - l'improvvisazione, per chi suona e per chi ascolta, è una trasformazione del mondo e di noi stessi. È un esercizio che crea un nuovo universo acustico la cui creazione rappresenta una nuova visione dell'organizzazione estetica, etica e politica delle nostre vite».


I Rachel's, post rock avantgarde ensemble, prima parte

Avanzo una provocazione pesante: i Rachel’s sono riusciti dove torme di artisti progressive rock hanno miseramente fallito: creare un rock da camera originale e di grande fascino, proponendo un originale connubio tra arrangiamenti orchestrali di tipo classico e improvvisazioni post-rock, nel tentativo di gettare un ponte tra Romanticismo ottocentesco e avanguardie rock contemporanee. Con il risultato di suonare una musica minimalista e romantica, soave e struggente, che si pone a fianco degli esperimenti del Kronos Quartet e le innovazioni della Penguin Cafè Orchestra.



Formato nel 1991 a Baltimore, quando uscì la cassetta Rachel's Halo, coagulatosi a metà anni 90 intorno alla pianista Rachel Grimes e comprendente, in veste di musicisti e produttori, da una dozzina a una ventina di musicisti di formazione, classica, jazz e rock provenienti dalla fervida scena musicale di Louisville, Kentucky, l'ensemble da camera Rachel's deve il suo successo nel fatto di aver tentato la fusione fra rock e classica e fra composizione e improvvisazione, non adagiandosi nella ricerca di una forma ibrida ma lavorando nel metodo strumentale, riuscendo con successo ad elaborare una forma di musica popolare per questi anni 1.0.
Guidati dal violoncellista Christian Frederickson, attivo anche nella Turtle Bluff Orchestra, dal chitarrista Jason Noble (che suona anche nei Rodan) e dalla pianista Rachel Grimes, il gruppo esordi` su disco con Handwriting (Quarterstick, 1995), ), definito come "gli Slint alle prese con Debussy", che raccoglieva vecchie (1991-1994) composizioni per ensemble da camera (Southbound To Marion, Saccharin, Seratonin, la sonata per pianoforte di Frida Kahlo, Handwriting per soli archi) e qualche jam di jazz notturno (i dodici minuti di M Daguerre). Il disco, la cui vena classical viene esplorata di pari passo a timidi bagliori di un post rock etereo e decadente, è coronato dai 14 minuti della suite Full On Night, per chitarra, pianoforte, percussioni ed elettronica. Una qualità mestamente decadente e dallo spleen romantico, che ricorda un po’ l'atmosfera delle colonne sonore dei film muti, impedisce di classificarlo nella banale new age, da cui si distacca dimostrando fin da subito la presenza di robuste basi compositive e un progetto e un percorso artistico che negli anni a venire sveleranno tutta la loro solidità.

sabato 18 dicembre 2010

Luigi Attademo plays Scarlatti Sonata K77

Domenica 19 dicembre – ore 11.00 MIlano Simone MAssaron presenta The BIg Empty!


Domenica 19 dicembre – ore 11.00
Sound Food & L’Erboristeria Presentano:
Simone Massaron “The Big Empty”
Il chitarrista Simone Massaron presenta il suo ultimo cd “The Big Empty” con un concerto all’interno del negozio L’Erboristeria di Corso di Porta Romana 123 a Milano
The Big Empty è un disco dedicato alla memoria e al passato.
Nella primavera del 2009 l’autore affronta un trasloco dopo più di un decennio vissuto nella stessa casa. Eliminata gran parte del mobilio i muri vuoti hanno restituito ai ricordi i loro luoghi immaginari spogliati dagli oggetti. Ispirato anche dall’anomala acustica dettata dal vuoto, Massaron registra con la sola chitarra una serie di brani che formano un disco intimo e profondo.
Queste composizioni e improvvisazioni sono riproposte dal vivo con lo stesso spirito riflessivo delle registrazioni.
Un disco bello e austero. Il rapporto tra Massaron e il jazz sta da qualche parte tra un giovane Derek Bailey in lotta per liberare la propria urgenza espressiva e un vecchio Derek Bailey che fa la pace con cio' che ne e' rimasto. Ad ogni modo, Massaron ha imparato la lezione degli improvvisatori, ma e' chiaramente affezionato alla forma canzone/memoria/composizione. Suona sfruttando un ampio bagaglio fraseologico - pur senza ostentarlo - ma anche con grande delicatezza, qualita' messe entrambe in mostra in questo nudo, in gran parte disadorno, in gran parte acustico cd di chitarra solo.
Gran bel lavoro.
Marc Ribot (Lounge Lizards, John Zorn, Tom Waits, Robert Plant)

Luigi Attademo plays Bach Ciaccona

venerdì 17 dicembre 2010

Concerto di Natale dell’orchestra “G. Petrassi” a Frascati (Rm) Giovedì 23/12/2010, ore 21,00

Concerto di Natale dell’orchestra “G. Petrassi” a Frascati (Rm)
Concerto di Aranjuez, chitarra Michele Greci

Regione Lazio
Istituzione Palazzo Rospigliosi di Zagarolo
Comune di Frascati
Orchestra “G. Petrassi” di Zagarolo
direttore M° Francesco Vizioli
chitarra: Michele Greci
mezzosoprano: Isabella Amati

Programma:

I Parte

Goffredo Petrassi – Liriche di Saffo (mezzosoprano Isabella Amati)
Joaquin Rodrigo – Concerto di Aranjuez (chitarra Michele Greci)

II Parte

Franz Lizst: Angelus
Antonio Vivaldi – Concerto per archi in La maggiore
Karl Orff– Carmina Burana

Sala Aldobrandini, Frascati (Rm)
Giovedì 23/12/2010, ore 21,00

Ingresso gratuito

Intervista con Luigi Attademo, quarta parte


Come vede la crisi del mercato discografico, con il passaggio dal supporto digitale al download in mp3 e tutto questo nuovo scenario? Tutta questa passiva tendenza ad essere aggiornati e di possedere tonnellate di mp3 che difficilmente potranno essere ascoltati con la dovuta attenzione non comporta il rischio di trascurare la reale assimilazione di idee e di processi creativi? Le faccio questa domanda anche il relazione al fatto che lei ha realizzato diversi dischi .. come viene curata la loro distribuzione?

Partendo dalla mia esperienza personale, devo dire che il disco rappresenta forse un “prodotto” obsoleto, non tanto perché è superato dalla tecnologia, quanto perché non ha un grande mercato. Nessuna casa discografica, o quasi, è pronta a investire su un progetto musicale che riguarda un pubblico di nicchia, a meno che non le sia garantita una copertura finanziaria a priori, attraverso una sponsorizzazione o la garanzia da parte dell’artista di acquisto di un cospicuo numero di copie. Questo avviene per tutte le case discografiche che io ho avuto modo di contattare, ad eccezione di quella con cui lavoro attualmente. Quindi il paradosso è che un artista, oltre a progettare e realizzare il suo lavoro, deve anche pagare registrazione e casa discografica, diventando quindi un produttore senza volerlo e con l’aggravante di dover garantire in partenza utili a chi concorre alla realizzazione del progetto. Ho lavorato con una piccola casa discografica all’inizio della mia carriera legata a una rivista, ma purtroppo questa casa ha cessato la sua attività. Parte di questo materiale l’ho distribuito in forma gratuita attraverso la mia pagina web. Il mio primo disco – dedicato a Scarlatti - invece è stato acquisito dalla Brilliant Classics e ripubblicato nel 2009. In altre occasioni ho realizzato dei cd in collaborazione con riviste specializzate, in uno di questi casi più favorevolmente ho venduto la licenza per la pubblicazione, una forma tutto sommato più corretta che lascia la proprietà a chi produce e offre una contropartita economica per la licenza d’uso.
E’ vero che siamo in un momento in cui chiunque può realizzare un disco: la fattura del prodotto e la qualità interpretativa fanno e faranno sempre, secondo me, la differenza.

Ci consigli cinque dischi per lei indispensabili, da avere sempre con se.. i classici cinque dischi per l‘isola deserta.. Che musiche ascolta di solito?

E’ difficilissimo rispondere: spesso le mie preferenze cambiano. Così a bruciapelo direi Horowitz nelle Sonate di Scarlatti, le Suites di Bach per violoncello suonate da Casals, le Sonate di Schubert di Radu Lupu, la Sagra della Primavera di Bernstein, le prime sonate di Beethoven suonate da Glenn Gould… ma ci sarebbe molta altra musica. Attualmente sono attratto dalla musica barocca: Froberger, Frescobaldi, Scarlatti, Vivaldi, Couperin… ma potrei dire, Schubert e Schumann, Bartok e Shostakovic… insomma, tutto quello che è bello.

Quali sono invece i suoi cinque spartiti indispensabili?

Sonate e partite per violino di Bach, Nocturnal di Britten, Homenaje di Manuel de Falla, Studi di Villa-Lobos, Sonate di Scarlatti: ma anche questa risposta potrebbe essere contraddetta tra breve.

Il Blog viene letto anche da giovani neodiplomati e diplomandi, che consigli si sente di dare a chi, dopo anni di studio, ha deciso di iniziare la carriera di musicista?

E’ difficile dare dei consigli che non appaiano retorici quali essere fedeli a se stessi, pensare la musica come una grande esperienza di vita e di arricchimento, ecc. Quello che penso sia veramente importante è sapere come è difficile vivere con la musica e nel mondo della musica, ma anche che la musica rappresenta un grande spazio di realizzazione. Il mio consiglio è di studiare molto e allargare il più possibile i propri orizzonti, perché sapere significa essere liberi: domandarsi sempre perché e non pensare che ci siano parole definitive, anche di fronte a grandi maestri. E, in ultimo, quello che Scarlatti scrive alla fine dell’introduzione degli Essercizi per gravicembalo, dopo aver dato le istruzioni esecutive, ossia “vivi felice”.

Con chi le piacerebbe suonare e chi le piacerebbe suonare? Quali sono i suoi prossimi progetti? Su cosa sta lavorando?

Tre risposte in una: sto lavorando su Bach, a una registrazione integrale del repertorio tradizionalmente suonato sulla chitarra che uscirà spero il prossimo anno e su un progetto concertistico che mette insieme Paganini e autori contemporanei italiani (non chitarristi) a cui ho chiesto di scrivere ispirandosi a Paganini e in particolare ai Ghiribizzi.
Spero di ritornare sulla musica barocca (ho in mente un nuovo programma che presenterò l'anno prossimo alla Festival della Guitar Foundation of America), senza dimenticare la musica da camera e con qualche incursione sul teatro:in particolare ho in mente di realizzare un mio progetto su Pasolini... ma non voglio dire di più.
Il mio sogno sarebbe quello di suonare con Peppe Barra (grande attore e cantante) le canzoni della tradizione napoletana...


Ultima domanda, proviamo a voltare verso la musica le tre domande di J.P.Sartre verso la letteratura: Perché si fa musica? E ancora: qual è il posto di chi fa musica nella società contemporanea? In quale misura la musica può contribuire all’evoluzione di questa società?

Si tratta ancora una volta di una domanda molto impegnativa: perché si fa musica? Può essere perché c’è la possibilità del perché. La domanda è un continuo cercare il senso e diventa il senso stesso del cercare. Il famoso clown Grock interrompeva le sue comiche performance rivolgendosi al pubblico e chiedendo: warum?(perché?, appunto). Tragicamente la società contemporanea ha assottigliato, come è avvenuto nell’atmosfera con l’ozono, lo spessore e l’importanza della tradizione musicale. La musica è soprattutto un prodotto o addirittura una merce. Non è più parte della vita delle persone, nella maggior parte dei casi. Questo va in qualche modo di pari passo con la scomparsa della spiritualità o con la sua sostituzione con forme più edulcorate. Però se crediamo nella musica, e crediamo perché non faremmo altrimenti i musicisti, non possiamo non pensare che essa determini un cambiamento della società: non di tutta, non in un solo colpo, ma di una singola persona alla volta sì, di quell’ascoltatore che assisterà forse a un nostro concerto e uscirà dalla sala diverso: questo è il nostro scopo. Ricordo Mauricio Kagel quando a Fiesole nel 2008, pochi mesi prima di morire, disse a me e altri giovani artisti presenti che lavoravano alla sua musica, “io sono qui per passare il testimone”: questo è il compito di un musicista, credo.

Grazie Maestro!

Empedocle70

giovedì 16 dicembre 2010

Intervista con Luigi Attademo, terza parte


Ho, a volte, la sensazione che nella nostra epoca la storia della musica scorra senza un particolare interesse per il suo decorso cronologico, nella nostra discoteca-biblioteca musicale il prima e il dopo, il passato e il futuro diventano elementi intercambiabili, questo non può comportare il rischio per un interprete e per un compositore di una visione uniforme? Di una “globalizzazione” musicale?

Io sinceramente non penso. O meglio, penso che ci sia una tendenza ad appiattire, una tendenza della cultura contemporanea che forse è legata anche alla trasparenza di un'epoca con l'altra. In questo momento storico tutto è possibile, anche a livello di linguaggio artistico, e questo può generare smarrimento e indifferenza. Vorrei citare qui un passo delle sacre scritture, quello in cui nell'Apocalisse di Giovanni si condanna la chiesa di Laodicea per non essere né calda né fredda. Questa medietà è forse uno dei mali dell'uomo e dell'artista in questo momento.

Più che una domanda .. questa è in realtà una riflessione: Luigi Nono ha dichiarato “Altri pensieri, altri rumori, altre sonorità, altre idee. Quando si ascolta, si cerca spesso di ritrovare se stesso negli altri. Ritrovare i propri meccanismi, sistema, razionalismo, nell’altro. E questo è una violenza del tutto conservatrice.” … ora .. la sperimentazione libera dal peso di dover ricordare?

Fermo restando che andrebbe contestualizzata la frase di Nono, non mi trovo molto d'accordo con lui. Questa esigenza di rottura, e in particolare la necessità di eliminare la tradizione, la memoria della tradizione, rappresenta a mio avviso uno dei maggiori danni che la musica d'avanguardia e la sua estetica ha determinato sull'idea del far musica. Penso e credo che non ci si possa emancipare dal passato e dalla tradizione, dalla propria storicità: anzi, con Gadamer, direi che è solo a partire da questa storicità che possiamo essere a pieno interpreti. Non è un caso che in certa musica d'avanguardia la figura dell'interprete sia stata ridotta a quella di puro esecutore. Le sperimentazioni più valide artisticamente partono sempre da persone che hanno ben presente il significato della loro storia.

Qual è il ruolo dell’Errore nella sua visione musicale? Dove per errore intendo un procedimento erroneo, un’irregolarità nel normale funzionamento di un meccanismo, una discontinuità su una superficie altrimenti uniforme che può portare a nuovi sviluppi e inattese sorprese...

Apprezzo l’uso della lettera maiuscola. Effettivamente l’Errore ha una portata molto più ampia di uno sbaglio. Spesso ci preoccupiamo di non sbagliare, che una buona interpretazione sia frutto di assenza di errori. Certamente questa domanda apre la porta a un discorso difficile, quello della verità – pensiamo l’errore infatti sempre in relazione a qualcosa che riteniamo giusta o ben fatta, in qualche modo dando per scontato che una lettura possa essere esaustiva. Molto più facile limitarsi all’oggettività della nota giusta o sbagliata – ma questo solo se ci si riferisce all’altezza della nota – ma la nota non è solo un’altezza, essendo all’interno di un discorso musicale vive in relazione dinamica con le altre note e ha un’intenzione, esattamente come una parola nel discorso. Quindi oltre all’aspetto quantitativo dello sbaglio, c’è un discorso qualitativo, rispetto al senso che ha quella nota: e allora scopriamo che l’aspetto oggettivo viene meno. Ma la domanda mi sembra non andasse in questa direzione, bensì a sottolineare la possibilità che le cose siano e accadano diversamente da come sono progettate. Un errore interpretativo è sempre qualcosa che mostra la nostra fallibilità, ma sicuramente offre una possibilità di crescita. Talvolta, come accade nella scienza, l’errore è un’occasione. La differenza sta nella capacità di includere l’errore nel processo creativo e in qualche modo essere consapevoli di quanto l’errore possa cambiare la geografia della nostra conoscenza e della nostra sensibilità.

Parliamo di marketing. Quanto pensa che sia importante per un musicista moderno? Intendo dire: quanto è determinante essere dei buoni promotori di se stessi e del proprio lavoro nel mondo della musica di oggi?

Provengo da un contesto formativo in cui questo discorso era assente: anzi, se c’era, era per mostrare certi aspetti negativi che distolgono dal fare musicale. Sicuramente il mondo di oggi ha necessità di musicisti capaci di studiare, come dicevo, di scrivere e anche di promuoversi. Io sono abbastanza poco portato, immagino per carattere e per formazione, a coltivare questa attitudine, ed è certamente un limite. Purtroppo viviamo in un contesto dove un chitarrista classico è per un’agenzia un artista poco interessante (e poco redditizio) da rappresentare. Dunque il fai-da-te è indispensabile. Voglio però precisare che questo non implica il tuffarsi nella giungla dello “scambismo”, dove esplicitamente non conta più cosa fai, ma cosa organizzi e cosa offri in cambio. Assistere dunque alla sostituzione del contenuto musicale con un “packaging” basato sull’immagine o peggio sulla creazione di una rete di scambi, è una deriva che il nostro contesto non ci sta risparmiando, e che dà un brutto segnale alle nuove generazioni, perché sembra sia impossibile suonare senza questa premessa.

continua domani

mercoledì 15 dicembre 2010

Diserzioni: Alchemistica “Into Deep” è disponibile il podcast della puntata con interviste a Arturo Tallini, Eugenio Becherucci e Adolfo La Volpe


“Improvisation enjoys the curious distinction of being both the most widely practised of all musical activities and the least acknowledged and understood.
While it is today present in almost every area of music, there is an almost absence of information about it.”
Derek Bailey, Improvisation Its nature and Practice in Music.

"Diserzioni meets Into Deep" dedicata ad AlchEmistica netlabel con interviste in diretta ai Maestri Arturo Tallini, Eugenio Becherucci e Adolfo La Volpe.
Conducono Andrea De Rocco, Lorenzo Isacco, Andrea Aguzzi, con la regia di Mario Marino

Arturo Tallini: Improvvisation 01
Arturo Tallini: Improvvisation 02
Arturo Tallini: Improvvisation 03
Eugenio Becherucci: take without overdub
Eugenio Becherucci: on e
Eugenio Becherucci: the harmonics rite
Adolfo La Volpe: 1
Adolfo La Volpe: 4